30.8.04
EL OJO CRITICO
Soy un crítico. No. No creo que lo sea, ni lo pretendo. Aunque el estilo que utilizo al escribir recuerde al palabrerío hueco y a la verborrea descosida de algunos críticos, me niego a ser considerado como crítico cinematográfico. Para esto no se estudia, solo hace falta tener un buen curro en alguna publicación y ver cine. Si acaso puedes haber hecho Periodismo en la facultad.
Yo no he estudiado Periodismo, pero sí estudio Cine. No como carrera si no como experiencia vital. Alguien dijo una vez que lo que vemos a través de la pantalla es el reflejo de nuestras vidas. Pues es eso precisamente lo que me atrae de esta actividad, que al hablar de cine, puedo hablar de mi vida. Y si no comprobadlo. Los que me sigáis más o menos con cierta asiduidad en este rincón, habréis compartido trocitos de mi vida. Sabréis que he visto en los últimos días, con qué películas he disfrutado, llorado, reído, etc... Incluso sabéis a que hora me pongo a escribir esto en el ciber más cercano. Fijáos si me tenéis controlado.
Vuelvo a lo de ser crítico. En cierta forma, todos lo somos. O ¿qué es lo que hacemos cuando salimos del cine o terminamos de ver una peli en casa?...
-"Pues no está nada mal. Me ha gustado"
-"Tal escena ha sido espectacular"
-"Me ha gustado el actor protagonista"
Críticas amigos mios. Críticas no sujetas a ningún patrón. Críticas que no tiene intenciones de perdurar. Críticas que no van a servir para ponerles estrellitas en los diarios o revistas especializadas. Somos críticos libres, no sujetos a que siempre nos guste el cine iraní o finlandés. Críticos que podemos decir con la boca llena que una película de acción bien hecha, es una gran película. Tenemos ese poder y debemos usarlo de forma que no parezca que vemos un film por obligación, sino por devoción al Séptimo Arte.
Yo por mi parte, seguiré ofreciéndoos mis opiniones sobre lo que me ha atraído en los últimos tiempos. Cuando os hablo de "Camino a la perdición", "Soñadores", "Psicosis" o "Hero" no es por querer tirarme el pegote. Simplemente es porque quiero compartir con vosotros lo maravilloso que es este invento llamado CINEMATOGRAFO.
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Yo no he estudiado Periodismo, pero sí estudio Cine. No como carrera si no como experiencia vital. Alguien dijo una vez que lo que vemos a través de la pantalla es el reflejo de nuestras vidas. Pues es eso precisamente lo que me atrae de esta actividad, que al hablar de cine, puedo hablar de mi vida. Y si no comprobadlo. Los que me sigáis más o menos con cierta asiduidad en este rincón, habréis compartido trocitos de mi vida. Sabréis que he visto en los últimos días, con qué películas he disfrutado, llorado, reído, etc... Incluso sabéis a que hora me pongo a escribir esto en el ciber más cercano. Fijáos si me tenéis controlado.
Vuelvo a lo de ser crítico. En cierta forma, todos lo somos. O ¿qué es lo que hacemos cuando salimos del cine o terminamos de ver una peli en casa?...
-"Pues no está nada mal. Me ha gustado"
-"Tal escena ha sido espectacular"
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Críticas amigos mios. Críticas no sujetas a ningún patrón. Críticas que no tiene intenciones de perdurar. Críticas que no van a servir para ponerles estrellitas en los diarios o revistas especializadas. Somos críticos libres, no sujetos a que siempre nos guste el cine iraní o finlandés. Críticos que podemos decir con la boca llena que una película de acción bien hecha, es una gran película. Tenemos ese poder y debemos usarlo de forma que no parezca que vemos un film por obligación, sino por devoción al Séptimo Arte.
Yo por mi parte, seguiré ofreciéndoos mis opiniones sobre lo que me ha atraído en los últimos tiempos. Cuando os hablo de "Camino a la perdición", "Soñadores", "Psicosis" o "Hero" no es por querer tirarme el pegote. Simplemente es porque quiero compartir con vosotros lo maravilloso que es este invento llamado CINEMATOGRAFO.
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28.8.04
¿Y EL OSCAR NO FUE PARA...?
Sam Mendes y Bernardo Bertolucci son dos realizadores prestigiosos. Ambos por han tenido una carrera respetable. La de uno ha sido más larga e intensa que la del otro por razones de edad. Pero ambos tiene en común un cine de calidad y que nunca defrauda a sus seguidores.
Ambos son los directores de las mejores películas de los dos últimos años (naturalmente para el que suscribe), pero que por razones insondables no han tenido el eco que se merecen.
Mendes es un inglés que se curtió en el teatro. Reputado director de la Royal Shakespeare Company, se lanzó al mundo del cine con la premiada "American Beauty", con la que ganó el Oscar. Su segunda incursión en el celuloide fue con una historia clásica de gangsters. "Camino a la perdición" se sustenta en una historia básica de venganza (con niño incluido) y en las intepretaciones de tres monstruos: Paul Newman, Tom Hanks y Jude Law. Otra visión de la mafia, esta vez irlandesa, de la que Coppola nos ofrece con sus Corleone. Estos mafiosos tienen en común con aquellos su fuerte compromiso con la religión y la familia, a la vez que se nos muestra la fortaleza del crimen organizado irlandés y sus conexiones con la Cosa Nostra italiana.
