el cinefago

EL TIPO DURO QUE APRENDIÓ A TOCAR CORAZONES

2010-06-03T18:21:00.006+02:00

Querido Clint: Antes que nada, felicidades por tus 80 primaveras tan bien llevadas. Desprendido del aroma de la cortesía, quiero enviarte con estas letras el deseo de que sean otros 80 años los que vivas para poder seguir maravillándonos con tu maestría. Queremos seguir viendo al Clint canalla de El sargento de hierro o El principiante, al Clint crepuscular de El jinete pálido o Sin perdón, al Clint implacable vestido de Harry Callahan, al Clint sentimental (sí, señores, él también sabe hacerlo), de Los puentes de Madison.

Es un deseo de muchos el que sigas al pie del cañón ofreciéndonos películas que se convertirán en obras maestras o no, pero que a buen seguro, darán que hablar porque eres CINE. Representas eso que ha dado en llamarse la fábrica de sueños. Da igual que fueras vestido con ajado poncho, con traje de corte setentero, con atuendo de predicador con el alma atravesada por disparos lejanos o liándote a mamporros al lado de un simio gigante. Los que has hecho por nosotros no tiene precio. Nos has alegrado el día, nos enseñaste que el mundo se divide entre los que cavan y los que tienen un revólver (y que es mejor tener uno a mano y no necesitarlo, que necesitarlo y no tener uno a mano), y que los días de suerte son aquellos en que no tienes delante una Magnum 44.

Todo esto (y más) es Clint Eastwood, el tipo duro que creó escuela en las películas del Oeste de Sergio Leone y que, años después, se reinventó como analista minucioso de los sentimientos más intensos. El último gran clásico del cine.

De Almería al estrellato
Eastwood y su rostro impenetrable dieron clase al spaguetti western y convirtieron en icónica la imagen del sombrero, el poncho y el cigarrillo puro zurcido a la comisura de los labios en una trilogía para la historia: Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966).

Esos papeles le llegaron después de protagonizar algunos filmes de serie B y encarnar durante siete años a Rowdy Yates en la popular serie estadounidense Rawhide, también ambientada en el Oeste. “Estaba cansado de interpretar al vaquero ejemplar”, reconoció el propio actor. “El héroe de Leone era diferente. Una figura enigmática con tonos satíricos que funcionaba en el contexto de la película”, añadió.

Con el último filme de la saga de Leone su fama se disparó y entró de lleno en el firmamento de Hollywood, lo que le permitió trabajar en varias ocasiones con Don Siegel (La jungla humana, 1968; Dos mulas y una mujer, 1970, y sobre todo El seductor, 1971), del que aprendió varias de las claves que posteriormente desarrollaría como cineasta. Y también su economía de medios, ya que Siegel se caracterizó por trabajar con presupuestos ajustados y tomas a la primera, señales patentes en el cine del Eastwood director. En ese mismo año debutó tras las cámaras con el thriller Escalofrío en la noche (1971), donde ya dejaba pistas sobre los terrenos pantanosos y perturbadores que le atraían como narrador, e interpretó uno de los papeles más recordados de su carrera: el del taxativo inspector de policía Harry Callahan y su Magnum 44 en Harry el sucio, de nuevo a las órdenes de Siegel, que vería hasta cuatro secuelas.

Sin embargo, el tándem con el director recogería sus mejores frutos en la mítica La fuga de Alcatraz (1979). En los 80 se volcó en su faceta como realizador y de ahí salieron éxitos como la cuarta parte de la saga de Harry Callahan, llamada Impacto súbito (1983), o las recordadas El jinete pálido (1985) y El sargento de hierro (1986). Y cuando todos pensaban que el declive de Eastwood había llegado, el larguirucho californiano se reveló como uno de los autores más importantes del último cine estadounidense.

Premios
Ganó dos premios Oscar, a la mejor película y al mejor director, por Sin perdón (1992), en su primera colaboración con su amigo íntimo Morgan Freeman. Eastwood dedicó el filme en los títulos de crédito a Siegel y Leone.

Doce años después repitió éxito gracias a Million dollar baby, además de ser candidato en esas categorías por Mystic River en 2002 y Cartas desde Iwo Jima en 2006, en las que incluso se animó a componer la banda sonora, sustituyendo a su inseparable Lennie Niehaus.

Desde que filmara en 1988 Bird, la biografía sobre el saxofonista Charlie Parker, Eastwood sorprendió con una voz y estilo propios, encadenando trabajos de hondo calado emocional y reflexiva emoción. Logró, incluso, el milagro de enamorar a la reina del drama, Meryl Streep, en Los puentes de Madison (1995).

Quién se lo iba a decir a ese bebé que pesó más de seis kilos al nacer en San Francisco, hijo de dos trabajadores de una fábrica, y que se libró de ir a la guerra en Corea, confinado en el cuartel como instructor de natación.

El mismo que tuvo cinco hijos con siete mujeres -se casó con Maggie Johnson y Dina Ruiz, con quien vive desde 1996- y que en los últimos tiempos ha manifestado que Gran Torino (2008) sería su testamento como actor. Eso sí, su carrera como director no cesa. Para octubre tiene pendiente el estreno de Hereafter, un thriller sobrenatural protagonizado por Matt Damon, y ya se prepara para rodar una película basada en la vida del ex director del FBI J. Edgar Hoover.

El mundo del cine, no obstante, se resiste a creer que ya no volverá a ver a Eastwood en la gran pantalla. Ese tipo de gesto hosco que pronunció frases para la posteridad tiene que volver. Necesitamos una garantía de ello, aunque seguro que él nos diría que si queremos una garantía, nos compremos un tostador.

Créditos: Agencia EFE.

LA AZOTEA MENTAL

2010-04-06T12:11:00.002+02:00

Hay quien se empeña en algo y no para hasta conseguirlo. En 1986, Roman Polanski fracasó estrepitosamente con Piratas, un intento por recuperar el cine de tesoros y bucaneros. Diez años antes todos los grandes estudios se habían negado a financiar este proyecto a pesar de contar con Jack Nicholson como protagonista. Lo que sí permitió aquella pequeña derrota es que se embarcase en la que para muchos es la mejor película de su carrera: El quimérico inquilino.

El germen del filme está en un libro de Roland Topor. Miembro del Grupo Pánico creado por Alejandro Jodorowski y Fernando Arrabal, Topor escribió una obra a la que se alabó en su momento. Polanski se sintió atraído por dos de los niveles de la obra: su asfixiante terror psicológico y un inteligente cuestionamiento del proceso de reafirmación individual del ser humano. El propio Polanski se encargó de encabezar un reparto en el que destacaba una emergente Isabelle Adjani. Junto a ella dos veteranos de Hollywood (Melvyn Douglas y Shelley Winters).

El quimérico inquilino cuenta la historia de un conserje que se muda a la habitación en la que una chica intentó suicidarse tirándose por la ventana. A medida que va pasando el tiempo, el nuevo inquilino se convence de que sus vecinos intentan conducirlo a un estado de paranoia para que también salte por la ventana.

Recuperada en los últimos años como la obra que condensa los rasgos distintivos de su autor, El quimérico inquilino supone uno de los ejercicios más intensos de Polanski dentro de sus continuos recorridos por los recovecos de la mente humana. Recibida con frialdad por parte de crítica y público, esta arriesgada propuesta resultó en su día algo desconcertante. El cineasta polaco estaba en plenitud creativa, y le fue posible llevar a cabo este trabajo gracias al éxito de Chinatown. La cinta se estructura en diversas disociaciones, rupturas con la realidad en sucesivos niveles. Conforme avanza el metraje la trama adquiere tintes irreales y una serie de prodigiosas secuencias revelan distorsionadas percepciones que se disuelven con la realidad.
En el imaginario colectivo permanecen las ondulantes manos en el fantasmagórico pasillo de Repulsión que intentaban atrapar a su protagonista, las grietas que rajaban las paredes como proyección de su locura. Tal vez El quimérico inquilino no ha alcanzado esos niveles de popularidad, pero es un paso más allá en el interés del realizador por explorar los distintos estados de alienación.

MENTIRA Y CONMISERACIÓN

2010-03-21T12:24:00.003+01:00

Crítica (o intento de ello) publicada en EL PUEBLO de Albacete el 20 de marzo de 2010:

Gordos reviste de metáfora el hecho concreto de la obesidad. Las capas de grasa de algunos de los personajes se configuran como un caparazón contra el que chocan aspectos como la mentira, la ambigüedad, el (auto)engaño. A modo de tragicomedia, Daniel Sánchez Arévalo intenta ahondar en las miserias del ser humano tomando la premisa de la obesidad como punto de partida, como bien pudiera ser otra. Formalmente es una excusa para hablarnos de la condición humana, circunstancia que podría haber dado más de sí en el resultado final. Gordos ataca el nudo gordiano de la cuestión en su argumento, pero se resiste a ir más allá del mero esbozo de las pulsiones que viven los protagonistas. Quizás la excesiva coralidad del reparto sea un lastre a la hora de acometer tamaña tarea (y no olvidemos que a pesar de su trayectoria como cortometrajista y de su acertado debut con Azuloscurocasinegro, Sánchez Arévalo no puede pretender compararse a cineastas que han hablado de las contradicciones del ser humano más y mejor que él).

Pero a pesar de las pegas que podamos ponerle, Gordos es una de las grandes producciones españolas del último año. El esperpento y la astracanada aparecen moteadas en el guión al que quedan asidas las interpretaciones que a mitad de camino entre la autoconmiseración, la pena, el citado engaño y la mentira, buscan desesperadamente una luz al final del túnel.

Película de actores, donde quizás ellos son lo mejor y lo peor de la función casi sin buscarlo, Gordos es un filme valiente, arriesgado, bien formulado, aunque quizás no tan bien definido. Eso sí, apunta maneras del posible gran director de futuro que puede llegar a ser Daniel Sánchez Arévalo. Esperemos que los halagos recibidos no hayan “engordado” su ego.

KILÓMETROS DE CELULOIDE (Y II)

2010-01-02T15:38:00.003+01:00

Aston Martin DBS, Ford Mustang GT 390, Plymouth Fury 1958, Ford Gran Torino Sport 1972 y Checker Marathon. Cinco máquinas. Cinco coches míticos que fueron inmortalizados en la gran pantalla y que forman parte de nuestros sueños. Llega la segunda parte del repaso a nuestros coches favoritos del cine. Ajústense los cinturones, dejen las palomitas a un lado y apretemos el acelerador para hablarles de otros cinco modelos con protagonismo en el Séptimo Arte.

Plymouth Valiant 1971
El Plymouth Valiant de 1971 es uno de los grandes héroes de la historia del cine... y uno de los olvidados. Este carismático modelo, conducido por Dennis Weaver intentando escapar del oxidado y homicida diablo sobre ruedas -un camión Peterbil 281 de 1955- es todo un clásico del cine, aunque la película (cuyo título original era Duel, luego trasladado al español como El diablo sobre ruedas), fuera concebida originariamente por Steven Spielberg para la televisión. Su color rojo brillante, escogido por el director para que resaltara mejor frente a los colores ocres del desierto, su imagen de fragilidad frente al espeluznante camión... y su capacidad de aguantar todo tipo de ataques le hacen merecer el título de automóvil más sufrido de la historia del cine... con sacrificio final incluído.

Tucker Sedan 1948
Una joya de la automoción. El Tucker Sedán de 1948, del que sólo se produjeron 51 unidades es la plasmación absoluta del sueño de un hombre -Preston Tucker, promotor y dueño de la empresa del mismo nombre- y de cómo la (cruda) realidad de un mercado controlado por grandes corporaciones puede dar al traste con el mismo. El Tucker y sus diferentes variantes tuvieron una vida larga. Nada menos que de 1959 a 1982. Su efigie llegó a ser tan típica de Nueva York como el Empire State o el Rockefeller Center. Francis Ford Coppola inmortalizó (en Tucker, un hombre y su sueño) la lucha épica del fabricante de este super-avanzado vehículo para la época: perímetro envolvente anti-choque, un motor de prestaciones y concepción muy superiores a las de sus competidores de entonces, una luz central a lo cíclope que se orientaba según la dirección de las ruedas... Todo hecho para luchar contra las Big three las tres grandes empresas de la época: General Motor, Ford y Chrysler.

DeLorean DMC-12
El Delorean -llamado así también como modelo porque su fabricante, DeLorean Motors Company, sólo llegó a sacar un vehículo-, este DMC-12, que fue inmortalizado como singular máquina del tiempo en las sucesivas entregas de Regreso al futuro. Si bien el primer prototipo apareció a finales de los 70, lo cierto es que la producción del mismo solamente se realizó durante un año (de 1981 a 1982), hasta que la empresa quebró y su promotor, John De Lorean, fue arrestado acusado de tráfico de estupefacientes, aunque posteriormente fuera exonerado de todos los cargos. Sus puertas de alas de gaviota, su carrocería metálica de acero inoxidable y el resto de detalles de su espectacular y único diseño -concebido por el célebre italiano Giorgetto Giugiaro-, le aseguran ya un lugar propio en la historia... y hay noticias de que, posiblemente, el DMC-12 vuelva a fabricarse, con cuentagotas, de la mano de un empresario norteamericano.

Ford Mustang Mach 1
Atención: ¿quieren saber quién es uno de los pocos coches que ha tenido tratamiento de estrella en una película? Pues nada menos que Eleanor, el nombre que se le concedió a esta auténtica maravilla de Ford Mustang Mach 1 de 1973 para su participación en el film Gone in 60 seconds. Este nombre, además, se hizo extensivo tanto a la secuela como al remake -60 segundos-, realizado en el año 2000 sobre las peripecias de un ladrón de coches que ha de robar 50 potentes vehículos en menos de un día, interpretado por Nicolas Cage. Con todos los respetos a Angelina Jolie, la verdadera belleza de esta película volvía a ser Eleanor, esta vez una adaptción de un Mustang de 1967.

Jaguar MK VIII 1957
Si todo es simbología en Vértigo (De entre los muertos) una de las más grandes películas de la historia del cine -colores, palabras, sueños, interpretaciones-, la misma no podría dejar de empapar a todo lo que aparece en dicha película, coches incluídos. Si la de Bullitt es la mejor persecución jamás filmada, el seguimiento que hace el detective privado ‘Scottie’ Ferguson de la misteriosa Madeleine Elster, al suave ritmo del score de Bernard Herrmann es una joya para todos los amantes del cine. Hermann ya acompañó con su composición (la última que hizo), los recorridos nocturnos en su Checker Marathon de Robert de Niro en Taxi driver. Volviendo al filme de Alfred Hitchcock, Kim Novak, que encarna a la fantasmal Madeleine, recorre las calles de San Francisco al volante de un Jaguar MK VIII de color verde mientras que el detective, encarnado por James Stewart, la sigue en un Desoto Firedome Sportsman Hardtop Coup del 56, de color blanco. Su periplo, a medio camino entre el vagabundeo sin rumbo fijo -de ella-, y la obsesión de él por intentar entender una realidad que se le escapa, configuran una persecución automovilística que más parece una cortejo. Finalmente, y por si alguien dudara del simbolismo que tienen los coches en esta película basta con ver el coche de la tercera parte del triángulo. El de la aburrida solterona Midge (papel interpretado por Barbara Bel Geddes), eterna pretendiente de Stewart, que tiene un convencional Volkswagen... de color gris.

En total, el repaso ha acudido a diez coches míticos, a diez referencias que se han convertido por derecho propio en protagonistas de nuestros sueños... cinéfilos.

KILÓMETROS DE CELULOIDE (I)

2009-12-30T15:18:00.002+01:00

Son auténticas estrellas sobre cuatro ruedas. El celuloide los ha inmortalizado con más fuerza, en muchos casos, que cualquier actor o actriz de carne y hueso. Son los coches más míticos de la historia del cine: desde los Aston Martin coche por antonomasia de la saga cinematográfica de James Bond, hasta el mítico Mustang que usaba el no menos mítico Steve McQueen en Bullit, pasando por el maléfico Plymouth rojo y blanco, encarnación del mal en la terrorífica Christine. Os invito a un paseo a toda velocidad por los automóviles más famosos de la historia del séptimo arte. Seguro que el recuerdo de estos modelos también les retrotrae a esos filmes donde “actuaban” y con los que todos gozamos.

Aston Martin DBS
En este repaso que haremos por algunos de los coches más famosos que han aparecido en la historia del cine empezamos con una absoluta joya que aparece en la saga cinematográfica más longeva de todas. Hablar de James Bond y no hablar de su mítico Aston Martin sería arrebatarle uno de los rasgos característicos del personaje ya inmortal creado por Ian Fleming, al igual que su licencia para matar o su martini “mezclado, no agitado”.

El nivel de sofisticación de los sucesivos modelos fabricados por la casa británica que ha ido conduciendo el más famoso agente secreto de la historia, así como los gadgets que durante décadas han ido acumulando gracias a las habilidades de Q (el científico que trabaja para los Servicios Secretos de su Real Majestad y que durante tantas películas interpretó el inefable Desmond Llewelyn), o a las generosas partidas presupuestarias de los sucesivos M -el jefe de Bond, ahora jefa desde Goldeneye en 1995- le convierten en el auténtico precusor del paradigma de “coche fantástico” -ya saben, mucha tecnología para luchar contra el mal-.

Desde el Aston Martin DB5 de Goldfinger (1969) hasta el último DBS con el que se abre Quantum of solace -seguido frenéticamente por un Alfa Romeo 159 en una espectacular persecución-, han convertido a este modelo en el icono cinematográfico por excelencia.

Ford Mustang GT 390
Otro modelo mítico. No importa la cantidad de neumáticos quemados y rollos de película gastados. Sin lugar a dudas, la mejor persecución jamás filmada en el celuloide es la que Steve McQueen protagoniza en Bullitt, dirigida por Peter Yates en 1968. El increíble hecho de que hayan pasado 41 años le da un valor mayor a esta secuencia mítica, protagonizada por un Mustang GT 390 conducido por Steve McQueen, y un Dodge Charger, conduciendo como alma que lleva el diablo por las empinadas calles de San Francisco (y también por las afueras de la ciudad). Sin efectos especiales de ningún tipo ni ordenadores que impongan su “magia digital”. Todo real. Pura adrenalina. Puro cine de acción. Dos modelos míticos de coches para una escena que ya es historia del cine... gracias a estos coches.