El film nos deja algunas perlas: la música de Thomas Newman, hijo, hermano y primo de músicos, la fotografía del recientemente fallecido Conrad L. Hall, las propias intepretaciones, el diseño de producción, etc...
Bertolucci por su parte lleva muchos años demostrando que se puede ganar un puesto en el Olimpo de los grandes realizadores. El pasado año se sacó de la manga un relato iniciático y experimentador (sentimientos, sexo, conocimientos) de tres chavales que se ven envueltos en los acontecimientos de Mayo del 68 en París. A la vez van desgranando sus personalidades marcadas por un fuerte amor por el cine. "Soñadores" es una película sobre la esencia humana y la del cine. Homenaje por todo lo alto a la Cinemathéque, a Cahiers du Cinema y a sus padres creadores (Godard, Tanner, Truffaut). Brillantes intepretaciones del trío principal: Michael Pitt, Louis Garrel y una sugerente y enigmática Eva Green, a la que queremos ver más en las pantallas.
Ninguna de estas películas se llevaron los honores en los festivales o en las entregas de premios pero siempre quedarán en ese rincón de los recuerdos como dos de las películas más bellas de los últimos años.
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Sam Mendes y Bernardo Bertolucci son dos realizadores prestigiosos. Ambos por han tenido una carrera respetable. La de uno ha sido más larga e intensa que la del otro por razones de edad. Pero ambos tiene en común un cine de calidad y que nunca defrauda a sus seguidores.
Ambos son los directores de las mejores películas de los dos últimos años (naturalmente para el que suscribe), pero que por razones insondables no han tenido el eco que se merecen.
Mendes es un inglés que se curtió en el teatro. Reputado director de la Royal Shakespeare Company, se lanzó al mundo del cine con la premiada "American Beauty", con la que ganó el Oscar. Su segunda incursión en el celuloide fue con una historia clásica de gangsters. "Camino a la perdición" se sustenta en una historia básica de venganza (con niño incluido) y en las intepretaciones de tres monstruos: Paul Newman, Tom Hanks y Jude Law. Otra visión de la mafia, esta vez irlandesa, de la que Coppola nos ofrece con sus Corleone. Estos mafiosos tienen en común con aquellos su fuerte compromiso con la religión y la familia, a la vez que se nos muestra la fortaleza del crimen organizado irlandés y sus conexiones con la Cosa Nostra italiana.
El film nos deja algunas perlas: la música de Thomas Newman, hijo, hermano y primo de músicos, la fotografía del recientemente fallecido Conrad L. Hall, las propias intepretaciones, el diseño de producción, etc...
Bertolucci por su parte lleva muchos años demostrando que se puede ganar un puesto en el Olimpo de los grandes realizadores. El pasado año se sacó de la manga un relato iniciático y experimentador (sentimientos, sexo, conocimientos) de tres chavales que se ven envueltos en los acontecimientos de Mayo del 68 en París. A la vez van desgranando sus personalidades marcadas por un fuerte amor por el cine. "Soñadores" es una película sobre la esencia humana y la del cine. Homenaje por todo lo alto a la Cinemathéque, a Cahiers du Cinema y a sus padres creadores (Godard, Tanner, Truffaut). Brillantes intepretaciones del trío principal: Michael Pitt, Louis Garrel y una sugerente y enigmática Eva Green, a la que queremos ver más en las pantallas.
Ninguna de estas películas se llevaron los honores en los festivales o en las entregas de premios pero siempre quedarán en ese rincón de los recuerdos como dos de las películas más bellas de los últimos años.
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25.8.04
THE MIRACLE WORKER
Pues sí, amiga Charo. Me ha costado encontrarla pero al fin he dado con ella. Este es el título original de la peli por la que me preguntaste ayer.
A los demás os cuento que Charo es una buena amiga, interesada en saber algo más sobre una película del año 62 llamada como el título de este escrito, pero que en español (vaya manía que tienen los distribuidores españoles en cambiarle a las pelis extranjeras los títulos) lleva por nombre "El milagro de Ana Sullivan". Y como yo soy todo un caballero y cumplo con lo prometido. Aquí está una breve reseña sobre el film en cuestión.
En realidad hay poco que decir. Probablemente conozcáis la historia. La de una niña ciega y sordomuda llamada Helen Keller, incapaz de conocimiento y de comunicación con el exterior que verá cambiar su vida cuando de su "educación" se haga cargo Anna Sullivan (una gran Anne Bancroft, vista unos años después en "El graduado") una peculiar maestra armada de una gran paciencia para lograr que Helen consiga abrirse al mundo que le rodea. La película narra esos pequeños avances, esos mínimos "milagros" que Helen va consiguiendo día tras día (como el doblar la servilleta del desayuno), actos normales para el resto de mortales, pero tremendamente dificultosos para una persona en ese estado. Recordemos además que la acción no se desarrolla en la actualidad (o en la actualidad de 1962), donde con simples logopedas podríamos obtener grandes cambios, sino cuando aún existía el esclavismo en los EE.UU.
La película fue el descubrimiento de una niña, que aunque ya había hecho algo de TV, encontraba el papel que le haría famosa al interpretar a Helen Keller. Patty Duke (así se llama la actriz) ha desarrollado posteriormente una carrera por lo general alejada de la gran pantalla y centrada en exclusiva en la TV.
No sucedió lo mismo con Anne Bancroft que ha seguido una seria carrera en cine, con títulos como el ya mencionado o como en el "Jesús de Nazareth" de Zefirelli.
Su director, Arthur Penn, también nos proporcionó otros grandes momentos de buen cine, en especial "Bonnie and Clyde" con Faye Dunaway y Warren Beatty y con "La noche se mueve" interpretada por Gene Hackman y una neófita Melanie Griffith.
En fin, misión cumplida. Charo, espero que te haya gustado y sigo esperando peticiones (por ahí teneís mi e-mail para lo que queráis).
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Pues sí, amiga Charo. Me ha costado encontrarla pero al fin he dado con ella. Este es el título original de la peli por la que me preguntaste ayer.
A los demás os cuento que Charo es una buena amiga, interesada en saber algo más sobre una película del año 62 llamada como el título de este escrito, pero que en español (vaya manía que tienen los distribuidores españoles en cambiarle a las pelis extranjeras los títulos) lleva por nombre "El milagro de Ana Sullivan". Y como yo soy todo un caballero y cumplo con lo prometido. Aquí está una breve reseña sobre el film en cuestión.
En realidad hay poco que decir. Probablemente conozcáis la historia. La de una niña ciega y sordomuda llamada Helen Keller, incapaz de conocimiento y de comunicación con el exterior que verá cambiar su vida cuando de su "educación" se haga cargo Anna Sullivan (una gran Anne Bancroft, vista unos años después en "El graduado") una peculiar maestra armada de una gran paciencia para lograr que Helen consiga abrirse al mundo que le rodea. La película narra esos pequeños avances, esos mínimos "milagros" que Helen va consiguiendo día tras día (como el doblar la servilleta del desayuno), actos normales para el resto de mortales, pero tremendamente dificultosos para una persona en ese estado. Recordemos además que la acción no se desarrolla en la actualidad (o en la actualidad de 1962), donde con simples logopedas podríamos obtener grandes cambios, sino cuando aún existía el esclavismo en los EE.UU.
La película fue el descubrimiento de una niña, que aunque ya había hecho algo de TV, encontraba el papel que le haría famosa al interpretar a Helen Keller. Patty Duke (así se llama la actriz) ha desarrollado posteriormente una carrera por lo general alejada de la gran pantalla y centrada en exclusiva en la TV.
No sucedió lo mismo con Anne Bancroft que ha seguido una seria carrera en cine, con títulos como el ya mencionado o como en el "Jesús de Nazareth" de Zefirelli.
Su director, Arthur Penn, también nos proporcionó otros grandes momentos de buen cine, en especial "Bonnie and Clyde" con Faye Dunaway y Warren Beatty y con "La noche se mueve" interpretada por Gene Hackman y una neófita Melanie Griffith.
En fin, misión cumplida. Charo, espero que te haya gustado y sigo esperando peticiones (por ahí teneís mi e-mail para lo que queráis).
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21.8.04
PERDIDAS
No está siendo un buen mes para la música cinematográfica.
Hace poco se nos fue uno de los grandes entre los grandes, Henry Mancini. Hace unos días, otro de los dioses, Elmer Bernstein que hasta practicamente sus últimos días estuvo trabajando. De este último, quedan magnas obras como las de "Los diez mandamientos", "La gran evasión" o "La edad de la inocencia".
Nos estamos quedando sin genios. Afortunadamente se vislumbran po ahí algunos grandes talentos que a falta de explotar, pueden ser los sustitutos de los dos maestros que nos han dejado recientemente.
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No está siendo un buen mes para la música cinematográfica.
Hace poco se nos fue uno de los grandes entre los grandes, Henry Mancini. Hace unos días, otro de los dioses, Elmer Bernstein que hasta practicamente sus últimos días estuvo trabajando. De este último, quedan magnas obras como las de "Los diez mandamientos", "La gran evasión" o "La edad de la inocencia".
Nos estamos quedando sin genios. Afortunadamente se vislumbran po ahí algunos grandes talentos que a falta de explotar, pueden ser los sustitutos de los dos maestros que nos han dejado recientemente.
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16.8.04
MOTEL BATES
Cuando elabore mi lista de películas preferidas seguro que incluiré "Psicosis" (1960), quizás la cinta más famosa de Alfred Hitchcock. Puede que no sea la mejor del maestro, pero todos podremos adivinar porque sí es la más popular.
Una historia sobrecogedora, un guión magistral y extraño, una dirección sublime (eso siempre), música de Bernard Hermann que te hiela la sangre de sólo escucharla al inicio de los títulos de crédito y grandes interpretaciones en especial de Anthony Perkins, que como un Bela Lugosi sin colmillos, se apropió de tal forma del personaje que ya no pudo sacárselo de encima durante el resto de su vida. Ese Norman Bates fue la bendición y la maldición de un Perkins que ya no pudo, no supo o no quiso hacer otro papel que el de desquiciado y amante hijo de la señora Bates.
Una película que en sus primeros 45 minutos no pasa nada. O sí. Un amago de adulterio en la primera escena, otro amago de acoso sexual o mobbing cuando a Marion Crane le dan los 40000 dichosos dólares, un robo, una pequeña intriga con ese frío policía de las gafas de sol, etc... Algo pasa, pero ni por asomo nos imaginamos como iba a terminar la huida de Janet Leigh (la que mejor gritaba en el Hollywood clásico).