Plymouth Fury 1958
Para adrenalina, la que hace desprender el Plymouth Fury del año 58, rojo y blanco. Toda una maravilla clásica... con una buena dosis psicopática bajo el capó. Christine es una novela de Stephen King llevada a la gran pantalla por John Carpenter, sobre el proceso de transformación de un adolescente en una especie de cómplice al volante de un coche poseído por las fuerzas del mal. En su día causó más de una pesadilla y sirvió para hacernos mirar con otros ojos las líneas clásicas de los coches americanos de los años 50 (una de las obsesiones de King, a las que volvería en su novela Buick 8) y, sobre todo, para poner en valor este raro y hermoso modelo clásico estadounidense, del que apenas se fabricaron 3.000 unidades por parte de la marca filial de Chrysler de este modelo en el año 58.

Eso sí, pese a su mal carácter, Christine era capaz, tras sus furiosos ratos homicidas, de “curar sus propias heridas” y restaurarse de manera milagrosa: toda una alegría para las compañías de seguros.

Ford Gran Torino Sport
Centrémonos ahora en un coche que ha sido noticia hace poco gracias a una excelente película del maestro Clint Eastwood. La impresionante última versión del Torino de Ford, un coche que dejó de producirse en el año 1976, es el protagonista de la última película de Harry el Sucio, en la que el vehículo se convierte en el símbolo de una serie de ideales estadounidenses que el protagonista lucha por mantener dentro de su barrio multiétnico y conflictivo.

Además de tratarse de una de las pocas películas con nombre de vehículo, el Gran Torino es todo un homenaje a una década -la de los 70-, y a un coche que fue un éxito de ventas a lo largo de sus casi siete años de existencia en todas sus versiones y que conoció las mieles del éxito en el circuito deportivo NASCAR. Es curioso que en la película, no se viera conduciéndolo a un viejo lobo como Eastwood. Una pieza de museo.

Checker Marathon
Turno ahora para los taxis en esta breve recopilación. Y seguro que no hay ninguno más memorable que el típico cab neoyorquino de líneas clásicas, redondeadas, con su cenefa ajedrezada recorriendo sus laterales y que en el cine (a pesar de ser “actor secundario” en muchas películas), materializa el ansia de justicia del protagonista de Taxi driver, un insomne Robert de Niro, que conduce por la Gran Manzana de madrugada y se da cuenta de que lo que había contemplado en Vietnam, durante la guerra, es un juego de niños comparada con la corrupción nocturna de su ciudad.

Sin embargo, este modelo tampoco ha sido perdonado por la crisis: la compañía de Michigan, Checker Motors, se tuvo que acoger a la bancarrota en enero de este año, tras 87 años de existencia.

Más allá del aluvión de premios que consiguió la cinta de Martin Scorsese en 1976 y la excelencia de la obra (sustentada en un guión excelso de Paul Schrader, una dirección magnífica de Scorsese y unas interpretaciones de vértigo), queda para el recuerdo la imagen de este Checker Marathon rodeado de oscuridad, con las luces de la ciudad reflejándose en su carrocería y envuelto por la música del genial Bernard Hermann.

Cinco coches. Cinco películas. Cinco formas de ver un mundo a través de vehículos que también han hecho posible construir el sueño del cine.

Continuará...

JABÓN Y EXPLOSIVOS

2009-10-29T19:08:00.003+01:00

Hace diez años 1.963 salas estadounidenses estrenaron El club de la lucha, un filme que contaba con el binomio Fincher-Pitt, artífices de la excelente Se7en, pero a la que un tímido arranque taquillero (apenas once millones de dólares el primer fin de semana) y una carrera un tanto irregular que se estancó en los 37, en gran parte debido a críticas bipolares, la convirtieron en un relativo fracaso. Hoy, esta película maldita merece culto absoluto.

Me lío la manta a la cabeza y cito algunas frases para tratar de definir lo que es una peli de culto: “El término película de culto hace referencia a un tipo de cine que atrae a un pequeño grupo de devotos o aficionados o un filme en concreto que sigue siendo popular con el paso de los años entre un pequeño grupo de seguidores. Con frecuencia la película no llega a alcanzar el éxito en su estreno [...]. Algunas veces la respuesta de la audiencia a una película de culto es algo diferente a lo que pretendían los creadores. Es normal que una película de culto presente elementos inusuales”. No hay duda de que El club de la lucha lo es. Verla el día de su estreno, sin tener ni idea de por dónde iban los tiros, fue un fascinante zarandeo emocional e intelectual que lamentablemente pocas veces se puede disfrutar como espectador. No ha envejecido porque, estrenada hoy, seguiría siendo relevante, polémica y malinterpretada.

Eso sí. Es triste ahondar sobre esta malinterpretación. “Nihilista”, “fascista” y “anarquista” fueron muchos de los agrios epítetos propinados a la película a su paso por el Festival de Venecia el año de su estreno. Mientras Newsweek tachaba su final de “demasiado pretencioso”, el Boston Globe insultó de manera sutil a “una propuesta chispeante e imaginativa que acababa deviniendo en tremenda estupidez” y el gurú Roger Ebert (Chicago Sun-Times), que le atribuyó “cierta visceralidad y fuerza” acabó por describirla como “un viaje disfrazado de filosofía carente de interés real”. Y lo de The Hollywood Reporter fue tan sangrante que la Fox (productora del filme) se dio de baja como anunciante en sus páginas. En España la crítica no la trató mejor y, mientras El Mundo la etiquetó como “pretenciosa gilipollez”, El País no fue más complaciente, ya que calificó el resultado de “canto fascista al salvajismo”. El director David Fincher, que sabía que su proyecto estaba maldito desde el primer momento, no lo veía así: “¿La idea del fascismo no es decirnos ‘Este es el camino que debemos seguir’? Pues bien, mi película no podría estar más lejos porque no ofrece ningún tipo de solución”.

¿Qué decía la gente?
Pero pasemos de los críticos, que suelen ser bastante falibles. La gente es lo que importa y la gente no fue a verla en la medida que pintaba el cartel. A saber: todo un Brad Pitt, algo desnortado tras los resbalones de la infumable ¿Conoces a Joe Black? y Siete años en el Tíbet (proyectada en el cine que hay al fondo en el escena en la que Jack, el personaje interpretado por Edward Norton mete en el autobús a Marla, carácter encarnado por Helena Bonham-Carter); un Norton, en todo lo alto tras estrenar ese mismo año Rounders y American History X; y un director imprevisible aunque revolucionario como Fincher.

Material de partida
La novela que supuso el debut del mecánico Chuck Palahniuk (Nana, Asfixia, Fantasmas) -erigido ahora en cronista de la oscura trastienda norteamericana, a la que suele retratar a base de sarro y moho-, escrita enteramente a mano, en ocasiones sobre el portafolios de los encargos de su taller, fue bailando de despacho en despacho hasta que la división indie de Fox vio potencial.

Antes que a Fincher le ofrecieron el pastel a Peter Jackson, Bryan Singer y Danny Boyle. Todos pasaron. Además, en una realidad alternativa Tyler Durden (el personaje interpretado por Pitt) podría haber tenido la cara de Russell Crowe; Jack, la de Matt Damon o Sean Penn, y Marla Singer, la de Courtney Love, Winona Ryder o Reese Witherspoon.

El guión lo reescribieron tres veces Fincher y el novato Jim Uhls, y, una vez dentro, metieron mano los no acreditados Pitt, Norton, el director Cameron Crowe y el guionista de Se7en Andrew Kevin Walker (en cuyo honor tres de los detectives de El club de la lucha atendieron a los nombres de Andrew, Kevin y Walker). Cinco versiones depués (un año más tarde), el libreto ya estaba listo. Y además, con el beneplácito de Palahniuk, que apreció la racionalidad que los cineastas le habían imprimido, entendiendo que su planteamiento literario era un poco (demasiado) alegórico para trasladarlo tal cual a la pantalla grande. Eso sí, se sintió honrado de que las provocaciones homoeróticas de su obra original (Norton con una pistola dentro de la boca en la escena de apertura de la cinta, los insertos con genitales masculinos y Pitt dándose un baño delante de éste mientras discuten sobre el destino de su vida) se mantuvieran en la película con el objetivo de incomodar a la audiencia. Y así fue.

Las cosas no salen
Sin embargo, cuando una película parece maldita, se gesta con problemas y quien te paga no está contento con el resultado, las cosas no van a salir bien. Era la historia de un pinchazo anunciado. Fincher, una vez dado el OK, se negó a rodar con el presupuesto inicial cerrado en 23 millones de dólares (Pitt finalmente se embolsaría 17,5 y Norton, 2,5 en concepto de sueldo) y la cosa se disparó hasta los 67 finales. Visto el montaje final, el estudio quiso atenuar las previsibles pérdidas cambiando la concepción promocional que daba vueltas en la cabeza de Fincher, según la cual el póster promocional debía limitarse a la posteriormente icónica pastilla de jabón rosa (jabón que, ¡atención spoiler para quien no la haya visto!, era empleado para fabricar explosivos). Los gerifaltes le contestaron que, contando con el guapo Brad, eso estaba fuera de lugar. La cara del esposo de la Jolie debía estar en todos los carteles. Y así fue.
La dura competencia con los blockbusters veraniegos de ese año (La amenza fantasma, El sexto sentido, Toy Story 2, Austin Powers 2) y la reciente masacre del instituto Columbine hizo que el estreno se retrasara hasta el 6 de octubre de 1999, en el que hizo un pírrico número uno, pero número uno al fin y al cabo. En España, estrenada el 5 de noviembre de ese mismo año, llegó a amasar 2.910.000 euros, el equivalente a 4.400.000 actuales, lo que se espera que recaude, por poner un ejemplo, Los sustitutos; y congregó a 745.742 espectadores en toda su carrera comercial, un poco más de la mitad de lo que ha hecho Ágora en su fin de semana de debut. Migajas.

Pero, amigos... Aquí es donde viene el remonte. Suele proclamar a voz en grito todo villano fílmico de postín que los genios siempre son incomprendidos en su tiempo. Sería la perspectiva que dio el paso de los meses la que propició que la cinta dejara de considerarse demoniaca o quizá la edición del DVD doble que supervisó directamente Fincher (experiencia visionaria y precursora que le hizo ganar multitud de premios al mejor DVD del año, entre ellos el de Online Film Critics Society y el de Entertainment Weekly) la que clarificó la metáfora de la violencia como ruptura con la sociedad de consumo en que vivimos, heredada directamente de nuestros padres, que en un principio nadie pareció entender. Los beneficios derivados de la venta y alquiler de copias domésticas alcanzaron los 55 millones de dólares, mostrándose como uno de los más exitosos de toda la historia de la 20th Century Fox, hito que sirvió para que que una inversión inicialmente ruinosa llegara a dar un beneficio neto final de más de 10 millones de dólares. Ni Fincher se lo creía.

Justicia cósmica
Hoy por hoy, El club de la lucha está donde se merece, en un pedestal. Por valiente, por ser un entretenimiento controvertido pero saludable y por haber conciliado a la crítica (que ahora sí habla maravillas del filme) y al público, aunque haya sido diez años después. IMDB la sitúa como la décimo novena mejor película de todos los tiempos, sólo superada por tres obras más modernas (El caballero oscuro en noveno lugar, El retorno del rey en el décimo tercero y Ciudad de Dios en el décimo séptimo). Además, Total Film la nombró en 2007 Mejor Película desde 1997, la revista Empire la posicionó en 2006 como octava mejor película de todos los tiempos (sus lectores encumbrarían a Tyler Durden como el mejor entre 100 personajes cinematográficos históricos) y Premiere diría en 2007 que la vigésimo séptima mejor frase jamás pronunciada en el cine era: “La primera regla del Club de la Lucha es que no se habla del Club de la Lucha”.

JOHN WAYNE SACA EL REVÓLVER... OTRA VEZ

2009-09-22T10:22:00.004+02:00

En ocasiones es grato que una televisión local, en este caso Visión 6 Televisión (de Albacete) nos proponga para pasar la sobremesa con una película y si es un western de los de toda la vida con todos los ingredientes que han hecho grande a este género, mejor. Y si es con John Wayne, ¿se puede pedir más?

Bien es cierto que Chisum es rara avis en el universo de las "pelis de vaqueros" que a finales de los 60 ya estaba “contaminado” por la influencia del spaghetti western, pero el filme, dirigido por Andrew V. McLaglen, hijo de uno de los actores fordianos (de John Ford, se entiende) por excelencia, ofrece aún argumentos de sobra para considerarlo un pequeño clásico del que podremos disfrutar desde el salón de nuestra casa.

McLaglen fue ayudante de dirección del maestro Ford, y también de Bud Boetticher, otro de los grandes del género, hoy casi olvidado. De su proximidad a estos notables realizadores, McLaglen junior sólo obtuvo una enorme pericia profesional en la puesta en escena, aunque su talento distaba mucho del que poseían ambos maestros. De todas formas, en su larga carrera cinematográfica ha tenido éxitos de taquilla gracias a su buen pulso narrativo y a su indudable capacidad para contar historias, cono ocurre en Chisum, e incluso al margen del western, como en Patos salvajes.

El argumento de Chisum nos lleva por lugares comunes: un viejo marshall vuelve a su poblado tejano, donde se encontrará con el banco robado, el sheriff asesinado y un sospechoso de esas tropelías que resulta ser su propio hijo. Lo mejor de la película es su tono clásico, con las habituales constantes propias del género, en una historia que resulta deudora de algunas de las mejores cintas del Oeste. La mejor baza para ello es, que duda cabe, la aparición del viejo John Wayne, convertido ya por aquel entonces en un mito viviente, creador de un personaje arquetípico, un pistolero de vuelta de todo que se ve obligado a enfrentarse constantemente con revólveres hostiles. A destacar la música, que es obra de Elmer Bernstein, especialista en el género. Recuérdese, sin ir más lejos, su legendario tema principal para Los siete magníficos.

UP; LA INSPIRACIÓN HECHA CINE

2009-09-01T16:23:00.002+02:00

Se apagan las luces de la sala. Tras los spots y trailers de rigor, el logo de Walt Disney. Tranquilos, la peli es de Pixar. Éxito asegurado. Supongo que la calidad también. La primera satisfacción llega con el corto con el que nos deleita este estudio con cada estreno. Especial, emotivo, humorístico. Me gustan estos chicos y sus pajarillos para nada ñoños. Empieza la función, la gente se calla pero aún se oye el gruñir de las palomitas y el sorbeteo de los refrescos. ¡Maldición! ¿Para cuándo una ley que prohiba el hacer ruido mientras se come en el cine?

Las primeras risas afloran en el patio de butacas, mientras espero el primer bofetón de buen cine. Llega pronto. Una escena, un travelling, un hecho desencadenante y una mirada a través de un cristal. ¿Cuántos directores han querido captar esas sensaciones en el cine de carne y hueso y se han visto incapaces? Ellos lo han conseguido con unos cuantos trazos, un dibujo achatado y una paleta de colores. El gran cine ha llegado pero lo mejor está por llegar.

A continuación aparecen más personajes y la historia se va desarrollando. Homenajes al gran cine mudo de los Lloyd, Chaplin, Keaton, Arbuckle. ¡Dios, qué gozada! Las risas saltan por doquier, los comentarios de la gente asustan. Siete eurazos la entrada. Siete eurazos de gran inversión.

Llegamos a un punto en el que te das cuenta de que el filme ya no es de dibujos animados, es algo más. Trasciende a la categoría en la que han querido meterla. No es cine infantil, no es entretenimiento. No es ni comedia, ni drama, sino todo lo contrario. La música (apunten este nombre, Michael Giacchino) instila gotas de dulces melodías y reiterado compás que una vez que sales del cine, aún tienes en la mente. Sencillamente deliciosa. Absolutamente magistral.

Llega el final de la película y empiezas a pensar que es lo mejor que te puede pasar viendo una película. Abundas en lo que te acaban de servir, buscas preguntas y te las respondes. Intentas meterte en el personaje, viviendo su felicidad primeriza, razonando los por qués de su angustia y su soledad, preguntándote por qué la vida puede ser tan perra cuando algo te falta. Pero el ejercicio de vivir es lo que queda, es lo que nos mantiene, valga la redundancia, vivos... y según Pixar, según Pete Docter y John Lasseter, vale la pena. Brindemos por ello.

Una vez en casa revivo la película, me veo reflejado en ese viejete, el señor Fredricksen, y tan sólo aspiro a vivir la mitad de experiencias que ese dibujo animado ha realizado en 90 minutos de celuloide. La película (no, aún no lo había dicho), es Up. Si no la han visto, corran a hacerlo. Seguro que me lo van a agradecer.

LA PASIÓN SEGÚN DAVID LEAN

2009-08-21T20:27:00.002+02:00

Séptima de las realizaciones de un David Lean ya familiarizado con la profesión (previamente había realizado obras tan estimables como Breve encuentro, Cadenas rotas u Oliver Twist), Amigos apasionados es una película que interesa por las influencias que toma de otros éxitos del cine de aquella época al tiempo que se detecta el interés de Lean por familiarizarse con determinados elementos expresivos del lenguaje cinematográfico.

Con un cuadro técnico que incluye nombres tan prestigiosos de la cinematografía británica como Oswald Morris o Ronald Neame, la película cuenta con un elenco interpretativo de nivel comandado por la la bella y personalísima Ann Todd, el siempre eficaz Trevor Howard y el extraordinario Claude Rains, que logra en todo momento capitalizar el interés de la acción cuando se encuentra presente en la misma. El juego de miradas entre los tres personajes en medio de la trama, la disposición de los actores, el montaje y el tono elegíaco de la música de fondo, ofrece lo mejor y más emotivo de una película que nunca fue estrenada en España en cine pero sí en televisión.

El argumento del filme (que parte de una novela del conocido escritor H.G.Wells), responde en buena medida a un patrón bastante extendido en el cine británico de aquel momento. Con él se pretendió emular el éxito de Breve encuentro, elemento que se acentúa fundamentalmente en ese rasgo de crónica cotidiana de una relación amorosa caracterizada por el pudor y el respeto a unas convenciones sociales. Al mismo tiempo la película sorprende por esas situaciones iniciales en las que de alguna manera se juega con los tiempos de la misma, retrocediendo hasta el origen de un romance que en algunos contados instantes parece querer desafiar el paso del tiempo. Y es que una de las limitaciones de la película estriba en la frialdad que caracteriza su desarrollo, aunque el pulso narrativo de Lean compensa con creces el resultado final.

En cualquier caso, Lean juega entre el melodrama que sabía cultivar con éxito y el suspense psicológico de forma en ocasiones desconcertante. En otros momentos se atreve incluso con audacias narrativas como insertar en la pantalla la expresión de un deseo.

Apuntes de maestría
Todo ello comporta un conjunto de variable interés, muy interesante en unas ocasiones e irregular en otras. En cualquier caso, Amigos apasionados se revela como una apuesta en la búsqueda de un éxito comercial, dentro de los parámetros de la segunda mitad de los años 40, y aún hoy día una producción que conserva todo su atractivo. Para más tarde, una década más o menos, David Lean gestaría algunas maravillas como Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago o El puente sobre el río Kwai... Eso es otro cantar. Eso es jugar en otra liga.

COLINAS MUTANTES

2009-08-14T22:48:00.001+02:00

Hoy una de terror. Tras el estimulante remake que de Las colinas tienen ojos hizo en 2006 Alexandre Aja, debemos echar un vistazo a la versión original de 1977, segundo trabajo Wes Craven y, sin duda uno de los filmes de terror más importantes de los 70. Puede que algunos de sus elementos más escandalizadores hayan sido superados, y que su estética sea anticuada, pero es difícil imaginar el impacto que causó en la época de su estreno, cuando se presentó ante un público que no estaba acostumbrado a tal género de depravaciones y que todavía tenía muy fresco el estado de shock causado por La matanza de Texas (1974), innegable prima hermana de esta película.

La trama puede resultar harto conocida, pero para aquel entonces no era algo tan común: en un viaje por carretera hasta California, la familia Carter (padre, madre, un hijo, dos hijas y el esposo y bebé de una de estas) comete el fatal error de desviarse por un paraje desértico de Arizona para ver unas antiguas minas de plata que el patriarca Carter acaba de recibir en herencia. Lo único que encuentran es un fortuito “accidente” que los pone a merced de una familia de caníbales liderados por una especie de mutante producto de radiaciones atómicas. Estos salvajes han vivido durante años apartada de la civilización, depredando a los incautos que se atreven a acercarse a sus dominios, y tras efectuar una masacre en la familia Carter, obligan a los supervivientes a convertirse ellos mismos en monstruos. El lema publicitario del filme no dejaba lugar a la duda: “los afortunados mueren primero”.

Aunque es cierto que de vez en cuando tiene unos bajones alarmantes, lo cierto es que Wes Craven continúa siendo un perfecto ejemplo de lo que es un autor de género. En Las colinas tienen ojos toca un tema que se ha vuelto recurrente en su filmografía: la disolución y ruptura de la familia, así como la insalvable brecha entre las generaciones mayores y las más jóvenes. De hecho, no es casualidad que la película comience cuando Ruby, la más joven y “normal” del clan de los caníbales, esté manifestando sus deseos de escapar de su bestial clan. Al mismo tiempo, la familia Carter tampoco se nos muestra de una manera muy positiva, sino más bien como una pandilla de egoístas. Ambas familias están regidas por figuras paternas autoritarias y castrantes, y ambos padres terminan decretando la ruina de sus respectivas parentelas. El final, punto climático de este enfrentamiento, es un desahogo de violencia y brutalidad, una explosión de ira acumulada que da a la historia un desenlace aún más macabro. Hoy es difícil encontrar un final así sin que nos metan algún tipo de moralina.

Las colinas tienen ojos es un perfecto ejemplo de ese cine de terror que se hizo durante los 70, que no solamente se atrevía a mostrar sangre y escenas violentas sino que las ponía al servicio de un comentario sobre la condición humana más que interesante. Quizás sea la principal diferencia entre aquellos slashers y muchos de los de ahora.

BULLITT: EL ENCANTO DEL POLI MODERNO

2009-08-07T21:01:00.002+02:00

No es sólo la formidable persecución entre el Dodge y el Mustang en las calles de San Francisco. Bullitt es la película modelo de la mayoría de los policiales modernos y el modelo sobre el cual se formarían filmes como Harry el sucio o series como Starsky y Hutch. Es también interesante para reflexionar sobre el grado de decadencia que ha sufrido el género policial en los últimos años. Hollywood ha bastardeado el género, principalmente por dos factores: incluir exagerados pasos de comedia y el abandono de fuentes literarias. Todos los filmes policiales de hoy parecen clones. Todo es rutina. Pero entre fines de los 60 y principios de los 70, el policial era otra cosa. Era cine de ideas y atmósferas, de suspense, de personajes tridimensionales. Esos filmes no tenían romance o comedia. Se dedican a seguir y explorar al personaje central, y están filmadas del modo más realista posible.

Hay mucho más en común entre Bullitt y Harry el sucio de lo que uno cree. Si bien Don Siegel es un director original, es indudable que tomó mucho de los criterios de Peter Yates para su film. Está San Francisco, la partitura de Lalo Schiffrin, los planos alejados, los personajes lacónicos, las largas secuencias sin música, el héroe rebelde. Quizás lo que le falta a Bullitt es más carisma.

La cinta dirigida por Yates en 1968 es una película abrumadoramente lacónica. No hay muchos diálogos, y los que hay son breves. Es cierto que la trama tampoco es demasiado densa pero ello contribuye a generar una excelente atmósfera. El espectador termina por atender otras minucias, pequeños detalles que hacen a los personajes. Por momentos parece un documental. Lo interesante es que todos los trucos del director se basan en la expresividad de Steve McQueen, que aquí ofrece una de sus mejores interpretaciones. Es sorprendente lo que hace con tan poco diálogo. Gestos naturales, un par de frases que definen su personalidad, una actitud silenciosa, inteligente, desconfiada. Es obvio que el filme no sería lo mismo con otro actor.

Si bien las actuaciones van de muy bueno a excelente, el guión tiene un par de agujeros pero el clima del filme hace efectivo pensar en el mundo violento donde Bullitt se desenvuelve, y los largos silencios sirven para potenciar tanto las escenas dramáticas como las de la acción. El poder de impacto del filme está intacto.

Y por supuesto está la larga y memorable persecución en San Francisco. Es la primera escena de su tipo, filmada de un modo moderno, con planos traseros de los autos, velocidad y notable tensión. Lo que más impresiona de la escena es que está filmada sin música ni diálogos, y la única banda sonora es el rugido de los motores de los dos coches. Pero además el tono es acorde al del film; hay actuación en medio de la persecución. Los asesinos se lamentan, se meten en aprietos en el tráfico, se preocupan; Bullitt observa, decide.

Bullitt sigue siendo una película notable, un verdadero clásico. El primer policial moderno que, a 40 años de su filmación, no ha perdido su carisma.

TERMINATOR SALVATION: CITA CON LOS CYBORGS ASESINOS

2009-06-05T12:43:00.005+02:00

Algo cambió en el cine de ciencia ficción en 1984. En aquel año, la estrella del posteriormente famoso y laureado James Cameron se encendió para no decaer en las dos décadas siguientes. The Terminator, escrita y dirigida por el realizador estadounidense en ese 1984, se ha convertido en una película de culto para los aficionados al cine de ciencia ficción. Y también de la acción. El Terminator 101 T-800 diseñado por la empresa Cyberdyne Systems, con el rostro pétreo e inexpresivo (marca de la casa) de Arnold Schwarzenegger, era enviado desde el futuro para evitar la llegada al mundo de John Connor, el hombre que lideraría la resistencia de los humanos en un mundo controlado por las máquinas.

Desde entonces queda claro que Terminator es imparable, siempre vuelve, y en efecto, veinticinco años después, con Schwarzenegger convertido en gobernador de California, las máquinas siguen persiguiendo a John Connor, el líder de una resistencia abocada a sobrevirir incluso a un Juicio Final, aunque la acción se sitúe en 2018. Y al frente de todo ello Christian Bale, que cuelga (de momento, puesto que se promete tercera entrega) la capa de Batman para embarcarse en Terminator Salvation, un proyecto por el que en principio no tenía demasiado interés.

A fuego lento
“Me fui convenciendo a fuego lento”, confesaba el actor galés durante un encuentro con la prensa para presentar la película en Estados Unidos, donde se ha situado de inmediato en los primeros puestos de la taquilla. “Fue un proceso largo, sobre todo para hacerme una idea en mi mente de la película que yo, como espectador, querría ir a ver al cine, y que generase la misma expectación que yo sentí cuando vi Terminator 2: el Juicio Final”, añade Bale.

Sobre su papel de John Connor, el protagonista de El caballero oscuro tenía claro que debía haber evolucionado bastante tras el paso de los años: “es más mayor y ya ha pasado por el día del Juicio Final”, desarrolla Bale. “Vivir un acontecimiento semejante altera a cualquier individuo, así que en muchas cosas es una persona completamente diferente”.

Christian Bale tuvo claro desde el principio que “esta es una película muy diferente a El caballero oscuro en todos los aspectos; allí queríamos empezar de cero y aquí abrazamos por completo la mitología de la franquicia”.

Terminator 2: el Juicio Final, también dirigida por James Cameron, se estrenó en 1991 y se convirtió en un fenómeno de taquilla global. La historia se retoma después de que Sarah Connor (Linda Hamilton, en esos años, esposa de Cameron) fuera recluida en un hospital mental y su hijo adolescente, John Connor (interpretado por Edward Furlong), tiene que defenderse del sofisticado T-1000 (Robert Patrick), un robot de metal líquido capaz de adoptar cualquier forma que Skynet, la computadora que desencadenará el ataque de las máquinas tras el día del Juicio Final, ha enviado al pasado para asesinarlo. Pero el futuro Connor envía un T-800 (Schwarzenegger) reprogramado para protegerse a sí mismo. Sarah, John y su nuevo aliado intentan escapar del T-1000 y evitar a toda costa el día del Juicio Final.

Recuerdos imborrables
“Tenía 17 años y recién había llegado a Estados Unidos cuando se estrenó T2”, cuenta Christian Bale. “Recuerdo la expectación en el cine, jamás había visto nada semejante. Durante toda la película no podías escuchar nada porque todo el mundo estaba gritando”.

El director Jonathan Mostow cerró la primera trilogía en el año 2003 con Terminator 3: la rebelión de las máquinas, en la que el terrible evento que Connor (ahora con las facciones de Nick Stahl) y su madre trataban de prevenir, el Juicio Final, es inevitable y la guerra nuclear estalla en el mundo bajo el comando de Skynet.

Nueva vuelta de tuerca
En Terminator Salvation, tras ver el montaje de los efectos especiales Christian Bale tuvo claro, como apunta con una sonrisa irónica, que “nosotros fuimos al rodaje pensando que eramos los protagonistas, pero eso no es cierto en lo más mínimo. La gente no irá a vernos a nosotros. Tenemos que aportar nuestra historia, por supuesto, porque no importa cuán geniales sean los terminators y las explosiones. Si no hay una buena historia, ¿de qué sirve? Pero enfrentémonos a los hechos: los terminators son las verdaderas estrellas de la película. Y van a sorprender más allá de lo imaginable a todo el mundo”.

En Terminator Salvation, dirigida por McG (así firma sus trabajos el director de las dos entregas de Los ángeles de Charlie, Joseph McGinty Nichol), Bale comparte protagonismo con Sam Worthington y Bryce Dallas Howard, pero los productores de la cinta guardaron también una pequeña sorpresa: la aparición estelar de Arnold Schwarzenegger, quien hace seis años se retiró prácticametne del cine con la tercera y para algunos, decepcionante entrega.

¡Volveré!
Cara de palo (y de pocos amigos), gafas de sol robadas al prójimo y ciertas intenciones aviesas. ¡Volveré!, dijo el cyborg (interpretado por Schwarzenegger en 1984), en una apacible comisaría de policía, donde poco segundos después se instaló el caos. Esa escena, esa promesa de retorno del robot asesino de The Terminator, fue el primer punto de inflexión que impuso esta franquicia del cine sci-fi. Siete años después, vendría la revolución, no tanto por la historia, como por unos efectos especiales que metieron de lleno el diseño SGI (esto es, por ordenador), en el libreto de Cómo hacer una buena peli de acción. Los genios de ILM y del estudio de Stan Winston pusieron de su parte para marcar el siguiente hito en la evolución de los F/X y del espectáculo hecho cine.

La historia funcionó en taquilla y Cameron dejó la senda abierta para que otros (como Spielberg y sus dinosaurios), completaran la faena. Pero más allá de los meros artificios, la saga Terminator engancha porque tiene elementos para ello: a la gente siempre le han interesado los viajes en el tiempo y los apocalipsis ya sean causados por los efectos del clima, por un meteorito gigantesco, por robots asesinos enviados del futuro o por el mismísimo Mefistófeles. Sea como sea, todo esto adobado con mucha acción y personajes chulos, hace de una saga como la de Terminator, un juguete goloso con el que seguir haciendo caja. Lástima que en la tercera parte, se notara en demasía que no estaba Cameron al mando (Jonathan Mostow no estuvo a la altura), y que Arnie pensaba más en la política que en ser vapuleado por una neumática Terminatrix. En esta tercera parte, por no funcionar, no funcionó ni el resto del reparto, en el que, lamentable error, no se encontraba una Linda Hamilton, que ya en la segunda parte daba más miedo incluso que los cyborgs asesinos.

Sayonara, baby...
...aunque mola más en versión original, cuando el vetusto T-800 dice en perfecto español “Hasta la vista, baby”, antes de hacer añicos a un acristalado y congelado T-1000.

Queda ahora por comprobar si el responsable de las infumables nuevas ángeles de Charlie es capaz de homenajear el legado de Cameron, que a pesar de estar alejado de la saga, algo habrá tenido que ver en esta última entrega. El protagonista de su último filme (Avatar), es el que le da la réplica a Bale en ésta.

BUENOS VS. MALOS

2009-04-03T10:23:00.002+02:00

Ya lo decía Paul Muni, el Scarface de Howard Hawks en 1932: “Vosotros necesitáis gente como yo, a la que poder apuntar con vuestros jodidos dedos para decir: Ese es el mal.” Es lo que tiene ser “el malo”, el reverso tenebroso de lo que somos pero que está ahí. Por eso quizá, porque lo tenemos cerca, porque lo vivimos a diario aunque no lo toquemos, nos gustan tanto los personajes de malo.

Los malvados de la literatura y en especial del cine dan rienda suelta a lo que nosotros no podemos (bueno, sí podemos, lo que pasa es que no lo hacemos), hacer. Por aquello de que nos seduce lo prohibido nos encanta el personaje renacentista de Hannibal Lecter, o la maldad versión Lado Oscuro de Darth Vader o el sadismo nazi del Amon Goeth practicando el tiro al judío e interpretado en La lista de Schindler por Raph Fiennes.

Pero indudablemente, los malos necesitan a su némesis, al bueno al que fastidiar y que indudablemente, debe enfrentarse a la encarnación del mal. Buenos contra malos. Casi siempre ganan los primeros, pero... lo bien que lo pasamos con los segundos, ¿no?

Empecemos a hablar de buenos del cine y de la tele. Y pensemos en listas que de vez en cuando se hacen. James Bond del lado de los buenos y la Malvada Bruja del Oeste de la película El mago de Oz del lado de los malos. Estos dos personajes son el héroe y la villana, respectivamente, más cool de la historia del cine según una lista elaborada por Entertainment Weekly.

El primero fue Sean Connery, que hizo del personaje lo que ahora es en el Séptimo Arte, y el último, que está causando sensación, es Daniel Craig. Por el camino quedan actores como Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y el desconocido y efímero (sólo una película del espía más famoso al Servicio de su Graciosa Majestad), George Lazenby. Todos ellos han contribuido a hacer del agente 007 el héroe más glamouroso y elegante de la historia del cine.

Bond está por delante del arqueólogo más intrépido del celuloide, Indiana Jones, y del hombre más poderoso del Universo, Superman. El cuarto lugar de la lista de EW es para el hipertaquillero niño mago Harry Potter, al que siguen la teniente Ripley, Sigourney Weaver en la saga de Alien, Bruce Willis (John Mclane) en La jungla de cristal y Han Solo, Harrison Ford en Star Wars.

En la lista también aparecen estrellas de la pequeña pantalla, como Sarah Michelle Gellar (Buffy cazavampiros), o Kiefer Sutherland y su aguerrido y prácticamente indestructible Jack Bauer de la serie 24. En este top 20 de los héroes más molones también hay sitio para los superhéroes (Spiderman o Batman) y para auténticos mitos del celuloide como Clint Eastwood y su Harry el sucio o el inolvidable Gary Cooper de Solo ante el peligro.

Los malos de la función
Por parte de los villanos la que ocupa las preferencias de los lectores de la revista estadounidense es la Malvada Bruja del Oeste, la mala malísima de El mago de Oz que, interpretada por Margaret Hamilton intentaba aguarle la fiesta a Judy Garland. Completan el pódium de los villanos otros dos clásicos en estas listas: Darth Vader de Star Wars y el caníbal elitista Hannibal Lecter presente en El silencio de los corderos y dos de sus secuelas. En cuarto lugar queda el Joker, seguido de Alex DeLarge, Malcom McDowell en La naranja mecánica, y del malo de Los Simpsons, Montgomery Burns.

La femme fatale a la que dio vida Sharon Stone en Instinto Básico (su personaje se llamaba Catherine Trammel), también está en una lista en la que aparece el Voldemort interpretado por Ralph Fiennes (de la saga Harry Potter), Drácula, J.R. de Dallas, La madrastra de Blancanieves, los asesinos en serie de Psicosis y Halloween (Norman Bates y Michael Myers, respectivamente), y el perturbado Jack Nicholson en El resplandor, filme dirigido por Stanley Kubrick.