Una tormenta, un motel de carretera semiabandonado, un conserje amable y timorato y el horror. Una de las más famosas y memorables escenas del cine, la de la ducha, 75 posiciones de cámara en un cuartucho, unos soberbios gritos, unas puñaladas por aquí y por alli, un cuchillo que se hiende en un melón (el ruido de las puñaladas) un poquito de sangre (en blanco y negro, para que la gente no se asuste tanto) y ese diálogo entre madre-momia e hijo-madre.
Siempre me fascinó el movimiento de cámara sobre el ojo de Leigh una vez que ha caido muerta en el suelo del baño. Esa espiral forma parte de esa iconografía tipicamente hitchcockiana, junto a los contrapicados y los zooms de "Vértigo" o la fotografía brumosa de "Rebeca".
Como una montaña rusa los acontecimientos se suceden en casa de Norman y el corazón se nos sale en otras dos escenas: cuando Arbogast cae malherido por las escaleras (más trucos visuales de tito Alfred) y cuando la hermana de Marion descubre a la señora Bates. Al final la explicación científica de lo que le pasa a Norman. Eso se lo podían haber saltado.
Pero no esa última mirada de Norman y su madre...
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Una historia sobrecogedora, un guión magistral y extraño, una dirección sublime (eso siempre), música de Bernard Hermann que te hiela la sangre de sólo escucharla al inicio de los títulos de crédito y grandes interpretaciones en especial de Anthony Perkins, que como un Bela Lugosi sin colmillos, se apropió de tal forma del personaje que ya no pudo sacárselo de encima durante el resto de su vida. Ese Norman Bates fue la bendición y la maldición de un Perkins que ya no pudo, no supo o no quiso hacer otro papel que el de desquiciado y amante hijo de la señora Bates.
Una película que en sus primeros 45 minutos no pasa nada. O sí. Un amago de adulterio en la primera escena, otro amago de acoso sexual o mobbing cuando a Marion Crane le dan los 40000 dichosos dólares, un robo, una pequeña intriga con ese frío policía de las gafas de sol, etc... Algo pasa, pero ni por asomo nos imaginamos como iba a terminar la huida de Janet Leigh (la que mejor gritaba en el Hollywood clásico).
Una tormenta, un motel de carretera semiabandonado, un conserje amable y timorato y el horror. Una de las más famosas y memorables escenas del cine, la de la ducha, 75 posiciones de cámara en un cuartucho, unos soberbios gritos, unas puñaladas por aquí y por alli, un cuchillo que se hiende en un melón (el ruido de las puñaladas) un poquito de sangre (en blanco y negro, para que la gente no se asuste tanto) y ese diálogo entre madre-momia e hijo-madre.
Siempre me fascinó el movimiento de cámara sobre el ojo de Leigh una vez que ha caido muerta en el suelo del baño. Esa espiral forma parte de esa iconografía tipicamente hitchcockiana, junto a los contrapicados y los zooms de "Vértigo" o la fotografía brumosa de "Rebeca".
Como una montaña rusa los acontecimientos se suceden en casa de Norman y el corazón se nos sale en otras dos escenas: cuando Arbogast cae malherido por las escaleras (más trucos visuales de tito Alfred) y cuando la hermana de Marion descubre a la señora Bates. Al final la explicación científica de lo que le pasa a Norman. Eso se lo podían haber saltado.
Pero no esa última mirada de Norman y su madre...
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15.8.04
UN HOMBRE, UNA BALA
¿Qué haríais si os tocara ir a pegar tiros en una guerra? ¿Os afectaría? ¿Cambiaría vuestra vida después de esa experiencia? Durante una hora de metraje, los protagonistas de "El cazador" se hacen estas y otras cuestiones. La siguiente hora del film es la visualización del conflicto, el punto culminante de las vidas de los tres protagonistas, mientras que en la última parte, encontramos las respuestas a las preguntas realizadas.
"El cazador", dirigida Michael Cimino, no es en realidad una película bélica, no es una película sobre el Vietnam. Esta guerra sólo se toma como pretexto para justificar la naturaleza humana, la maldad, la frialdad, la compasión, el orgullo, el perdón, el dolor,...
Los tres protagonistas se ven sometidos a un proceso extremista en el que pasan de preguntarse ¿qué puede pasar? a ¿por qué ha pasado? Es un drama en el que una experiencia extrema transforma al ser humano. En este caso el director coge una guerra como motor de la historia, pero podría ser cualquier otra cosa.
¿Qué me atrae de esta película? Varias cosas. Reconocer en Cimino a un artesano del cine, ver en estado de gracia a tres grandes actores como John Savage, Christopher Walken y Robert de Niro y observar el poder de sus imágenes tan distantes entre sí, como aquella escena en la que todos cantan una canción que recuerdan al amigo perdido o otra en la que juegan a la ruleta rusa obligados por miembros del Vietcong. Poder en las imágenes, a veces sobrepasando a la palabra. Cimino era una maestro (utilizo el pasado porque no se prodiga mucho en pantalla) en el uso de la imágen. Quizás pecaba de mastodóntico en su juventud. Unas veces los productores le dejaban y se sacaba de la manga maravillas como esta película (a propósito, ganadora de 5 Oscars). Otras veces se le "iba la olla" y entregaba obras tan grandes pero vacías de contenido como "La puerta del cielo" que hundió a su productora y hizo que no volviera a rodar hasta ocho años después.
Esperemos que su genio no se haya apagado y pronto vuelva a deleitarnos con imágenes tan sugerentes como la de un Robert de Niro vencido por un ciervo que sólo le miró.
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"El cazador", dirigida Michael Cimino, no es en realidad una película bélica, no es una película sobre el Vietnam. Esta guerra sólo se toma como pretexto para justificar la naturaleza humana, la maldad, la frialdad, la compasión, el orgullo, el perdón, el dolor,...
Los tres protagonistas se ven sometidos a un proceso extremista en el que pasan de preguntarse ¿qué puede pasar? a ¿por qué ha pasado? Es un drama en el que una experiencia extrema transforma al ser humano. En este caso el director coge una guerra como motor de la historia, pero podría ser cualquier otra cosa.
¿Qué me atrae de esta película? Varias cosas. Reconocer en Cimino a un artesano del cine, ver en estado de gracia a tres grandes actores como John Savage, Christopher Walken y Robert de Niro y observar el poder de sus imágenes tan distantes entre sí, como aquella escena en la que todos cantan una canción que recuerdan al amigo perdido o otra en la que juegan a la ruleta rusa obligados por miembros del Vietcong. Poder en las imágenes, a veces sobrepasando a la palabra. Cimino era una maestro (utilizo el pasado porque no se prodiga mucho en pantalla) en el uso de la imágen. Quizás pecaba de mastodóntico en su juventud. Unas veces los productores le dejaban y se sacaba de la manga maravillas como esta película (a propósito, ganadora de 5 Oscars). Otras veces se le "iba la olla" y entregaba obras tan grandes pero vacías de contenido como "La puerta del cielo" que hundió a su productora y hizo que no volviera a rodar hasta ocho años después.
Esperemos que su genio no se haya apagado y pronto vuelva a deleitarnos con imágenes tan sugerentes como la de un Robert de Niro vencido por un ciervo que sólo le miró.
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13.8.04
OPERA PRIMA TERRORIFICA
¡Buah! ¡Cómo me voy a poner esta noche! Cogeré una cervecita, unas palomitas, me desparramaré por el sillón y disfrutaré durante 80 minutos de la primera película del gran Francis Ford Coppola. La ponen esta noche perdida en la programación y a eso de las 1 de la madrugada. Perfecta hora para visionarla con tranquilidad.
Coppola iba para guionista, bueno de hecho lo sigue siendo, pero me refiero a que sólo iba a ser guionista. De hecho los libretos de los tres Padrinos son suyos aunque con colaboraciones de Mario Puzo, el autor de la novela en la que se basan. También creó los diálogos de otra grandísima cinta dirigida por Franklin J. Schaffner (director de "El planeta de los simios") y protagonizada por el gran histrión George C. Scott. Todos recordaréis ese discurso marcial delante de las barras y las estrellas de la bandera yankee. La película se llamó "Patton" y al jóven Coppola le llovieron los premios por ese guión.
Para entonces ya había dirigido su primera película y algún que otro corto. Pero si hoy es un día gozoso es porque podemos ver en la tele, entre tanto corazoneo y petardeo patrio, una película mínima, pequeña, pero grande en su alcance como "Dementia 13", el debut como realizador de uno de nuestros italoamericanos favoritos. La oportunidad de hacer este film de terror bien construido y de intriga nada condescendiente se la dio uno de los totems de este´maltratado género, Roger Corman, un icono para los amantes del terror, autor de alguna película magnífica, unas cuantas buenas y otras que son basura. Pues Corman se fijó en Francis y le dio la dirección en esta cinta y la verdad es que el muchacho sin hacer una obra de arte consiguió llamar la atención de las majors y de paso adjudicarse unos trabajillos como los mencionados antes. Unos cuatro años después empezó a contar la vida de una familia en Nueva York.
La película se llamaba "El padrino". El resto ya lo sabéis.
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¡Buah! ¡Cómo me voy a poner esta noche! Cogeré una cervecita, unas palomitas, me desparramaré por el sillón y disfrutaré durante 80 minutos de la primera película del gran Francis Ford Coppola. La ponen esta noche perdida en la programación y a eso de las 1 de la madrugada. Perfecta hora para visionarla con tranquilidad.
Coppola iba para guionista, bueno de hecho lo sigue siendo, pero me refiero a que sólo iba a ser guionista. De hecho los libretos de los tres Padrinos son suyos aunque con colaboraciones de Mario Puzo, el autor de la novela en la que se basan. También creó los diálogos de otra grandísima cinta dirigida por Franklin J. Schaffner (director de "El planeta de los simios") y protagonizada por el gran histrión George C. Scott. Todos recordaréis ese discurso marcial delante de las barras y las estrellas de la bandera yankee. La película se llamó "Patton" y al jóven Coppola le llovieron los premios por ese guión.
Para entonces ya había dirigido su primera película y algún que otro corto. Pero si hoy es un día gozoso es porque podemos ver en la tele, entre tanto corazoneo y petardeo patrio, una película mínima, pequeña, pero grande en su alcance como "Dementia 13", el debut como realizador de uno de nuestros italoamericanos favoritos. La oportunidad de hacer este film de terror bien construido y de intriga nada condescendiente se la dio uno de los totems de este´maltratado género, Roger Corman, un icono para los amantes del terror, autor de alguna película magnífica, unas cuantas buenas y otras que son basura. Pues Corman se fijó en Francis y le dio la dirección en esta cinta y la verdad es que el muchacho sin hacer una obra de arte consiguió llamar la atención de las majors y de paso adjudicarse unos trabajillos como los mencionados antes. Unos cuatro años después empezó a contar la vida de una familia en Nueva York.