HA MUERTO MAURICE JARRE

2009-03-30T10:46:00.002+02:00

¿Qué sería de películas como Lawrence de Arabia o Doctor Zhivago sin las notas musicales que le acompañan y que tenemos todos en nuestro subconsciente? El autor de esas melodías acaba de morir y el mundo del cine está hoy huérfano de uno de los grandes compositores de bandas sonoras. Recibió tres Oscars (bien merecidos), por las dos cintas anteriormente citadas y por Pasaje a la India, de James Ivory.

En todos nosotros queda la sombra de Lawrence por las dudas del desierto o a Lara y Yuri Zhivago en carro por una estepa siberiana mientras suena los ecos de una música que ya hoy no se hace.

AMARÁS AL CINE SOBRE TODAS LAS COSAS

2009-03-27T19:16:00.002+01:00

Ya está aquí la Semana Santa, que para muchos es un momento de recogimiento y fervor, mientras que para otros es la oportunidad de tener un merecido descanso. Lo cierto es que, para los cinéfilos, es un momento perfecto para un buen maratón, por lo que les proponemos una lista de películas que a pesar de tener un tema en común, van de lo más sagrado a lo profano. Sólo aclaramos que, para aquellos demasiado ortodoxos, habrá más de una cinta que quizá sería bueno que evitaran. Para los de mente más abierta, todas son muy, muy recomendables. Vayamos pues a ofrecerles una lista de lo más “recomendable” para estos días.

En primer lugar nos encontramos con El martir del calvario, la cinta mexicana por excelencia en el tema. Gracias a la actuación de Enrique Rambal, muchos aún creen que Jesucristo tenía acento español.

Otra película destacada es La vida de Brian, obra maestra de Monty Python que nos narra la vida de un pobre diablo cuyo único mérito es estar cerca de Jesús en los momentos más inoportunos.

Seguimos con El séptimo sello. Jesús está de regreso en la Tierra, pero al parecer el concepto de dar la otra mejilla es parte del pasado, y es ahora mucho más combativo.

La polémica viene de la mano de La última tentación de Cristo, una visión muy particular de la vida de Jesús, en donde logran humanizarlo a un nivel que nunca nadie había hecho. Basada en la novela de Nikos Katzanzakis, levantó un enorme revuelo el año de su estreno.

Jesucristo cazavampiros retrata a un extraño dueto que se dedican a buscar vampiras lesbianas: El Santo y el mismo Jesucristo. Una película tan mala, que resulta excelente.

Algo más alegre. Jesucristo Superstar. Si bien ya había sido bastante exitosa como musical, fue tras su llegada al cine de la mano de Norman Jewison cuando se volvió un verdadero clásico.

La historia más grande jamás contada es una interpretación de la vida de Jesús en forma de superproducción, que llegó a ser un gran éxito en los sesenta. El sueco Max von Sydow hacía de Cristo.

En octavo lugar nos encontramos con Jesús de Montreal, que narra el paralelismo entre un actor canadiense y la vida de Jesús. Las similitudes se hacen patentes cuando él mismo tiene que interpretar al Salvador en una producción.

Polémica también levantó (por su crudeza visual y por la imagen que se daba de los judíos), La pasión de Cristo, filme dirigido por Mel Gibson que pretendió una reconstrucción más fiel del Jesús histórico.

Para cerrar esta lista, tenemos a Ben Hur, un clasicazo de estas fechas en el que aunque Jesús no es el principal personaje, las circunstancias de su vida influyen en esta megaproducción.

Quedan muchas en el tintero (Jesús de Nazaret, Quo vadis, La túnica sagrada...), pero ya habrá tiempo de comentarlas en otro especial.

LOST IN TRANSLATION

2008-12-18T00:31:00.002+01:00

Surfeando por esos procelosos mares de internet, me he encontrado con un jugoso artículo al que hace tiempo quería echar el lazo. En él se habla de las tropelías, andanadas, maldades, vilezas, etcétera, que algunas veces los traductores de películas cometen con algunas joyitas. Partiendo del clásico descacharrante de los hermanos Marx, Plumas de Caballo, se habla de cómo algunos "expertos" le dan vueltas de tuerca al lenguaje para intentar conservar el sentido del guión. Lo malo es que algunas veces no se consigue...

Os dejo el enlace http://www.publico.es/culturas/183644/perdidos/n/traduccion para que podáis juzgar por vosotros mismos. Espero que disfrutéis.

¿SUEÑAN LOS DIRECTORES CON PELÍCULAS ELÉCTRICAS?

2008-11-05T19:03:00.003+01:00

Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.

Frase mítica de Blade Runner. Pero antes de entrar en harina, vayamos al principio. Al Creador. Hablar de Philip K. Dick es hacerlo de uno de los grandes nombres de la literatura de ciencia ficción. Es hablar también de un filón para el cine en los últimos veinte años, puesto que se han adaptado para la pantalla varios de sus relatos, algunos con más fortuna que otros. Spielberg hizo una adecuada recreación de uno de sus relatos, Minority report, y Ridley Scott puso de moda a un autor que moriría poco antes de ver acabada Blade Runner, adaptación de su relato corto ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Otros venerables nombres como el de Paul Verhoeven también se han atrevido a utilizar al señor Dick como fuente de inspiración cinematográfica (v.g. Desafío Total).
La obra de Dick se ha calificado de visionaria, fría, desprovista de sentimiento pero terriblemente cercana a una verdad que puede cristalizar en los próximos años. Probablemente tampoco se equivoquen aquellos que encuentran analogías en los mundos futuros que este escritor narraba en sus obras con aquel que le tocó vivir (y con el que nos toca en suerte también a nosotros). De todas formas ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? encontró una magnífica versión cinematográfica, aunque la película de Scott incidía algo más que el libro en aspectos llamémosle sentimentales. La película se aleja en algunos asuntos del relato de Dick aunque sigue siendo una alucinante pesadilla fantacientífica cuya principal premisa argumental es la tenue línea que separa lo artificial de lo natural, expuesta en la historia de un agente, Rick Deckard, que se dedica a cazar replicantes, androides con semejanza humana y lo que es más importante, con la capacidad de sentir, algo que les hace especialmente peligrosos para el statu quo imperante (una ciudad anclada en la mitad de nuestro siglo con cierto aroma a megalópolis nipona).
Eso en el terreno literario. Pasemos al celuloide. Ridley Scott (con la ayuda literaria de Philip K. Dick y la de Hampton Fancher y David Webb Peoples en el guión y antes de querer convertirse en el director que más películas rueda), no solo monta una magnífica intriga policiaca, sino que también se esmera en detallarnos un futuro tenebroso (¿por qué el futuro casi siempre es oscuro?¿miedo a lo desconocido?), esa megalópolis que ya de por si es un personaje en el que interactuan los demás. Analogía: lo mismo ocurría con la selva que describía Joseph Conrad en El corazón de las tinieblas.
Fantasía distópica en un principio, Blade Runner va más allá. Interesante mezcla de géneros incomprendida en su tiempo (y aún hoy por mentes incapaces de ir más allá de tontadas sentimentaloides perpetradas por las majors de Hollywood que pueblan cines y estanterías de videoclub), Scott combina cine negro, acción, drama clásico (en el sentido grecolatino de la palabra), además de ser una obra multireferencial en varios aspectos (citas inspiradas en grandes de la literatura, partidas de ajedrez famosas, etcétera). La película (así como la obra literaria de Dick), es también una avanzadilla de mundos futuros que bien podríamos vivir/sufrir. De esa labor premonitoria participaron a posteriori películas como Inteligencia Artificial (basado en un relato de otro de los grandes de la literatura fantacientífica, Brian Aldiss), Minority Report, Robocop, Brazil o la saga de Matrix. Muestras de anime como Akira, Ghost in the Shell, Appleseed o Cowboy Bebop son totalmente deudoras del lenguaje cinematográfico de esta película.
Por otro lado, en la génesis de Blade Runner no solo confluyeron una buena materia prima (relato), con un guión atinado (obra más de Peoples que de Fancher) y un director en estado de gracia (que venía de hacer Los duelistas y Alien, el octavo pasajero). Este film no sería el mismo sin la influencia de la obra de Moebius o Edward Hopper, que establecieron en gran medida el estilo visual de la cinta, más un sensacional trabajo de decorados de Syd Mead, unos efectos especiales avant garde a cargo de Richard Yuricich y Douglas Trumbull y la evocadora música de Vangelis. Cóctel perfecto que no gustó apenas al otro lado del charco en el 82 cuando la película se estrenó, pero que fue capital para que el mercado videográfico se desarrollara, porque fue ahí donde el film de Ridley Scott tuvo una segunda vida y donde se convirtió en "objeto" de culto.
Como prácticamente toda la obra de Philip K. Dick, ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? es un fulgurante y directo relato, que absorbe al lector desde la primera página con un comienzo impactante y demoledor y que te lleva por senderos que todo aquel devoto de la película de Scott debiera conocer. Película y libro se complementan. Son las dos caras de una misma moneda. Si tenemos al alcance de nuestra mano esta joyita literaria de la ciencia ficción, podemos ver, comparar y regocijarnos con el genio de un autor, de un genio esquizofrénico (sazonado con adicción a numerosas drogas) que se ha convertido a título póstumo en uno de los reyes de la narrativa de ciencia ficción y con cuya prosa nos llevó a través de las puertas de Tannhaüser para observar naves ardiendo más allá de Orión.

BILLY WILDER, UN GENIO CASI PERFECTO

2008-10-16T19:32:00.005+02:00

Cuentan las crónicas que cuando Jack Warner (mandamás de la Warner Bros.), vió El crepúsculo de los dioses, exclamó: ¡Cómo se atreve ese Wilder a morder la mano que le da de comer! Esto lo dijo sin darse cuenta de que delante suya andaba el mismísimo Wilder. Este se dio la vuelta y le dijo al que teóricamente era su jefe: "Soy el señor Wilder y váyase a la mierda". Nobody's perfect...
Su vida es digna de ser revivida. Periodista de los buenos en Viena y en Berlín (el mismísimo Freud le dio con la puerta en las narices por ser un plumilla "demasiado incómodo"), escapó de los nazis dejando a parte de su familia a merced de las hordas de Hitler. No hubiese pasado nada, de no ser por un pequeño detalle: los Wilder eran judíos. Su madre murió en Auschwitz, cuando Billy ya pululaba por EE.UU.
Como lo suyo era escribir se puso a redactar libretos. Trabajó con grandes de la talla de Ernst Lubitsch, Mitchell Leisen o Howard Hawks (en películas como Ninotchka, Medianoche o Bola de fuego, respectivamente), y harto de que algunos -en especial Leisen-, hicieran lo que les daba la gana con sus guiones, decidió dirigir sus propias creaciones.
Con Mauvaise graine, comenzó una prometedora carrera como director en la que engarzaría títulos maravillosos a una velocidad inusitada para lo que es el oficio de realizador. Con una bulliciosa mente en la que salían a borbotones ideas para guiones a los que luego daba forma junto a sus inseparables Charles Brackett o I.A.L. Diamond, Wilder llegó a encadenar varias obras maestras en el espacio de unos pocos años.
Absoluto dominador del slapstick, de la comedia alocada, heredero del toque Lubitsch, junto a Stanley Kubrick, ha sido de los pocos directores de cine capaces de reinventarse a cada propuesta que encaraba.
Dio nuevos brios al cine negro en la absolutamente cautivadora Perdición, cultivó con acierto el género de aventuras con Cinco tumbas a El Cairo, el cine judicial alcanzó cotas insuperables con Testigo de cargo, al bélico lo realzó con Traidor en el infierno, etcétera. Pero en la comedia fue donde llegó a ser un auténtico Dios, Fernando Trueba dixit. Sabrina, La tentación vive arriba, Con faldas y a lo loco, El apartamento, Uno, dos tres, En bandeja de plata, Primera plana... Muestras más que de sobra para abrir un episodio completo en la historia del Séptimo Arte dedicado al señor Wilder.
Con una intuición impresionante para crear situaciones cómicas (mucho también le debemos a los señores Brackett y Diamond), unido a una mano izquierda impresionante para la dirección de autores (tuvo a Audrey Hepburn, a William Holden, a Humphrey Bogart, a James Stewart, a Jack Lemmon y a Walter Matthau, e incluso a Marylin), más un conocimiento del medio cinematográfico sobresaliente, Wilder es el gran contador de historias. Da igual que sean las correrías de dos músicos travestidos en plena matanza del Día de San Valentín, o de una estrella del cine mudo en absoluto declive. Lo mismo da que sea la historia de un periodista sin escrúpulos que busca la exclusiva a cualquier precios como sea (en El gran carnaval), que la historia de la hija del criado que revoluciona el corazón de dos "señoritos". Wilder siempre sabe encandilar al público. ¿Por qué? Porque lo hace fácil, porque bebe de sus fuentes, porque siempre lo deja todo atado y bien atado. Almost perfect...
Tenemos la sensación de que el señor Wilder dejó de hacer cine (perdón, perdón, cine no,... películas, él hacía películas), demasiado pronto. En 1981 legó su última obra. Aquí un amigo cerró una etapa gloriosa del CINE, con mayúsculas, en las que hubo obras maestras y "otras películas de las que no quiero hablar". Menudencias para el maestro, pero perlas absolutamente adorables para sus seguidores. ¿Cómo si no, podemos hablar de malas películas en casos como El mayor o la menor o Berlín Occidente? Imposible. So perfect.
Hagan lo que yo. VHS o DVD. Elijan. Pónganse por ejemplo, El crepúsculo de los dioses y déjense guiar por ese aura mítico que tenía el cine clásico y que ya desapareció como lágrimas en la lluvia. Prepárense para un primer plano y sonrían... Están ustedes ante una obra de arte, aunque como diría el maestro... nadie es perfecto.

COMENTAD, COMENTAD, MALDITOS

2008-10-15T19:44:00.000+02:00

Queridos amigos:
Desde el día de hoy podréis hacer vuestros comentarios a mis prolijos comentarios. Así que sed buenos compañeros.

EMULANDO A AUDREY

2008-02-11T22:03:00.000+01:00

Puede que no estemos en 1961, que yo no me parezca a George Peppard ni tú a Audrey Hepburn y que la confluencia de las calles José Ortega y Gasset y Claudio Coello en Madrid, no sea la neoyorkina Quinta Avenida. Pero el próximo otoño podremos levantarnos un domingo, comprar unos bollos y un café para llevar y desayunar contemplando el escaparate de Tiffany's, porque la firma internacional de joyería abre tienda en la milla de oro madrileña. La legendaria firma, que adquirió fama mundial gracias a la novela de Truman Capote Breakfast at Tiffany's llevada al cine en 1961 de la mano del director Blake Edwards, tendrá que competir con vecinos de la talla de Louis Vuitton, Armani, Hermes, Channel o Gautier.
Así que para emular a Holly, la protagonista de la película, sólo necesitas hacerte con un traje negro de seda largo y de tubo, que venden en cualquier tienda de disfraces con la boquilla para fumar a juego por unos 30 euros, (el original era de Givenchy), y un café con bollo -por seis euros en el Starbucks situado en la misma calle de Ortega y Gasset - y admirar el glamuroso escaparate. Porque para entrar y para llevarte un regalito necesitas una suma cuantiosamente mayor.

KIESLOWSKI POLIÉDRICO

2007-11-14T22:45:00.000+01:00

Debemos recordar al Krzysztof Kieslowski sobretodo en el tiempo en el que crece: Polonia ya pertenecía a la Unión Soviética y fue mediante su educación en Lodz, que Kieslowski no sólo se abrió camino en el arte cinematográfico, sino en el arte en general. La escuela de Lodz era la salida perfecta para aquellos jóvenes ávidos de querer descubrir más allá de una cortina de hierro y entrar en contacto con el cine internacional y la literatura global.
Entonces estamos frente a la formación de un autor, del cineasta que busca separarse de los demás, del que se queja que en el cine todos se educan para hacer películas y no para ser diferentes. El mundo cambiaba y los sellos personales pasaron a ser reemplazados por marcas de fábricas, películas empaquetadas y realizadores escogidos.
Entre trabajos en el teatro y los estudios, consiguió un diploma en pintura escenográfica y posteriormente se gradúa con un documental titulado Ciudad de Lodz (1968). Localmente empieza a trabajar en más proyectos, su primer motor como director fueron los documentales, como el de La fábrica (1971), que fue postergado en exhibición debido a las ideas contrarias al proletariado. Luego vendrían cortometrajes como Primer amor (1974), ganador del Dragón de Oro en el Festival Internacional de Cracovia, el telefilme El personal (1976), primer premio del festival alemán de Mannheim. Los años transcurrían a medida que sus trabajos iban siendo realizados, eso no lo desligó del teatro, en el cual también tuvo participación activa en varios montajes.
No sería hasta su filme, La cicatriz (1976), que vería su imagen catapultada como una gran figura del cine polaco, entonces vendrían sus trabajos en televisión, telefilmes y por supuesto, su compromiso con los axiomas morales y su realización de El Decálogo. Ya en 1988 vendría el reconocimiento internacional con el Festival de Cannes y su galardón con el premio especial del jurado a su película No matarás, parte del conjunto de obras que encierran El Decálogo.
Debido a lo difícil de la situación económica en su lado de la cortina de hierro, la mayor parte de sus películas se verían forjadas en Europa Occidental, sobretodo en Francia, donde nacerían La doble vida de Verónica (1991) y la trilogía que llevó a Kieslowski al mito, Azul, Blanco y Rojo.
Kieslowski falleció a unos escasos 54 años, había anunciado su retiro de la dirección, pero no así del cine. Continuó trabajando en una nueva trilogía en base a la obra de Dante Alighieri y del cual, se han rodado los guiones titulados Heaven, fue llevado en el 2002 a la pantalla por el alemán Tom Tykwer, el mismo de Corre, Lola, corre (1998) y El perfume (2005), y L’enfer (2005), dirigido por Danis Tanovic.
Tal vez el mito no nace con su obra, si no con su persona, Kieslowski siempre supo mantenerse humano ante todo y ese mito parte de la admiración. No es un dios de la creación, no es el dios de su decálogo, tan sólo fue un hombre que supo comunicar con el lenguaje más básico y universal, el de las imágenes. Supo decir aquello que nosotros guardamos al cerrar la puerta y mirarnos en el espejo.