La película se llamaba "El padrino". El resto ya lo sabéis.
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12.8.04
LISTAS (V)
Directores, ¡ufff! Complicada está la cosa. Creo que podré seleccionar a 5 de mi paraíso particular:
1- Stanley Kubrick
2- Alfred Hitchcock
3- Francis Ford Coppola
4- Martin Scorsese
5- François Truffaut
Sobre los cuatro primero creo que no debo dar explicaciones. Sobre Truffaut..., bueno sobre Truffaut mejor os cogéis "La piel dura", "Fahrenheir 451", "Jules y Jim" o "Los cuatrocientos golpes" (mi favorita), y entenderéis el porqué de la elección.
Sabed que me estoy pensando detenidamente lo de mis 5 películas favoritas. En realidad podría hacer una con mis 100 preferidas pero os aburriría. haré un esfuerzo de concreción.
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Directores, ¡ufff! Complicada está la cosa. Creo que podré seleccionar a 5 de mi paraíso particular:
1- Stanley Kubrick
2- Alfred Hitchcock
3- Francis Ford Coppola
4- Martin Scorsese
5- François Truffaut
Sobre los cuatro primero creo que no debo dar explicaciones. Sobre Truffaut..., bueno sobre Truffaut mejor os cogéis "La piel dura", "Fahrenheir 451", "Jules y Jim" o "Los cuatrocientos golpes" (mi favorita), y entenderéis el porqué de la elección.
Sabed que me estoy pensando detenidamente lo de mis 5 películas favoritas. En realidad podría hacer una con mis 100 preferidas pero os aburriría. haré un esfuerzo de concreción.
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8.8.04
LA VERDAD OCULTA
A George W. Bush le ha salido un grano en el culo. Y se llama Michael Moore, un tio que en un documental llamado "Roger and me" (1989), persiguió al tal Roger (se daba la circunstancia que era presidente de la General Motors) para pedirle explicaciones de por qué había despedido a 3000 personas de su condado de la fábrica en la que trabajaban.
Luego hizo una serie para televisión que nunca se emitió, ni se emitirá en Canadá. "Operación Canadá" era una cáustica visión de como vivían los vecinos del Norte, además apelando a todos los tópicos posibles.
Le llegó su momento de gloria cuando le dieron el Oscar al mejor documental por lanzar su mirada hacia la industria armamentística y la pasión yankee por tener un arma. Esta vez persiguió al entonces presidente de la NRA (Asociación Nacional del Rifle), Charlton Heston. Y aprovechó el galardón para espetarla a Bush: Shame on you, mr. Bush! Shame on you!. El señor Bush no se llegó ni siquiera a ruborizar, así que el bueno de Michael creyó que era hora de decirle a su pueblo todas las mentiras del alelado presidente yankee, y se sacó de la chistera "Fahrenheit 9/11", la prueba palpable de cómo Bush ganó fraudulentamente las elecciones presidenciales de 2000, de cómo hundió a todas las empresas en dónde trabajó, de cómo tuvo relaciones con los Bin Laden y con los talibanes y finalmente de cómo hizo culpar a Irak de algo que no había cometido, la masacre de las Torres Gemelas.
Este documental nos muestra una verdad diáfana, quien no la vea es porque no quiere saber como Bush ha hecho de este mundo un lugar aún más inseguro del que era. Pero lo que gusta de las películas de Moore es su arrollador montaje que distribuye toda la información a lo largo del metraje de una forma que lo hace muy accesible para el espectador, su humor sarcástico para luego pasar al pensamiento detenido y profundo y, un aspecto que a mi me congratula especialmente, que incluye como protagonista del film a la música. En esta última producción, las canciones de Joey Scarbury y de Neil Young tienen una especial incidencia en las aventuras y desventuras del presidente estadounidense.
O recomiendo ir a verla, cuanto antes. Saldréis del cine deseando ser yankees para votar por Kerry el próximo 2 de noviembre.
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A George W. Bush le ha salido un grano en el culo. Y se llama Michael Moore, un tio que en un documental llamado "Roger and me" (1989), persiguió al tal Roger (se daba la circunstancia que era presidente de la General Motors) para pedirle explicaciones de por qué había despedido a 3000 personas de su condado de la fábrica en la que trabajaban.
Luego hizo una serie para televisión que nunca se emitió, ni se emitirá en Canadá. "Operación Canadá" era una cáustica visión de como vivían los vecinos del Norte, además apelando a todos los tópicos posibles.
Le llegó su momento de gloria cuando le dieron el Oscar al mejor documental por lanzar su mirada hacia la industria armamentística y la pasión yankee por tener un arma. Esta vez persiguió al entonces presidente de la NRA (Asociación Nacional del Rifle), Charlton Heston. Y aprovechó el galardón para espetarla a Bush: Shame on you, mr. Bush! Shame on you!. El señor Bush no se llegó ni siquiera a ruborizar, así que el bueno de Michael creyó que era hora de decirle a su pueblo todas las mentiras del alelado presidente yankee, y se sacó de la chistera "Fahrenheit 9/11", la prueba palpable de cómo Bush ganó fraudulentamente las elecciones presidenciales de 2000, de cómo hundió a todas las empresas en dónde trabajó, de cómo tuvo relaciones con los Bin Laden y con los talibanes y finalmente de cómo hizo culpar a Irak de algo que no había cometido, la masacre de las Torres Gemelas.