DEBORAH KERR: DE AQUÍ A LA ETERNIDAD

2007-10-18T21:47:00.000+02:00

Ha muerto Deborah Kerr, protagonista de clásicos del cine como De aquí a la eternidad o El Rey y yo, una de mis actrices favoritas. Lo hizo a los 86 años en el condado de Suffolk, en el sureste de Inglaterra. Kerr, uno de los máximos exponentes del Hollywood de los años 50, padecía Parkinson desde hacía varios años.
La actriz, casada con el escritor y guionista de Hollywood Peter Viertel y madre de dos hijas, vivía en Suiza, pero volvió a Reino Unido para estar cerca de su familia ante el empeoramiento de su estado de salud.
Nacida en Helensburgh (Escocia) en 1921, la intérprete intervino en numerosos filmes británicos antes de dar el salto a Hollywood en 1947, donde pronto se convirtió en uno de los nombres imprescindibles de la cartelera estadounidense.
Kerr estuvo nominada en seis ocasiones al Oscar a la mejor actriz, dos de ellas tras haber interpretado dos de los papeles que le reportaron mayor reconocimiento: De aquí a la eternidad, con Burt Lancaster (1953), y El Rey y yo, con Yul Brynner (1956).
La famosa escena en la playa de Kerr junto a su compañero de reparto Burt Lancaster en De aquí a la eternidad es una de las imágenes más repetidas del mundo del cine, y en la época llegó a rozar lo escandaloso.
Otras de sus películas fueron Tú y yo (1957), de Leo McCarey; Buenos días tristeza (1958), de Otto Preminger; y Vida y muerte del Coronel Blimp (1943), de Michael Powell y Emeric Pressburger.
En 1994, Kerr recibió un Oscar honorífico por su carrera consagrada al cine.

LA MALA CIENCIA

2007-10-06T19:58:00.000+02:00

Hierático y a la vez azorado, pues le va la vida a su personaje, el actor Gary Sinise contempla un monitor en el que deambula estultamente una presunta doble hélice de ADN. Solemne, proclama: “¡Parece ADN humano!”. A lo que su avispada compañera replica sin inmutarse: “Pero le falta el último par de cromosomas”.
Tal escena no es producto de una pesadilla surrealista, sino de la película Misión a Marte. Poco importa que la cinta sea obra del gran Brian de Palma o que los créditos hagan gala de un presunto asesoramiento técnico de la NASA. Ni de un cromo del ADN se puede inferir si es humano o cefalópodo, ni el ADN contiene pocos o muchos cromosomas, sino al contrario.
El séptimo arte ha acostumbrado al espectador a tragarse expresiones como “proteína unicelular” o “virus carnívoro”, o a las mil y una perversiones del término “mutación”, todo ello producto de guionistas y directores veleidosos con una absoluta falta de escrúpulo al retorcer las leyes de la física, la matemática, la química o la biología para acomodarlas al particular albedrío del universo hollywoodiense. En Estallido, suspense vírico sostenido por la eficacia de Dustin Hoffman, un mono infectado produce un antisuero que parece ser apto para inyectarlo directamente en las venas de los pacientes y, además, el minúsculo animal lo fabrica en cantidad suficiente para abastecer a todo un pueblo asolado por la epidemia.
No se trata de eliminar la fantasía en el cine, sino de ceñirlo a los mismos criterios de rigor que prestan credibilidad a una producción basada en la solidez de los detalles históricos o del vestuario.
Quizá el atentado más flagrante contra la ciencia en el cine no provenga de casos como La guerra de las galaxias del tándem Lucas-Spielberg —¿no os habéis preguntado por qué no están todos flotando en el espacio, por qué las explosiones se ven, si se supone que eso no puede pasar, o por qué esas mismas explosiones “hacen ruido”, si en el vacío se supone que lo único que hay es silencio?—, sino de producciones que se barnizan de ciencia escudándose en clichés preconcebidos o en jerga pseudocientífica. Inciso: aunque inexacta, La guerra de las galaxias es lo más. Así que, ni tocarla.
Los ejemplos abundan en el terreno de la ciencia ficción. En la mencionada Misión a Marte, un astronauta se congela ipso facto al arrancarse su escafandra en el espacio. Según los expertos, la baja densidad de moléculas en el vacío impide que el rozamiento arrebate el calor del cuerpo, y la congelación por irradiación pasiva es extremadamente lenta. Muy al contrario, el efecto inmediato sería un achicharramiento por la radiación cósmica (se nota que me he empollado la Wikipedia). Películas como El núcleo, donde un equipo debe penetrar hasta el centro de la Tierra a bordo de una tuneladora para restaurar el campo magnético del planeta; El día de mañana, con delirios climáticos aberrantes; o Armaggedon, con Bruce Willis salvando al planeta de su destrucción por un asteroide amenazador, son una sarta de despropósitos científicos.
No sólo la ciencia ficción es víctima de los gazapos científicos. Hay estudios que se han ocupado de analizar, teórica e incluso empíricamente, fenómenos que se dan por asumidos y que forman parte del inventario de recursos del cine comercial. Los resultados son sorprendentes: las balas no producen chispazos al impactar sobre metal, los rayos láser son invisibles, y un balazo en el depósito de combustible de un vehículo no lo hará explotar. Aún más insólito, un cigarrillo encendido arrojado sobre un charco de gasolina no logra prender el carburante, una equivocación que sedujo al mismísimo maestro Alfred Hitchcock en una de las escenas más tensas de su thriller Los pájaros.
En España aflora la tendencia en diversos blogs dedicados a esta materia. Entre ellos figura Malaciencia (http://malaciencia.blogspot.com/), del ingeniero de telecomunicaciones y desarrollador de software Alfonso de Terán. En sus dos años de vida, ha publicado más de 170 comentarios críticos sobre el maltrato que sufre la ciencia en los designios de los guionistas. Y no se limita a las superproducciones made in Hollywood.
Por fortuna, en el lodo también destellan algunos diamantes. Los expertos coinciden en señalar como ejemplos de buena ciencia en el cine la dictadura genética de Gattaca, la especulación cósmica de Contact y la odisea espacial de 2001, donde Stanley Kubrick contó con el asesoramiento del autor, Arthur C. Clarke, para plasmar un espacio sin sonido ni pirotecnia, una simulación de la gravedad creada por rotación, o un correcto reflejo de la ausencia de “arriba y abajo”, error habitual en otras producciones en las que dos naves coinciden de forma casual en la misma orientación con respecto a un punto de referencia absurdo: la cámara que las filma.
En su lucha por imponer la ley científica en el terreno del imaginario colectivo, el físico Costas Efthimiou no se conforma con hundir su bisturí en el cine. También el folclore popular es susceptible de pasar por el tamiz de los cálculos de Fermi para dejar en evidencia su irracionalidad.
El último trabajo de Efthimiou, publicado recientemente en la web arXiv de la Universidad de Cornell (EEUU), demuestra que vampiros, fantasmas y zombis sencillamente no existen. Los espectros no pueden atravesar paredes y al mismo tiempo subir escaleras, un atentado contra el sentido común reflejado en películas como Ghost, y al que el físico aplica el principio de acción y reacción.
En el caso de los discípulos del conde Drácula, el razonamiento es matemático. Según el autor, la estimación del gobierno estadounidense sobre la cifra de población mundial para el 1 de enero de 1600 era de 536.870.911 habitantes. Si ese día hubiese surgido el primer vampiro y hubiera mordido a una víctima cada mes, reclutándola así para la causa de las tinieblas, en junio de 1602 todos los seres humanos se habrían convertido en vampiros, sin nadie de quien alimentarse.
El argumento desbanca la teoría vampírica por dos vías. Primero, la reducción al absurdo, una vieja conocida de los estudiantes de ciencias. Segundo, el principio antrópico: cualquier hipótesis tiene que ser compatible con la existencia humana. Y el mal sueño de Bram Stoker por una indigestión de cangrejo —según cuenta la leyenda— no lo es. Los sueños, sueños son.

HABLANDO DE LISTAS

2007-10-04T20:15:00.000+02:00

Los años no pasan para Ciudadano Kane, la obra maestra de Orson Welles que una vez más se mantiene a la cabeza de la lista de las mejores películas de la historia del cine.
Así lo atestigua el Instituto de Cine Americano (American Film Institute) por segunda vez en esta década, donde insiste en el poderoso recuerdo y maestría de ese filme habitualmente resumido en una palabra: Rosebud.
Con el título Cien años, cien películas, décimo aniversario, el Instituto pone en marcha una vez más un listado que le ha dado popularidad y dinero, a la vez que alimenta la curiosidad del público por saber más de los clásicos cinematográficos.
De la lista se encargan un amplio grupo de críticos, historiadores y expertos, que en esta ocasión han corroborado la opinión de sus predecesores en cuanto a la valía de Ciudadano Kane.
La cosa cambia al hablar de El Padrino, film de Francis Ford Coppola que hace una década estaba en tercer lugar y ahora ha cambiado puestos con el clásico romántico Casablanca, que pierde su segundo puesto y pasa a tercera posición.
Otros cambios entre los 10 primeros es el de Toro salvaje, de Martin Scorsese, que sube del puesto 20 al cuarto de la lista, o Vertigo, de Alfred Hitchcock, que pasa del lugar 61 al noveno.
Completan los diez primeros lugares Cantando bajo la lluvia, en quinto lugar, y a continuación Lo que el viento se llevó, Lawrence de Arabia y La lista de Schindler. El Mago de Oz queda en el décimo puesto tras el ascenso de Vertigo.
En un comunicado, el Instituto Americano del Cine indicó que, "en muchos sentidos", el cine estadounidense refleja el país y que los cambios en ocasiones se deben al mercado del DVD, que rescata clásicos quizá olvidados entre la audiencia.
Este es el caso de un filme como Centauros del desierto, considerado uno de los mayores clásicos del oeste y de lo más destacado de la filmografía de John Ford y John Wayne, ahora en el puesto 12 de esta lista en lugar del 96 que ocupaba antes gracias a su edición restaurada en este soporte.
Entre la producción cinematográfica de la última década, tan sólo cuatro filmes pasaron a formar parte de las cien mejores películas de la historia. Se trata de El señor de los anillos: la comunidad del anillo en el puesto 50, Salvad al soldado Ryan, en el 71, Titanic, en el 83 y El sexto sentido, en el 89. Como veis, para todos los gustos.

NAVES MÁS ALLÁ DE ORIÓN

2007-06-25T21:32:00.000+02:00

Su producción fue tal infierno que su muy perfeccionista director aún sigue afinando una versión definitiva, pero lo cierto es que Blade Runner cumple hoy 25 años convertida en un clásico cuya sombría visión del futuro volverá a generar chorros de oro con su reedición conmemorativa en DVD. Y es que, en lo que es otro dato curioso en una película repleta de ellos, Blade Runner fue tras su estreno el 25 de junio de 1982 un fracaso en EEUU, pues sólo recaudó en las salas catorce millones de dólares -la mitad de su presupuesto-, pero su apabullante éxito en el recién nacido mercado del vídeo doméstico la erigió en uno de los productos más lucrativos de la Warner.Según su director,Ridley Scott, quien anunció también un reestreno a lo grande este año en Los Ángeles, es la segunda película más demandada del catálogo de la Warner, tras Casablanca.
Una explicación al éxito en vídeo y DVD es que la cantidad y calidad de las imágenes que ofrece la película es tanta que muy pocos suelen conformarse con ver sólo una vez esta mezcla de cine negro y ciencia ficción protagonizada por Harrison Ford en uno de sus mejores papeles.Rodada en decorados humedecidos por la lluvia y la neblina que caracterizan esta película en la que apenas se ve el sol, Blade Runner unió bajo una hipnótica banda sonora de Vangelis el alma caótica de Nueva York, Londres, Bangkok y Hong Kong en un diseño visual mil y una veces imitado desde entonces y bautizado como ciberpunk, mezcla de tecnología y marginalidad existencialista. Tan deudora de la imaginación del dibujante Moebius como del film Metrópolis (1927), de Fritz Lang, la película se sitúa en 2019, mucho después del 1992 propuesto por el visionario escritor Philip K. Dick en su relato corto ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (1968), en la que se basa, muy libremente, el guión.

Los principales problemas para Scott fueron los financieros. No sólo le despidieron una vez acabado el rodaje por sobrepasar el presupuesto, poco después se vieron obligados a readmitirle, sino que en ningún momento se mostraron convencidos de que la película resultara comprensible. Un miedo que también afectó al propio Scott cuando, tras los pases previos, el público y los críticos (que posiblemente, por la presencia de Harrison Ford, esperaba nuevas aventuras tipo La guerra de las galaxias) se quejaron por considerar la película enrevesada y pesimista.Todo ello llevó a productores y director a tomar una polémica decisión: eliminar un plano onírico que Scott creía fundamental, incluir una locución explicativa a cargo de Ford durante toda la película y alterar radicalmente el desenlace para hacer un final feliz, incluyendo idílicos planos de montañas tomados de descartes de la película El resplandor, de Stanley Kubrick. A comienzos de los 90 el hallazgo de una copia de trabajo con el montaje original y su casual proyección en un pase público generó una oleada de entusiasmo popular.Entusiasmo que hizo que Warner olfateara un nuevo negocio: el reestreno de esta versión con el montaje del director y su lanzamiento en vídeo en 1992, en coincidencia con el décimo aniversario del estreno. Una fórmula que generó pingües beneficios y que ahora intenta repetirse con motivo de este aniversario, ante el cual Warner Home Video anunció que se editará una caja con, como poco, tres de las al menos cinco versiones de la película, incluidas las internacionales. Y por si fueran pocas, Scott ha vuelto ha rodar planos para afinar de nuevo el montaje...

Yo he visto cosas que vosotros no creeríais: atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.

CAPOTE POR PARTIDA DOBLE

2007-06-04T18:48:00.000+02:00

Aún pasmados por la impresionante recreación-copia que Philip Seymour Hoffman hizo de Truman Capote en el biopic que se estrenó el pasado año, (y esperando la encarnación que hace del mismo personaje Toby Jones en Historia de un crimen, otro acercamiento a la misma historia que contó Bennet Miller en Capote) parece ser que este autor se ha puesto de moda. Revisiones de su obra, visionados de las películas que se basan en las mismas y reportajes sobre uno de los más grandes nombres de la literatura estadounidense contemporánea se mezclan en estos días, en los que el brillo de la estatuilla conseguida por Hoffman-Capote aún reluce en la mente de muchos.
De Capote puede que este todo dicho con esta introducción. Gracias al cine, una novelita suya sin más trascendencia alcanzó status de joya. Desayuno en Tiffany´s que Blake Edwards convirtió en delicia fílmica hizo que Capote ganara enteros como narrador. Pero fue con el caso de Dick Hickock y Perry Smith con el que nuestro protagonista alcanzaría el estrellado definitivo.
El 15 de noviembre de 1959, en un pueblecito de Kansas, los cuatro miembros de la familia Clutter fueron salvajemente asesinados en su casa. Los crímenes eran, aparentemente, inmotivados y no se encontraron claves que permitieran identificar a los asesinos. Cinco años después, Dick Hickcock y Perry Smith fueron ahorcados como culpables de las muertes. A partir de estos hechos y tras realizar largas y minuciosas investigaciones con los protagonistas reales de la historia, Truman Capote dio un vuelco a su carrera de narrador y escribió A sangre fría, (por cierto llevada al cine por Richard Brooks de forma magistral), la novela que le consagró definitivamente como uno de los grandes de la literatura norteamericana del siglo XX. Capote sigue paso a paso la vida del pequeño pueblecito, esboza retratos de los que serían víctimas de una muerte tan espantosa como insospechada, acompaña a la policía en las pesquisas que condujeron al descubrimiento y detención de Hickcock y Smith y, sobre todo, se concentra en los dos criminales psicópatas hasta construir dos personajes perfectamente perfilados, a los que el lector llegará a conocer íntimamente. A sangre fría que fue bautizada, de forma innovadora y provocadora por el mismo autor como una "non fiction novel", alcanzó un éxsito inmediato y le otorgó a Capote la entrada en el Olimpo de los narradores.
Capote llegó a investigar este caso como parte de su trabajo de periodista en el The New Yorker. Cuando vio el material que tenía entre manos, supo que esta iba a ser otra gran obra. Usó la base periodística para hacer un relato frío, cercano a los asesinos pero no creo que sesgado (algo de lo que han tildado los enemigos de Capote a este libro). La narrativa punzante del escritor atrapa al lector de una manera instantánea. La violencia descrita, la brutalidad en estado puro son dos características que hacen que esta obra sea impactante y estremecedora de principio a fin. Por cierto, quien sea amigo de morbos fáciles y tenga interés en conocer cuán de cercana era la relación entre Truman Capote y Perry Smith (me dicen que el nuevo James Bond, Daniel Craig hace una interpretación fantástica de Smith en Historia de un crimen), que vea la película interpretada por Seymour Hoffman a falta de ver la versión 2007 de esta historia. Por el contrario, quien quiera deleitarse con uno de los grandes novelistas americanos del siglo XX, que se quede con la novela.

Por último y para aquellos que no están convencidos aún, unas palabras del propio autor: "Soy alcohólico, soy drogadicto, soy homosexual. Soy un genio”. Pues eso.

STAR WARS STRIKES BACK

2007-05-25T19:43:00.000+02:00

Hace mucho tiempo -exactamente tres décadas- en una galaxia muy muy lejana... nació el mito. Hoy, se cumplen 30 años desde que un joven, hasta entonces prácticamente desconocido, George Lucas deslumbrara al mundo con la primera entrega de Star Wars (La guerra de las galaxias) conocida más tarde como el Episodio IV. Una nueva esperanza dentro de la cronología interna de la saga.
El 25 de Mayo de 1977, Darth Vader, Luke Skywalker, Obi-Wan Kenobi, Chewbacca, Han Solo y la princesa Leia irrumpieron en los cines cosechando un éxito sin precedentes que sorprendió a propios y extraños y convirtió al film en un clásico de la ciencia-ficción y en uno de los más taquilleros de todos los tiempos.
A partir de ahí la historia es de sobra conocida, millones de fans atrapados por la "Fuerza", por esa lucha de los caballeros jedi y los sith, entre el bien y el lado oscuro, que siguen la saga como si de una religión se tratara y consumen de forma compulsiva todo lo que tenga que ver con el universo Star Wars.
Pero los comienzos no fueron tan galácticos. En su primer fin de semana, la primera entrega de Star Wars recaudó 1.554 dólares en las apenas 40 salas en las que se estrenó. A finales del año la cifra llegó a 36 millones de dólares y el film se exhibía en más de 2.000 cines.
Fue el primer film de la historia en superar la barrera de los 300 millones de dólares y la película más taquillera de todos los tiempos durante dos décadas, hasta la llegada de Titanic en 1997. Recaudó cerca de 800 millones de dólares, casi 70 veces más de lo que costó, tan sólo 11 millones de dólares.
Y además del reconocimiento del público, Star Wars. Una nueva esperanza también logró el de la crítica y estuvo nominado a diez Oscars, entre ellos a los de mejor película, mejor director y mejor guión original, aunque finalmente solo se llevó seis estatuillas, todas ellas en categorías técnicas.
Ahora, treinta años después, en todo el planeta legiones de fans se lanzarán a las calles perfectamente ataviados con sus trajes de soldados imperiales o caballeros jedi para rendir homenaje a la saga en los múltiples desfiles y eventos que se organizan en todo el globo.
De hecho, los actos de celebración dieron su pistoletazo de salida oficial el pasado 1 de enero en el prestigioso Desfile de la Rosa de Pasadena (Los Ángeles) en el que Lucas, investido como gran mariscal, encabezó una tropa de 200 soldados imperiales.
En España, aunque técnicamente el 30 aniversario de Star Wars no llega hasta dentro de cinco meses -el film se estrenó el 7 de noviembre del 77- los seguidores se preparan para hacer del 25 de mayo un nuevo día del orgullo friki, con multitudinarios encuentros, exposiciones y maratones en los que se visionaran las seis películas de la saga.
Más de 13 horas de metraje galáctico sólo apto para los fans más exaltados y vigorosos. Uno de los actos más destacados tendrá lugar el próximo sábado en Madrid, con un desfile en el que participarán algunos miembros de la prestigiosa Legión 501st, los mismos que desfilaron junto a Lucas en Pasadena.
Pero los actos principales tendrán lugar, como no podía ser de otra manera, en Los Ángeles. Allí, en la Meca del cine, es donde George Lucas celebrará el 30 cumpleaños de la saga y habrá innumerables cabalgatas, convenciones de fans y pases especiales.
Y aunque la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas no ha tenido a bien regalarle ningún Oscar, pese a que el cineasta de la enorme papada ha estado nominado en cuatro ocasiones, también ha querido sumarse al aniversario y anunció la proyección en su sede en Beverly Hills, la sala Samuel Goldwyn, de este ya clásico de la ciencia-ficción.
Pero entre los innumerables homenajes que salpican este trigésimo aniversario destaca el que la oficina postal estadounidense -United States Postal Services (USPS)- ha querido rendir a la saga.
Coincidiendo con la fecha del estreno, se pondrán a la venta en Estados Unidos una serie de quince sellos, de 41 centavos, para homenajear a la saga. Además, en una simpática iniciativa, unos 400 buzones de correos de todo el país se "disfrazarán" de pequeños robots R2-D2.
Anakin Skywalker luchando contra Obi-Wan Kenobi, la princesa Leia junto a R2-D2, Han Solo y Chewbacca, el mítico casco de Darth Vader, el malvado Emperador Palpatine, Luke Skywalker iluminado por los dos soles de Tatooine, el maestro Yoda o el Halcón Milenario son algunas de las inolvidables imágenes de Star Wars que aparecerán a las estampitas. Los fans deberán votar la que más les guste y, en una suerte de indulto galáctico, ese sello se reimprimirá este verano.
Una saga lucrativa
Y, tres décadas después, no hay ninguna duda de que la de Lucas es la saga más lucrativa de la historia del cine. Según los datos de la revista Forbes, las luchas entre los caballeros jedi y los sith han generado unos beneficios que rondan los 20.000 millones de dólares.
En esta mareante cifra entrarían la recaudación en taquilla, las ventas en DVD, los innumerables videojuegos y juegos de mesa, libros, cómics y un inmenso catálogo de juguetes creados más pensando en los fetichistas fans de la saga que en la diversión de los más pequeños.
Y lo que queda. Porque Lucas ya está trabajando en otros dos proyectos que darán continuidad a la saga, pero esta vez en la pequeña pantalla. Uno de ellos será una serie real de televisión y otro, del que se conocen más detalles, una serie de animación en 3D sobre Las Guerras Clon, el momento de la historia que se desarrolla entre el Episodio II. El ataque de los clones y el Episodio III. La venganza de los Sith.
Así lo adelantó uno de los directivos de Lucasfilm Stephen Sansweet: "Habrá dos series de TV de Star Wars. Una de ellas, que ya esta en producción, Star Wars: Clone Wars es de animación generada por ordenador y estará lista durante el próximo año".
Sansweet apuntó que después de este proyecto verá la luz la serie de acción real en la que Lucas está trabajando ahora y de la que se conocen pocos detalles. "Será más dramática que la de animación y puede que esté lista para 2009 o 2010", señaló el directivo de la compañía de Lucas.

EL FAUNO, DEL TORO Y LA NIÑA

2007-05-17T18:42:00.000+02:00

Tenía que escribir de El laberinto del fauno, cierto. Una película que quizás ha sido la sensación de la temporada, Oscars incluidos (por cierto, han sacado tajada los españoles. Vemos que hay vida más allá de Almódovar).

Esta nueva incursión en el mundo fantástico (en la doble acepción de la palabra) de Guillermo del Toro no hace si no confirmar lo ya apuntado con películas anteriores del mexicano. Algo se esbozó en El espinazo del diablo (por cierto producida por El Deseo, compañía de los Almodóvar) y El laberinto del fauno lo confirma. Creo que la mezcla de historia con cuento de hadas le ha salido redonda a Del Toro. Los personajes gozan de una gran riqueza de matices, en especial un Sergi López (para mi, el mejor actor español, lástima que en Francia se le valore más), Ivana Baquero (la Dakota Fanning española, si me permitís la analogía) y una excepcional Maribel Verdú, que ha alcanzado un momento de madurez sencillamente asombroso, eligiendo bien sus papeles y dotándolos de una fuerza inconmensurable. Para mi, lo mejor de la función.

Luego podemos entrar en detalles más bien técnicos. Diseño de producción magnífico, fotografía entre tenebrosa y luminosa (con lo difícil que es), un guión sólido y una maravillosa banda sonora a cargo del español Javier Navarrete (para otro día dejo el hablar sobre los compositores españoles, tantos y tan buenos).

El caso es que la nueva propuesta de Guillermo del Toro encandila, gusta, te regocija. De ahí el fulgurante éxito en Europa y América. Sin ir más lejos en EEUU se ha convertido en la película latina más taquillera. Si nos ponemos chauvinistas, podemos decir que el 80 por ciento del capital con el que se ha hecho el film es español, pero en los Oscars concursó como mexicana.

Para terminar esta breve reflexión sobre la película del año, reproducir una respuesta de Guillermo del Toro a una pregunta en una entrevista reciente.

-¿Cuál es la película de su filmografía de la que se siente más orgulloso?

-Mmmm, Mimic. Me encantan esos bichitos.

Guillermo del Toro. Todo un freak.

Y AL FIN GANÓ MARTY

2007-03-01T21:12:00.000+01:00

Bueno amigos, ya llegaron los Oscars 2007... y ya se fueron. Y lo más destacado es que por fin la Academia, se acordó de Marty, vamos de Martin Scorsese. La verdad es que es lastimoso que un tio que ha hecho Malas calles, Taxi Driver, Toro Salvaje o Uno de los nuestros, se haya llevado el Oscar al mejor director por Infiltrados, un remake de Infernal affairs, pero bueno... Y no digo que Infiltrados sea una mala película, pero puestos a comparar. En fin. Ahí os dejo la lista de ganadores para los que aún no os hayáis enterado.

Mejor Dirección Artística: Eugenio Caballero y Pilar Revuelta por El Laberinto del Fauno.

Mejor Maquillaje: Montse Ribé y David Martí por El Laberinto del Fauno.

Mejor Corto de animación: El Poeta Danés.

Mejor Cortometraje: West Bank Story.

Mejor Edición de Sonido: Alan Robert Murray y Bub Asman por Cartas desde Iwo Jima.

Mejor Sonido: Michael Minkler, Bob Beemer y Willie D. Burton por Dreamgirls.

Mejor actor en papel de reparto: Allan Arkin por Pequeña Miss Sunshine.

Mejor película de animación: Happy Feet.

Mejor guión adaptado: William Monahan por Infiltrados.

Mejor diseño de vestuario: María Antonieta.

Mejor fotografía: Guillermo Navarro por El Laberinto del Fauno.

Mejores efectos visuales: Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto.

Mejor film en habla no inglesa: La vida de los otros.

Mejor actriz en papel de reparto: Jennifer Hudson por Dreamgirls.

Mejor largo y corto documental: The blood of Zhingjou district.

Premio Honorífico: Ennio Morricone (¡¡viva!!).

Mejor música: Gustavo Santaolalla por Babel.

Mejor guión original: Michael Arndt y Robert Moresco por Pequeña Miss Sunshine.

Mejor canción original: I need to wake up de Una verdad incómoda.

Mejor montaje: Thelma Schoonmaker por Infiltrados.

Mejor actriz en papel protagonista: Helen Mirren por The Queen.

Mejor actor en papel protagonista: Forest Whitaker por El último rey de Escocia.

Mejor director: Martin Scorsese (¡por fin!).

Mejor película: Infiltrados.

SPIELBERG VISTO POR LOS CARNAVALES DE CÁDIZ

2007-02-22T18:38:00.000+01:00

Soy de Cádiz, para los que no lo sepáis. Y en Cádiz, los carnavales son cosa aparte. Existen unos señores, a los que llamamos romanceros, que recuperan la mejor tradición oral del humor surrealista. Y el otro día, dándome una vueltecita por la Tacita de Plata me encontré con un romancero que satirizaba al famoso director americano (jeje), Steven Springels, un nota que nació en Chinchinnati (Ohio) y que se licenció en Ciencias Cinematográficas por la Universidad de Wisconsi con Coca Cola.

El romancero nos informó de la filmografía destacada del cineasta. Allá va:

1971- El diablo sobre ruedas de chocos

1975- Tiburón y la pijota asesina

1977- Encuentros en la tercera fase y en la Segunda Aguada

1981- En busca de la barca perdida como dijo Remedios Amaya

1982- O.T.: Bisbal el Extraterrestre

1984- Indiana Jones se compra un partidito en los callejones

1985- El color púrpura o purpurina

1987- El imperio del sol y la luna por la Caleta

1989- Indiana Jones y la última cagada

1989- Para siempre "Forever, together and never"

1991- Hook que caló

1993- Jurassic Parke Genové corazón que no siente

1993- La lista de Schindler y la tonta del bote

1997- el mundo perdido: Jurassic Parke Genové otra vé

1998- Salvar al soldado de la morraya
2001- Inteligencia Artificial como la de Yola Berrocal

2002- Minority report: Minifalda o uniforme minoritario

2004- La terminal de Barajas pa terminal las rebajas

2005- La guerra de los mudos (en lenguaje audiodescrito)

2006- Munich ipal

HARD CANDY

2007-02-22T18:25:00.000+01:00

Vaya película. Me dejó chungo, la verdad. Es de esos films que los ves en la estantería del videoclub, del que has leído alguna crítica o alguna reseña, del que has visto algún reportaje en Días de cine (por cierto, dicen que van a prejubilar a Antonio Gasset, ¡nooooooooooooooooooooo!), o simplemente, alguien te ha comentado que no te arrepentirás si la coges. El caso es que Hard candy, me ha marcado porque es una de las películas más desasosegantes que he visto en los últimos tiempos. Sólo el cine de Michael Haneke me provoca tanto como esta película en la que prácticamente conviven dos personajes, interpretados por Patrick Wilson y Ellen Page (a ella la vimos en la tercera parte de X-Men, interpretando a Kitty, la que traspasaba muros) y que plantea un juego perverso que te envuelve y te hace partícipe.
Impresionante la categoría interpretativa de Page. Esa moderna caperucita va a vengarse de su lobo ¿feroz? particular y te deja una malsana sensación y un mal cuerpo tremendo, tras "disfrutar" de los 90 minutos de proyección.
No cuento nada del argumento. Pilladla si tenéis ocasión y ya me contaréis. Tan sólo una cosa. Si habéis visto la escena de Marathon man, en la que Laurence Olivier tortura a Dustin Hoffman en plan dentista sádico, a ver que me decís de la "operación" que la niñita le hace al chavalote. Ahí es nada.

INDY VUELVE EN MAYO DE 2008

2007-02-07T21:38:00.000+01:00

Indiana Jones, el personaje cinematográfico creado por George Lucas en 1981 volverá al cine por cuarta vez tras varios años de tira y afloja del productor con el director de la saga, Steven Spielberg, el protagonista, Harrison Ford y los guionistas. Así lo anunció oficialmente Lucas a principios de año. Pero ya se sabe la fecha en la que el látigo del arqueólogo aventurero volverá a sonar en la gran pantalla: el 22 de mayo de 2008.

SE NOS FUE LILY MUNSTER

2007-01-11T16:31:00.000+01:00

Pues sí amigos, nos ha dejado Lily Munster, la maravillosa mujer de Herman en aquella serie norteamericana de los años 60, que los de nuestra generación pudimos disfrutar en La bola de cristal.
Ha muerto Yvonne de Carlo, una de las actrices de la época dorada de Hollywood más bellas. Pero aparte de su papel en La familia Munster, hizo más. La exuberante figura de De Carlo le ayudó a lanzar su carrera como actriz en westerns y películas de aventuras de serie B, hasta que en la década de los cincuenta empezó a conseguir papeles cada vez más importantes. Películas como Los diez mandamientos, así lo atestiguan.
Su salto al estrellato vendría definido después por su participación en una conocida obra de Broadway, Follies, de Stephen Sondheim.