Este documental nos muestra una verdad diáfana, quien no la vea es porque no quiere saber como Bush ha hecho de este mundo un lugar aún más inseguro del que era. Pero lo que gusta de las películas de Moore es su arrollador montaje que distribuye toda la información a lo largo del metraje de una forma que lo hace muy accesible para el espectador, su humor sarcástico para luego pasar al pensamiento detenido y profundo y, un aspecto que a mi me congratula especialmente, que incluye como protagonista del film a la música. En esta última producción, las canciones de Joey Scarbury y de Neil Young tienen una especial incidencia en las aventuras y desventuras del presidente estadounidense.
O recomiendo ir a verla, cuanto antes. Saldréis del cine deseando ser yankees para votar por Kerry el próximo 2 de noviembre.
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6.8.04
DOS TIPOS DE CINE
Deben estar o cansadas o alegres de verme. me refiero a las dos dependientas del videoclub de al lado de mi casa. Cansadas no lo creo (voy día sí, día no), alegres puede que más por el dineral que me dejo allí. El caso es que el otro día no encontré nada que me gustara ver. Casi todas las había visionado ya, pero encontré dos perlas escondidas entre las novedades y las cogí.
Dos pelis "raras", dos cinematografías diamentralmente opuestas, dos directores que no tienen nada que ver el uno con el otro. Pero al fin y al cabo, dos películas admirables.
La primera, americana, se llama "Donnie Darko", cinta bastante extraña donde se conjuga, la película típica de teenagers de instituto, la alucinación lisérgica, teorías milenaristas la filosofía de los viajes en el tiempo y la demencia más absoluta, aliñado todo ello con gotas de comedia negra.
La trama va del chaval que da nombre al film que es un pelín "colgao" y que sufre de visiones (por ejemplo, un conejo gigante) y al que le pasan muchas cosas que son un sinsentido. La película parece deslabazada en su narración pero son de esas como "Memento" o "Abre los ojos" que hay que verlas unas cuantas veces para pillar más detalles. El protagonista es Jake Gyllenhall, el director y guionista, Richard Kelly.
La segunda es china realizada por Zhang Yimou, el más grande de los cineastas de ese país (suya es una obra maestra como "Sorgo rojo") habitual a presentarnos historias mínimas, cotidianas. Pero esta vez se saca de la manga una historia épica acerca de la fundación de la primera dinastía del Imperio chino. Se cuenta la historia de cuatro asesinos que tratarán de desbaratar los planes anexionistas del rey más poderoso de la China pre-imperial y lo que Yimou nos regala es un espectáculo visual único, donde la música y la fotografía, espectaculares, son protagonistas absolutos. Artes marciales, fillosofía oriental, honor, verdad y unas imágenes que te atrapan y que hacen corta la duración de la película. Jet Li, es el actor principal, en su mejor papel en el cine.
El nombre del film, "Hero".
Dos tipos de cine distinto, pero dos propuestas interesantísimas para los que quieran desintoxicarse de las corrientes principales mandadas por "Troyas" o "Spidermans".
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Deben estar o cansadas o alegres de verme. me refiero a las dos dependientas del videoclub de al lado de mi casa. Cansadas no lo creo (voy día sí, día no), alegres puede que más por el dineral que me dejo allí. El caso es que el otro día no encontré nada que me gustara ver. Casi todas las había visionado ya, pero encontré dos perlas escondidas entre las novedades y las cogí.
Dos pelis "raras", dos cinematografías diamentralmente opuestas, dos directores que no tienen nada que ver el uno con el otro. Pero al fin y al cabo, dos películas admirables.
La primera, americana, se llama "Donnie Darko", cinta bastante extraña donde se conjuga, la película típica de teenagers de instituto, la alucinación lisérgica, teorías milenaristas la filosofía de los viajes en el tiempo y la demencia más absoluta, aliñado todo ello con gotas de comedia negra.
La trama va del chaval que da nombre al film que es un pelín "colgao" y que sufre de visiones (por ejemplo, un conejo gigante) y al que le pasan muchas cosas que son un sinsentido. La película parece deslabazada en su narración pero son de esas como "Memento" o "Abre los ojos" que hay que verlas unas cuantas veces para pillar más detalles. El protagonista es Jake Gyllenhall, el director y guionista, Richard Kelly.
La segunda es china realizada por Zhang Yimou, el más grande de los cineastas de ese país (suya es una obra maestra como "Sorgo rojo") habitual a presentarnos historias mínimas, cotidianas. Pero esta vez se saca de la manga una historia épica acerca de la fundación de la primera dinastía del Imperio chino. Se cuenta la historia de cuatro asesinos que tratarán de desbaratar los planes anexionistas del rey más poderoso de la China pre-imperial y lo que Yimou nos regala es un espectáculo visual único, donde la música y la fotografía, espectaculares, son protagonistas absolutos. Artes marciales, fillosofía oriental, honor, verdad y unas imágenes que te atrapan y que hacen corta la duración de la película. Jet Li, es el actor principal, en su mejor papel en el cine.
El nombre del film, "Hero".
Dos tipos de cine distinto, pero dos propuestas interesantísimas para los que quieran desintoxicarse de las corrientes principales mandadas por "Troyas" o "Spidermans".