EL LADO OSCURO DEL SUPERHÉROE

2006-08-28T18:11:00.000+02:00

Atención, fanáticos de los comics y adaptaciones cinéfilas-comiqueras, porque los próximos meses prometen ser más que interesantes. Fijaros. Spiderman se enfrenta a tres de sus enemigos más mortíferos, El Hombre de Arena, Hobgoblin y Venom, en Spider-Man 3, que se estrenará el 4 de mayo de 2007. El muchacho asumió la responsabilidad de ser un héroe en la primera parte y superó la crisis de identidad de la segunda, pero ahora hace frente a un enemigo inasible, el mal que anida en su interior. Enfundado en unas nuevas mallas negras que le dan bastantes problemas, el actor Tobey Maguire se adentra en el lado oscuro del enmascarado más colgado de Manhattan.
El superhéroe, si malo, dos veces bueno. El mejor, el que no tiene escrúpulos, el que tiene un lado ácrata, incontrolable, capaz de subvertir las normas para aplastar a los malos. Es el ídolo de la generación Grand Theft Auto (el videojuego), tal como la ha definido la revista Variety, unos jóvenes acostumbrados a modos expeditivos.
Superman es de otra liga. ¿Alguien se lo imagina jugando sucio? Ésta es la característica común que une al batallón de superhéroes que asaltará la gran pantalla en los próximos meses. Algunos serán casi seguro exitazos, como The Dark Knight, la esperadísima secuela del Batman de Christopher Nolan, y las segundas partes de Sin City y Hellboy. También se preparan Watchmen, uno de los mejores cómics; Lobezno y Magneto, los spin off de X-Men, y la continuación de Los cuatro fantásticos. Este revival quizá no sea casualidad. La generación que creció leyendo los tebeos de enmascarados son ahora adultos con nostalgia y poder adquisitivo a partes iguales.
Para saber cuándo se convirtieron los superhéroes en cine hiperrentable, hay que fijarse en el Batman de Tim Burton. No sólo indicó a los productores dónde podían invertir, sino que también estableció cómo debía ser el superhéroe del nuevo siglo: un tipo con una personalidad más compleja que el cubo de Rubik, no demasiado estable mentalmente y que asumía sus poderes como una condena. Burton recogió el trabajo de los dos mayores revolucionarios del comic-book: Frank Miller -que rehízo de cero al hombre murciélago en El señor de la noche y Batman año uno-, y Alan Moore (V de vendetta), que lo acabó de perfilar en La broma asesina, donde dejó claro que alguien que se calza unas mallas para perseguir maleantes no debe de estar muy bien de la cabeza. El efecto Burton llega hasta hoy. Incluso la última adaptación de Superman, héroe íntegro por excelencia, ha mostrado a un hombre taciturno y melancólico.
Uno que vive directamente en el infierno es Ghost Rider, un esqueleto llameante embutido en cuero negro que cabalga una Chopper diabólica. Es un personaje menor de la editorial Marvel, pero en pantalla queda espectacular (detalles en youtube.com). Nicolas Cage interpretará al motorista acróbata que llegará a las pantallas el 16 de febrero de 2007.
Spider-Man 3 irrumpirá en las taquillas como una apisonadora. Bombazo: tres de los malvados más insidiosos atacan al lanzarredes. Venom es un traje alienígena con vida propia que se adapta a su cuerpo como una segunda piel. Pero resulta ser un parásito y el joven lo rechaza. El extraterrestre, que tiene su orgullo, jura que matará a Spidey y ocupa el cuerpo de otro. La cosa empeora cuando entra en escena El Hombre de Arena, de facultades obvias, y Hobgoblin, una especie de Halloween volador tras cuya risa diabólica se oculta el mejor amigo de Parker e hijo del Duende Verde que murió en la primera parte a manos de Spiderman. Además Parker tiene que defender a una nueva chica, Gwen Stacy (Bryce Dallas Howard). Sam Raimi, el director que convirtió Spider-Man en un éxito de masas, vuelve a orquestar la función, de nuevo con Kirsten Dunst y James Franco en el reparto.
Los cuatro fantásticos, otra franquicia muy rentable de la Marvel (329 millones de dólares en todo el mundo; 257 millones de euros), también vuelve a la pantalla, a pesar de la falta de recursos del director, Tim Story. Esta vez se les añade Silver Surfer, un extraterrestre cromado que viaja en tabla de surf, uno de los personajes más poderosos del universo Marvel. Estreno: 15 de junio de 2007. Repiten Ioan Gruffudd, Chris Evans, Jessica Alba y Julian McMahon como el Doctor Muerte.
La confirmación del género como una mina casi inagotable llegó con X-Men en 2000, y con Spider-Man en 2002. Demostraron que se pueden contar historias de superhéroes con convicción y al mismo tiempo hacer saltar las taquillas. La dos cintas de Spiderman ya han recaudado 1.605 millones de dólares en todo el mundo (1.258 millones de euros), y las tres de X-Men, 1.143 millones de dólares (896 millones de euros), según www.the-numbers.com.
Batman llegará en 2008. The Dark Knight revelará el primer encuentro entre Batman y su némesis, The Joker. El encargado de sonreír como un demente será Heath Ledger, el vaquero sensible de Brokeback mountain. Otros rumores aseguran que también podrían aparecer El Pingüino (se ha mencionado el nombre de Philip Seymour Hoffman), que ahora sería un traficante de armas británico, y Dos Caras, el abogado esquizofrénico. Vuelve Christian Bale con su cara afilada de esnob cínico. Le acompañarán Michael Caine y Gary Oldman. Estrenada en 2005, la cinta ya ha recaudado 205 millones de dólares (160 millones de euros).
Los brutales habitantes de Sin City regresan por una mujer. Robert Rodríguez vuelve con su ficción neo-noir (blanco y negro riguroso y voz en off marlowiana) en A dame to kill for (Una mujer por la que mataría), basada en la obra de Frank Miller. La femme fatale será Angelina Jolie. Su maternidad ha obligado a retrasar el rodaje, según ha declarado la actriz Rosario Dawson en Internet. Rodríguez está decidido a contar con la mujer de Pitt cueste lo que cueste. Se reincorporan Mickey Rourke, Clive Owen, Jessica Alba, Michael Madsen y Rosario Dawson. Rodríguez y Miller co-dirigirán la cinta. El rodaje comenzará en 2007.
Guillermo del Toro, otro director geek (devorador de tebeos y de ciencia-ficción), convocará de nuevo al diablillo colorado Hellboy. Tras luchar contra Rasputín y un puñado de nazis en la primera parte, el arma secreta de la Agencia de Defensa y Protección Paranormal repartirá mamporros contra un pandemónium de criaturas de The golden army. Ron Perlman, que parece nacido para el papel, se lima los cuernos una vez más junto a sus colegas Selma Blair, una telépata incendiaria, y Doug Jones, un genio anfibio. El creador del personaje, Mike Mignola, escribe el guión junto a Del Toro. El rodaje empezará en abril de 2007.
Los mutantes de X-Men también dan para mucho. Además de tres largos han alumbrado dos proyectos derivados. Wolverine (Lobezno) revela el pasado del malcarado de las garras retráctiles. Sólo unos pocos conocen cómo consiguió su esqueleto irrompible y menos aún que luchó en la Guerra Civil española. Hugh Jackman, que le ha interpretado en X-Men, produce y protagoniza un relato sobre el origen del mutante. David Benioff (Troya) está escribiendo el guión.
Los superhéroes son un filón casi inagotable. Su excelente acogida ha animado a echar mano de personajes que nunca han sido llevados a la gran pantalla o que habían tenido poco éxito. Uno de los proyectos más esperados que lleva años vagando por los despachos es Watchmen, un viaje impenitente a la mente del superhéroe. Tras ser acariciado por directores personalísimos como Terry Gilliam o Paul Greengrass, el proyecto se lo ha llevado el semidesconocido Zach Snyder (Amanecer de los muertos).
La propia Marvel Entertainment, con el productor Avi Arad a la cabeza, ha decidido convertirse en productora y filmar las aventuras de Iron man (El hombre de hierro). El director, que también escribe el guión, ya ha anunciado que prefiere un actor desconocido para interpretarlo.
La industria también se ha fijado David S. Goyer, un guionista con mucha maña para adaptar tebeos. Escribió un Blade muy decente y dirigió Blade Trinity. En Batman begins ha pergeñado un hombre murciélago a la altura del de Tim Burton, convincente y efectivo. Además del argumento de The Dark Knight, Goyer, lector en serie de cómics, tiene en la agenda los guiones de The Flash, el hombre más rápido de la tierra, Thor, el dios del trueno escandinavo, para 2006, y Capitán América, símbolo cien por cien americano, para 2009. Los superhéroes rebeldes han asaltado la gran pantalla y la han convertido en su feudo.

VIDAS DE SOLDADO

2006-08-06T11:25:00.000+02:00

He aquí un extracto de un artículo publicado en El País, con motivo del próximo estreno de Alatriste. Me llama poderosamente la atención lo que dice Viggo Mortensen sobre su personaje.

"Mortensen sí lo cuenta, pero sin dar muchas pistas ni ahondar demasiado. Descalzo, tomando mate, fumando en el balconcillo del hotel cigarrillos que él mismo se lía y con un castellano suave y ronco, el actor neoyorquino, que vivió nueve años de niño en Argentina, aclara: “Alguna gente se extrañó en España que viniera a hacer este cuento. En Estados Unidos, algunos me preguntaron que cómo iba a hacer esto. Yo les contesté que el guión era buenísimo, que era lo mejor que había leído; que no sólo me gustaba el cuento de Alatriste, sino también la época. Es un proyecto valioso, un personaje interesante, un periodo histórico muy desconocido fuera del mundo académico. Me interesaron mucho los paralelismos que tiene con el presente del imperio mundial de Estados Unidos. La decadencia actual del imperio americano es muy parecida a la que se vivió en el imperio español en el siglo XVII. La deuda internacional que tenemos, el desgaste de vidas y recursos; tenemos tropas, y fortalezas, y gastos militares imposibles, estamos en tierras extrañas pobladas por gentes extrañas, donde nos temen y nos odian y jamás nos darán tregua, igual que dice Alatriste en la película en respuesta al conde-duque de Olivares. Fácilmente, si este cuento fuera contemporáneo, Alatriste sería un sargento norteamericano veterano que estuvo en Irak en 1991, que también estuvo en Panamá y en la guerra sucia de Centroamérica, y que, aunque sabe que es un poco inútil invadir la ciudad iraquí de Faluya, lo hace. No hay un propósito fijo, sino pérdida de vidas, y de oro, y de reputación".

FELIZ CUMPLEAÑOS, JOHN

2006-08-05T13:00:00.000+02:00

El director, actor, guionista y vividor John Huston hubiera cumplido hoy cien años, en un Hollywood que no se cansó de rendirle homenajes en vida y en donde vive aún el mito de esta leyenda del cine.
Maestro del cine, empezó su carrera como director con "El halcón maltés" (1941), siendo "Dublineses" su última película.
Este magnífico cineasta murió con las botas puestas el 28 de agosto de 1987 a los 81 años, mientras rodaba "Mister North".
Para ese momento ya eran muchos los años que llevaba afectado por los problemas respiratorios y cardiacos que sufría desde la niñez, necesitado de oxígeno y de un director suplente no para que hiciera lo que él no podía, sino para que los estudios le dejaran seguir rodando.
“ Se trata de la persona más atrevida, impredecible, alocada, mística y probablemente el hombre más encantador del mundo”, le dijo Lauren Bacall en uno de los últimos homenajes que recibió.
De hecho cuando Huston cumplió los 80 todos se volcaron en su honor con homenajes en el Instituto del Cine Americano, la Sociedad de Cine del Lincoln Center o los festivales de Cannes y Venecia.
Todos admiraron “la maravillosa persistencia de esta inteligencia cinematográfica de primera línea, la variedad de sus filmes y su consistencia con la que recuperaba la fortuna con una película buena después de alguna mala”, resumió el crítico Vincent Canby en el periódico The New York Times.
Todas estas cualidades se reflejan en su filmografía de 41 títulos como director en 46 años, además de su obra como actor y guionista. Así, explotó el nepotismo con su padre Walter Huston en "El tesoro de Sierra Madre" (1948) y con su hija Anjelica Huston en "El honor de los Prizzi" en 1985 y a ambos les consiguió el Oscar.
De Humphrey Bogart no se cansó, consiguiéndole el Oscar en 1951 con "La reina de África".
También adaptó con más fidelidad que nadie los clásicos de la literatura: Moby Dick (1956), "Sangre sabia" (1979), "Bajo el volcán" (1984) y sobre todo esa pequeña historia de Rudyard Kipling que le devolvió en 1975 la credibilidad en la taquilla con "El hombre que pudo reinar" (1975).
Condecorado durante la Segunda Guerra Mundial y amante del tabaco y la bebida, eligió un exilio voluntario a Irlanda durante la caza de brujas.
Considerado el Heminghway del cine, antes de ser director probó suerte como boxeador, periodista como su madre, actor como su padre, además de ser un lector voraz y dedicarse a la pintura.
La bebida contribuyó a lo que en su autobiografía "An Open Book" describió como “una serie de infortunios y fracasos”, entre ellos el accidente de coche con el que mató a una joven en 1933.
Sólo la política consiguió alejarle de Hollywood en un exilio voluntario a Irlanda, tierra de sus antepasados, entre 1952 y 1975 para apartarse de la “carcoma moral” que sacudía su país durante la llamada ‘caza de brujas’.
Así, pese a las críticas que recibió por ecléctico, comercial y difícil de encasillar, Hollywood supo quererlo cuando todavía vivía.

NATALIE PORTMAN

2006-07-09T20:29:00.000+02:00

No se a vosotros pero a mi me gusta Natalie Portman. No es que sea una actriz maravillosa, ni que tampoco sea una sex symbol despampanante, pero tiene algo esta chiquilla.
Quizá sea que cuando la ví por primera vez en una peli (creo que fue en "León" con Jean Reno) ya me dijo algo, ya sabía que esa niña iba a llegar lejos y en cierta medida me ha dado la razón. Ahí está con una carrera que cada vez es más sólida al aceptar papeles arriesgados.
O quizá sea también porque como soy un fan irredento (un friki, vale, lo reconozco) de la saga de Star Wars, me haya subyugado su presencia en esta segunda trilogía, en la que puede que ella haya sido el mayor descubrimiento. Esa reina Amidala ya tiene un huequecito en la mitología galáctica.
La cuestión es que cuando ya me quedé prendado de Natalie fue (como muchos otros, creo yo) con "Beautiful girls" la película de Ted Demme en la que a modo de inocente lolita enamorisqueaba al bueno de Thimothy Hutton. Ahí ya ganó mucho esta chavala de Jerusalén y criada en Nueva York.
Y en los tres últimos años, aparte de cerrar la trilogía de Lucas, la Portman se ha dedicado a buscar papeles bastante arriesgados como el de esa bailarina de streap tease de "Closer" o la protagonista de "V de vendetta", por cierto, muy buena película.
En fin, que me ha dado hoy por Natalie y la verdad es que ya tenía ganas. Creo que la chavala se lo merece. Pero como decía aquella canción que tantas veces cantó Sinatra: "The best is yet to come". Pues eso....

MÁS REPLICANTES

2006-06-26T18:53:00.000+02:00

Buenas amigos. Ahí os paso más información sobre Blade Runner. Bueno, en esta ocasión sobre la obra literaria en la que se basa, Sueñan los androides con ovejas eléctricas, libro del que acabo de escribir un articulito en una revista local. A ver qué os parece.

Hablar de Philip K. Dick es hacerlo de uno de los grandes nombres de la literatura de ciencia ficción. Es hablar también de un filón para el cine en los últimos 20 años, puesto que se han adaptado para la pantalla varios de sus relatos, algunos con mas fortuna que otros. Spielberg hizo una maravillosa recreación de uno de sus relatos, Minority report, y Ridley Scott puso de moda a un autor que moriría poco antes de ver acabada Blade Runner, adaptación de su relato corto Sueñan los androides con ovejas eléctricas, el libro que nos ocupa en esta ocasión.
La obra de Dick se ha calificado de visionaria, fría, desprovista de sentimiento pero terriblemente cercana a una verdad que puede cristalizar en los próximos años. Probablemente tampoco se equivoquen aquellos que encuentran analogías en los mundos futuros que este escritor narraba en sus obras con aquel que le tocó vivir (y con el que nos toca en suerte también a nosotros). De todas formas Sueñan los androides con ovejas eléctricas encontró una magnífica versión cinematográfica, aunque la película de Scott incidía algo más que el libro en aspectos sentimentales. La película se aleja en algunos asuntos del libro de Dick es una alucinante pesadilla fantacientífica cuya principal premisa argumental es la tenue línea que separa lo artificial de lo natural, expuesta en la historia de un agente, Rick Deckard, que se dedica a cazar replicantes, androides con semejanza humana y lo que es más importante, con la capacidad de sentir, algo que les hace especialmente peligroso para el orden establecido.
Philip K. Dick no solo monta una magnífica intriga policiaca, sino que también se esmera en detallarnos un futuro tenebroso (¿por qué el futuro casi siempre es oscuro?¿será el miedo a lo desconocido?), esa megalópolis que ya de por si es un personaje en el que interactuan los demás. Lo mismo ocurría con la selva en la que se desarrollaba El corazón en las tinieblas, de la que hablamos en el número anterior.
Como prácticamente toda la obra de Philip K. Dick, Sueñan los androides con ovejas eléctricas es un fulgurante y directo relato, que absorbe al lector desde la primera página con un comienzo impactante y demoledor y que te lleva por senderos que todo aquel devoto de la película de Scott debiera conocer. Película y libro se complementan a pesar las dos caras de una misma moneda. Si tenemos al alcance de nuestra mano esta joyita de la ciencia ficción, podemos ver, comparar y regocijarnos con el genio de un autor del que también es bueno recuperar otros de sus relatos cortos. Un genio esquizofrénico (sazonado con adicción a numerosas drogas) que se ha convertido a título póstumo en uno de los reyes de la narrativa de ciencia ficción.

YO QUIERO SER UN BLADE RUNNER... ¿O ERA UN REPLICANTE?

2006-06-02T17:11:00.000+02:00

Atentos amigos porque después de mucho esperar parece que nuestros deseos van a ser colmados. Leed el texto que os paso, publicado en El País hace unos días.

"¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Una extraña pregunta cuya respuesta se puede encontrar en un libro de Phillip K. Dick (cuyo título es esa pregunta) y en la adaptación cinematográfica de dicha obra, Blade Runner. En 1982, el director de cine británico Ridley Scott (Alien, Gladiator) hizo una de las películas que más han marcado el género de la ciencia ficción. 25 años después se volverá a estrenar en las salas de cine y, tras varios años de peleas en despachos por comprar los repartidos derechos de la película, se editará en DVD. Una de las películas más deseadas por los amantes del cine dejará de estar descatalogada.
Los estudios Warner anunciaron ayer que en septiembre saldrá a la venta por tiempo limitado una nueva edición de la película de Ridley Scott en DVD. Se trata del corte del director, la versión que Scott montó de nuevo en 1992 sin la voz en off, nuevas imágenes y un final diferente al de su estreno en las salas en 1982.
La película, ambientada en la ciudad de Los Ángeles en un futuro no muy lejano, es una mezcla de ciencia ficción y género policiaco. El personaje principal, interpretado por Harrison Ford, es un Blade Runner, un policía encargado de buscar y desactivar a un grupo de androides rebeldes. Estos androides tienen que ser eliminados ya que cada vez se parecen más a los humanos, tanto físicamente como en la capacidad de sentir y de soñar.
Junto a Ford, aparecen en la película Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos, y Daryl Hannah. Blade Runner no fue muy taquillera y su recaudación se quedó en los 26,2 millones de dólares, pero tanto la crítica como el público la tratan desde entonces como un clásico.
Clásico descatalogado
Con motivo de su 25 aniversario, el próximo año, la Warner también ha anunciado sus planes de sacar en DVD otra versión que llaman "el corte final". Ese DVD, que vendrá acompañado del reestreno de la película en los cines, será un cofre especial con el estreno original, la versión internacional y el montaje del director de 1992.
Blade Runner fue una de las primeras películas en editarse en este soporte digital en 1997, incluso antes de que existiera un estándar entre los diferentes estudios, pero enseguida quedó descatalogada y su búsqueda se convirtió en un tema recurrente en los foros de cinéfilos en Internet".

COLD BLOOD

2006-03-24T21:16:00.000+01:00

Acabo de ver "A sangre fría", la película de Richard Brooks basada en la novela homónima de Truman Capote. La verdad es que no la recordaba bien. Hacía mucho tiempo que la vía por primera vez y casi no me acordaba de nada. Luego leí el libro, que me dejó de piedra(de lo mejorcito de la narrativa estadounidense) y volví a ver la peli hace pocos días y aunque la novela ("non fiction", según Capote), es superior, no puedo dejar de reconocer que Brooks hizo una película redonda, acercándose mucho al espíritu del libro, buscando el conocimiento psicológico de Perry Smith y Dick Hickcok, tal como lo hacía el libro.
Un relato espeluznante, frío, estremecedor que en celuloide se convierte en una auténtica recreación de la mente del asesino.
Justamente lo que muchos thrillers de los últimos años han querido hacer y al final se han quedado en el mero intento.