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2.8.04
LISTAS (IV)
Esto es como comerte un paquete de pipas y no poder parar. ¿Hmmmm? No, no voy a deciros cuales son mis pelis favoritas porque es acojonantemente difícil. Así que opto por ofreceros mis compositores musicales para cine más queridos:
1- Henry Mancini
2- Elmer Bernstein
3- Patrick Doyle
4- Gabriel Yared
5- Bernard Hermann
Un ejemplo de cada uno (va por orden): "Desayuno con diamantes", "Los siete magníficos", "Hamlet" (versión Kenneth Branagh), "El paciente inglés", "Psicosis".
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Esto es como comerte un paquete de pipas y no poder parar. ¿Hmmmm? No, no voy a deciros cuales son mis pelis favoritas porque es acojonantemente difícil. Así que opto por ofreceros mis compositores musicales para cine más queridos:
1- Henry Mancini
2- Elmer Bernstein
3- Patrick Doyle
4- Gabriel Yared
5- Bernard Hermann
Un ejemplo de cada uno (va por orden): "Desayuno con diamantes", "Los siete magníficos", "Hamlet" (versión Kenneth Branagh), "El paciente inglés", "Psicosis".
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DE HUIDAS Y HOMBRES
Hay una película de las llamadas clásicas, de la época dorada, que vi relativamente tarde. Creo que a los 23 o 24 años o algo así. Desde el día que me la puse en el video se convirtió en una de mis preferidas. Y no es que sea tampoco una de las que todos podríamos poner en nuestras listas de las 10 mejores de toda la Historia. pero tiene algo, tiene magnetismo.
Campo de prisioneros nazi, unos alemanes malos malísimos, unos prisioneros aliados (ingleses en su mayoría) que se quieren largar de allí y muchas dificultades que se nos cuentan en dos horas y media. Steve McQueen, Charles Bronson, Richard Attenborough en el reparto. ¿Qué más queremos? De todo ese cóctel salió una de las películas más famosas de todos los tiempos, "La gran evasión" con escenas memorables, que incluso aquellos que no la han visto pueden relacionarla con la cinta dirigida por John Sturges, un cineasta más acostumbrado a la dirección de westerns.
Ese magnetismo del que hablaba procede en gran parte de las escenas de acción (espectacular la narración de la huida) y del carisma de los actores en especial de McQueen en estado de gracia y al que aún le quedarían algunos títulos para regalarnos, caso de "Bullit" o "La huida" (film este que merece un articulito para el solo).
No hay final feliz, como puede haberlo si hablamos de una guerra, de un presidio, de una locura que envolvió a millones de personas. Pero tampoco nos queda un regusto amargo. La esperanza la ofreció el gozoso espectáculo de ver a unos actores espléndidos, a un director inspirado y a unas imágenes que se quedan clavadas como Steve McQueen en la alambrada después de su huida en moto.
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Hay una película de las llamadas clásicas, de la época dorada, que vi relativamente tarde. Creo que a los 23 o 24 años o algo así. Desde el día que me la puse en el video se convirtió en una de mis preferidas. Y no es que sea tampoco una de las que todos podríamos poner en nuestras listas de las 10 mejores de toda la Historia. pero tiene algo, tiene magnetismo.
Campo de prisioneros nazi, unos alemanes malos malísimos, unos prisioneros aliados (ingleses en su mayoría) que se quieren largar de allí y muchas dificultades que se nos cuentan en dos horas y media. Steve McQueen, Charles Bronson, Richard Attenborough en el reparto. ¿Qué más queremos? De todo ese cóctel salió una de las películas más famosas de todos los tiempos, "La gran evasión" con escenas memorables, que incluso aquellos que no la han visto pueden relacionarla con la cinta dirigida por John Sturges, un cineasta más acostumbrado a la dirección de westerns.
Ese magnetismo del que hablaba procede en gran parte de las escenas de acción (espectacular la narración de la huida) y del carisma de los actores en especial de McQueen en estado de gracia y al que aún le quedarían algunos títulos para regalarnos, caso de "Bullit" o "La huida" (film este que merece un articulito para el solo).
No hay final feliz, como puede haberlo si hablamos de una guerra, de un presidio, de una locura que envolvió a millones de personas. Pero tampoco nos queda un regusto amargo. La esperanza la ofreció el gozoso espectáculo de ver a unos actores espléndidos, a un director inspirado y a unas imágenes que se quedan clavadas como Steve McQueen en la alambrada después de su huida en moto.
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LISTAS (III)
No podía dejar de presentaros mis cinco actrices favoritas de todos los tiempos:
1- Bette Davis
2- Deborah Kerr
3- Ava Gardner
4- Glen Close
5- Vivien Leigh
Tenemos de todo, fuertes de carácter, bellezas arrolladoras, dulces encantos, etc... El denominador común, intérpretes de alto standing, de probada solvencia. Seguiremos proximamente con más listas.
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No podía dejar de presentaros mis cinco actrices favoritas de todos los tiempos:
1- Bette Davis
2- Deborah Kerr
3- Ava Gardner
4- Glen Close
5- Vivien Leigh
Tenemos de todo, fuertes de carácter, bellezas arrolladoras, dulces encantos, etc... El denominador común, intérpretes de alto standing, de probada solvencia. Seguiremos proximamente con más listas.
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CITAS
VARIAS .-
'el mejor cine es aquelque puede percibirsecon los ojos cerrados''no es un arte, sino un aroma''me gusta que las películastengan comienzo, nudo y desenlace,pero no necesariamente en este orden''dime lo que comes y te dire lo que eres'