CHARLTON HESTON CONTRA LOS SIMIOS

2006-02-26T20:26:00.000+01:00

Compré hace unos días el DVD (doble) de "El planeta de los simios", una película que me fascinó cuando la vi por primera vez cuando era un chaval. La historia me subyugó desde el primer instante y el final...., bueno no hablaremos del final por aquello de no desvelar la sorpresa para el que aún no la haya visto.
Hace unos años se hice el remake. No soy amigo de rehacer una película. Salen bodrios como el de "Psicosis" (¡herejía!), que casi sepulta la carrera de Gus van Sant o copias absurdas como las americanas de las japonesas de terror. Pero me sorprendió y estuve atento a lo que hacía Tim Burton con su "planeta simiesco". A priori, la cinta no tenía mala pinta. La historia era buena, aunque Burton decía que le daría su toque. Eso me gustaba. Luego el reparto también era interesante y gente como Rick Baker en el maquillaje (lo mejor después de ver la peli) y Danny Elfman en la partitura, daban a pensar que podía salir algo bueno. Pero no. Pinchó el amigo Burton en su descenso a los infiernos de la industria y le quedó una película a medias, donde la épica no llega a tanto y donde la sorpresa final, ya no es tan sorprendente. Porque lo que consiguió el director de la primera, un Franklin J. Schaffner, del que no os dirá mucho el nombre (pero que ha dirigido cositas como "Los niños del Brasil" o "Patton"), fue sorprender al público con una cinta de ciencia ficción que se preguntaba por temas como el futuro de la raza humana, el sin sentido de la guerra y de la acción antrópica sobre el medio.
Parece que lo que acabo de decir es algo muy serio, pero ayer viendo la película otra vez me di cuenta. Va mucho más allá "El planeta de los simios". No es un simple film de ciencia ficción porque se pregunta por el papel del hombre en este mundo. Y si no analizad lo que dice el doctor Zaius, el malo de la función, pero que al final no lo es tanto. Simplemente quiere preservar su mundo (¿quizás el nuestro?) de la acción del mayor depredador que la Tierra ha conocido: el hombre.
La de cosas que te hace pensar una simple película, ¿verdad? Bueno, pero aparte de todo esto, los actores están magníficos, desde el luego odioso Heston, hasta Roddy McDowall como Aurelio-Cornelius (según se vea doblada o en versión original) o Kim Hunter, como la doctora Zyra, el maquillaje fue un logro para su época (aunque la mandíbula superior no se moviera mucho, de todas formas se llevó el Oscar de la Academia) y la música, inquietante y excelente la compuso el gran Jerry Goldsmith. Del guión, con decir que era de Michael G. Wilson, uno de los grandes del cine de los 60 y 70 en ese campo, con títulos como "Lawrence de Arabia", "El puente sobre el rio Kwai" o "Un lugar en el sol", ya está dicho todo.
Una película sorprendente, para redescubrir y bueno... iba decir para comparar, pero mejor que no, que las comparaciones siempre son odiosas.

NO SOLO DE TERROR VIVE EL CINE ORIENTAL

2006-01-21T13:48:00.000+01:00

Pues no señor. No solo de terror comen los orientales. Ahí está Park Chan Wook, director de joyitas como "Sympathy for Mr. Vengeance" u "Old boy" para demostrarlo. Combinación de géneros como el thriller, la comedia, la acción, el cine de artes marciales, el drama y ¿por qué no?, algunas gotitas de terror, se pueden ver en esas películas.
"Old boy" sorprende. Por su estilo visual, por su modo de contar una historia increible, que te hace sufrir y con la que terminas conectando creyendo en su verosimilitud. Sorprende también por el poderoso torrente de ideas que viene de oriente, en contraposición por la debilidad de argumentos llegados de los USA.
Una película, diferente, original, poderosa, injustamente olvidada por el público que solo quiere el cine de ojos rasgados si sale una niña con mala cara y el pelo puesto delante de la cara. Este otro tipo de narrativa no es aceptado con plenitud y es una pena, porque el público se pierde CINE con mayúsculas.
Por cierto, si os pilláis "Old boy" (la podéis encontrar en el videoclub), atentos a la escenas en la que el protagonista se come un calamar y en la que mutila una parte de su cuerpo, no cuento más. Imprescindible.

JAMES BYRON DEAN ( y II)

2006-01-21T13:34:00.000+01:00

Marlon Brando dijo: "De cada generación queda en la memoria de la gente uno o dos actores. De la mia quedaran James Dean y yo". Megalomanía, presunción, vanidad. Puede. Brando era todo eso y más. Porque también era uno de los grandes y podemos dar por válida su frase. En una portada de la revista francesa "Positif", la portada era una foto suya al lado de un retrato de Dean. Será por algo.
Jimmy Dean estuvo marcado por la tragedia, no solo por su temprana muerte, sino por que la gente con la que se relacionó tampoco acabó bien. Los casos más conocidos son los de Natalie Wood y el de Sal Mineo. Con ambos se le ha relacionado sentimentalmente. Wood murió ahogada tras caer del yate donde estaba con su marido, el también actor Robert Wagner y su amigo, Christopher Walken. Mineo murió apuñalado a la salida de unos ensayos teatrales por un vagabundo.
Pero quizás de todas las declaraciones que se han hecho sobre su figura, la que mejor le retrata es la que dijo Elia Kazan: "Dirigirle era como dirigir a Lassie. Era muy instintivo y muy estúpido en muchos aspectos. Acabé harto de él. Empezó a abusar de la gente y a ir de estrella". Pero Kazan, excelente director de actores, también reconocía su talento: "Con tres cuartas partes del rodaje podías ver que era muy bueno. Nunca vi nada así en toda mi vida, incluyendo a Marlon Brando".

JAMES BYRON DEAN (I)

2005-11-18T14:05:00.000+01:00

Cincuenta años hace que murió el que le dió su verdadero sentido a aquella sentencia sesentera y rockera del "vive deprisa, muere joven y deja un bonito cadáver". James Dean se dejó la vida a los 24 años cuando estaba en lo mejor de su vida, cuando había rodado tres películas (hizo otras tres, pero en pequeños papeles no acreditados) y cuando solo se había estrenado una de ellas.
El 30 de septiembre de 1955 se dirigía a una competición automovilística en Salinas. Su Porsche Spyder 550 chocó contra otro coche, un Ford y James Dean se rompió el cuello. Tenía 24 años. Dejó de ser una estrella rebelde para convertirse en un mito, en un icono.
Sueña como si fueras a vivir para siempre. Vive como si fueras a morir hoy. Esta frase toma forma en la vida de Dean. "La muerte es lo único que me merece respeto". Esto lo dijo antes de morir. A él le llegó demasiado pronto, tras acabar de rodar "Gigante".
James Dean era una persona a la que le interesaba la dirección de actores. También le gustaba escribir. Su arte interpretativo parecía como si fuera consustancial a su persona. Parecía improvisar o más bien parecía ser su propia forma de ser. No interpretaba, vivía.

EL NUEVO JAMES BOND

2005-11-11T18:54:00.000+01:00

Habrá que verlo en acción, pero de momento...
Daniel Craig se llama el elegido. Después de la renuncia, o no se sabe qué, de Pierce Brosnan al papel de James Bond, Daniel Craig es el que se va a encargar de dar vida, una vez más, al inmortal personaje de Ian Fleming en "Casino Royale", la nueva película de la saga, que creo que no tendrá nada que ver con aquella descacharrante versión de finales de los 60.
Hombre, Connery era el prototipo de Bond, el que le dio las pautas. Lazenby ni lo probó. Moore lo hizo más socarrón y Dalton intentó darle un aire más serio. Brosnan cogió un poquito de todos e hizo un convincente trabajo.
Ahora le toca el turno a Craig que tiene la pesada losa de hacer creíble, una vez más, su personaje. En las películas de James Bond, no basta con el guión. 007 tiene que ser 007 y no un simple agente secreto más.
De momento, le damos el beneficio de la duda, pero como se equivoque, habrá que enviar a un agente de Spectra para liquidarlo...

EL DVD Y LOS EXTRAS

2005-11-01T15:48:00.000+01:00

¡Qué invento el DVD! Ha salvado mi alma cinefaga. Desde que me compré mi home cinema, disfruto mucho más de las películas.
Antes una cogía una película del videoclub, o se compraba una, para ver que le contaba el director. Ahora yo voy mucho más (y supongo que la gran mayoría de vosotros). Me pillo películas por los extras, para ver que hay detrás de las cámaras, que me cuenten los secretos de la producción y todo eso.
Un DVD sin extras es desesperanzador. Tener solo la película, por muy buena que sea, te deja con la miel en los labios, te decepciona. En cambio un DVD con un par de discos, es algo reconfortante, maravilloso.
Las ediciones de las trilogías de Indiana Jones y de Star Wars son grandísimos ejemplos de la utilidad del DVD y de los extras en el disfrute del cine en casa. En ambas ediciones, la información es impresionante y sobre todo útil. Lo último que he visto y me ha sorprendido gratamente son los contenidos adicionales de "Batman begins", maravillosa película realzada aún más por los extras. Encima la presentación de los mismos es excepcional. En el caso de la cinta del hombre murciélago los extras se introducen a modo de cómic.
Es de agradecer la información general sobre la película y aspectos como el desarrollo del guión, la edición, el diseño, la música, las entrevistas con los actores. Es de agradecer también el interés que se toman los directores y productores en participar en ellos.
Ultimamente también he podido ver los de "Tiburón", fantásticos también y aunque la película no sea gran cosa, una copia sin imaginación de Indiana Jones, los extras de "La búsqueda", el film de Nicolas Cage, son interesantes y divulgativos. Encima tienes que ir descifrando acertijos para acceder a más contenidos sorpresas. Toda una experiencia, aconsejable, aunque como ya digo, la película no sea nada del otro mundo.
Bueno, os invito a gozar del cine en una dimensión más profunda que la que nos ofrecía ese VHS que en tan poco tiempo se ha situado en el jurásico del cine en casa.

STEVE MCQUEEN VS. FERNANDO ALONSO

2005-10-02T21:44:00.000+02:00

Fernando Alonso ha ganado el Mundial de Formula 1. Nos ha tenido pegados viendo al calvo de Tele 5 (Buenafuente dixit), comentando sus hazañas al volante de su Renault.
Viendo las evoluciones del asturiano, me viene a la mente esa peliculita de Steve Mcqueen, que se llamaba "Las 24 horas de Le Mans", en el que hacía de piloto que participaba en la prueba del mítico circuito galo.
Sabemos de las habilidades y de la afición de Mcqueen por la velocidad. Indudablemente Alonso es profesional y hubiese ganado en una carrera en igualdad de condiciones. Pero en lo que no gana es en carisma y en personalidad.
Por mucho que el calvo de Tele 5 nos intente convencer de lo contrario, no hubo nadie con más glamour al frente de un bolido que Steve Mcqueen. Como le echamos de menos.

SANTIAGO SEGURA: TEORÍA DEL TORRENTISMO

2005-10-02T21:28:00.000+02:00

A ver, chavalotes.
Me ha pedido mi compadre, el Bolaños, que yo, Santiago Segura, os explique por qué hay que ver mi peli, ¡TORRENTE 3: El Protector! Así como si fuera un remaque, o como se diga, de la del Kevi Cosne, pero en hispano, de pelo en pecho.
Primera razón: Por la historia. Se trata de que una eurodiputada viene a España para buscar la protección de alguien tan execrable como José Luis Torrente, ¿incomprensible, verdad? Y en nuestro amado país, unos empresarios cabrones quieren acabar con ella por cuenta de unos vertidillos de nada. Total que le encargan su protección.
Segunda razón: Por la acción. Si en "Torrente, el brazo tonto de la ley" había acción, si en "Torrente 2: Misión en Marbella", se superaba, en "Torrente 3:El Protector" las pelis del Van Dan, se quedan en la suela de los zapatos.
Tercera razón: Por los cameos. Algunos amiguetes quisieron salir en la tercera parte y no me pudo negar. Así que hasta el Oliver Stone, pulula por ahí. Y por supuesto están mis amigos frikies: Cañita Brava, el de Cruz y Raya, Fabio Testi, el Risitas, etc...
Cuarta razón: Por las tias buenas. Las hay a montones.
Quinta razón: Por mi propia economía. Debo seguir lucrándome con este negocio. Mientras la gente vaya a ver "Torrente", ¿por qué voy a hacer otra película?
Sexta razón: ¡Porque os gusta, cabroncetes!
Pues ná, que muchas gracias al Bolaños por darme la oportunidad de escribir en El cinéfago y un saludo a todos los amiguetes.
Prometo que seguiré perpretando películas.

ROBERT WISE Y EL SUPERAGENTE 86

2005-10-02T21:14:00.000+02:00

Han muerto los dos. Hace poco. Robert Wise y Don Adams, vamos el superagente 86, Maxwell Smart, para más señas.
Uno fue uno de esos directores que sin ser considerados uno de los grandes, de las cimas del cine (hablamos de Ford, Hitchcock, Wilder, Hawks), sí que entregó trabajos magníficos. Ahí están "West side story", "Sonrisas y lágrimas", "Quiero vivir" o "La guarida". Director artesano, que se decía entonces y ahora y que merecidamente el Festival de San Sebastián le ha dedicado una retrospectiva. Desgraciadamente moría el 14 de septiembre, día de apertura del festival donostiarra.
Maxwell Smart, perdón, Don Adams, será siempre recordado por la serie "El superagente 86" que a finales de los sesenta convirtió a este actor de segunda en estrella. En España también lo fue con ese magnífico trabajo de doblaje que le dio una de sus características inconfundibles. La serie era tontita, pero te hacía reir. Era una buena sátira de las películas de agentes secretos y seguro que Sean Connery se reía con ella.
Con lo que no nos reimos es con la pérdida de estos dos personajes, que cada uno con sus cosas, nos hicieron disfrutar de lo lindo con sus trabajos. Descansen en paz.

THE COMMITMENTS

2005-09-22T19:09:00.000+02:00

Alan Parker es irregular. Lo mismo te puede entregar una obra maravillosa como otra que es un bodrio. Creo que peca de soberbio y grandilocuente, llevando esa ambición hasta un cine hueco. Parece que sufre de un peligroso "horror vacui" filmográfico.
Pero en ocasiones, Parker se acerca a las historias mínimas, aquellas que tocan la fibra sensible, las que están cerca del pueblo y logra darnos películas sencillas y magníficas.
"The Commitments" es uno de esos casos. La historia de unos chavales dublineses que forman una banda, no de rock, de soul. Y ya os podéis imaginar el resto.
Hay buena música en la película, la historia no tiene pretensiones y los actores desconocidos están inmejorables. Esta película es como "Casi famosos", la de Cameron Crowe, que sin llegar a ser obras maestras, calan en ti porque son historias que las sientes muy cercanas. Te identificas con los personajes y con todo lo que les sucede. Tienen magia y ves esas películas una y otra vez.
Probad si no la habéis visto, no os perdáis su banda sonora y disfrutad con los placeres de la pobreza.

SINGIN' IN THE RAIN

2005-09-22T18:55:00.000+02:00

La música, chavales. Siempre me han gustado los musicales, pero no como hasta ahora. Tampoco es que me haya hecho un enfervorecido seguidor de los clásicos hollywoodienses pero he reparado en que últimamente se me va la pinza con los musicales.
Hace ya algún tiempo, comenté aquí mismo que estaba visionando muchas películas de conciertos de grupos legendarios. Esto va por épocas, ya lo se. Pero es que durante este verano, los musicales han triunfado en mi casa. Y cuando estoy en el videoclub, se me va la vista detrás de ellos.
La verdad es que no estoy para ver películas "trascendentes". Quiero coger "Entre copas", pero no me apetece estar dos horas a dos tios charlando con una copa de vino en la mano. Prefiero estar yo con la copa de vino en la mano y charlando con otra persona. Terminaré viéndola pero tiempo al tiempo.
Así que me he dado a las cosas alegres. Y los musicales lo son. A ver,... "Cantando bajo la lluvia" (y bailando), "West side story", "Siete novias para siete hermanos", "Un americano en París", "The commitments" (esta se merece un post especial), "Hello Dolly" y "Levando anclas". Creo que no se me olvida ninguna. ¡Ah, bueno!, ahora voy a por "Fama".
Ya me veo dentro de nada, pillandome "Fiebre del sábado noche", "Grease" y "Dirty dancing", que tiene un peligro tremendo porque están las tres juntas en la estantería del videoclub.
Ahí las tenemos. Mucha música (y buena, todo hay que decirlo), grandes actores-bailarines, donde por encima de la pareja Rogers-Astaire, yo me quedo con Gene Kelly y pedazos de directores como el gran Stanley Donen, uno de esos filmmakers (me gusta la palabra) a los que no se le ha reconocido en su justa medida su labor y que nos ha legado (lástima que desde el 84 no haya hecho nada), diamantes como "Cantando bajo la lluvia", "Siete novias para siete hermanos", "Charada" o esa pequeña gran película que se llama "Dos en la carretera".
Creo que el mejor homenaje que se le puede hacer es seguir viendo sus películas.

ÚLTIMOS CALORES VERANIEGOS (ESPERO)

2005-09-04T20:33:00.000+02:00

Bueno amigos, he estado todo el verano pasando calor y tan solo las magníficas sesiones de cine que me he metido entre pecho y espalda (no he batido el record de horas, eso lo tiene aquel día que me vi consecutivamente toda la saga de "El padrino"), han sido capaces de quitarme del pensamiento la intensa canícula estival.
Desde mi última aparición (debo de nuevo pediros disculpas, pero el trabajo en agosto fue demencialmente desmesurado), he tenido la ocasión de revisar algunos clásicos (ya os digo que he visto pocas cosas nuevas) y como siempre uno aprende cosas nuevas de esos filmes. O por lo menos a uno le parece que siempre ve cosas nuevas. Será que soy demasiado analítico.
La cosa es que estuve viendo el otro día "Cowboy de medianoche" esa cinta de Schlesinger que te deja con mal cuerpo cuando terminas de verla y eso que empieza en plan bien con ese vaquero al que poco le importa nada y que se va a la gran ciudad en busca de fortuna en forma de guapa y adinerada mujer. Pero cuanto amargor destila esta película, que papelón el de Dustin Hoffman y cuanta dureza contada sin ambages. Últimamente estoy redescubriendo a Hoffman, del que me gusta hasta el padre hippie de Ben Stiller en "Los padres de él".
Hay que decir que la película fue en su día calificada X y que ganó el Óscar a la mejor película. ¡Caray con los yankees!
"Lo que el viento se llevó" ha sido otro de los visionados de estos días. Qué decir de esta película que no haya sido ya. Pues que siempre gusta, la megalomanía de Selznick, el cinismo de Clark Gable, la belleza y los cambios de registros de Vivien Leigh y en fin, toda la leyenda que rodea a esta cinta que todo aquel que la haya visto coincidirá conmigo en que es lógico que esté en los altares del cine. Y a quien no la haya visto, no se a qué esperan.
El amigo Wilder también ha aparecido por mi casa. Tenía ganas de reirme y empecé con el chillón de Jimmy Cagney en "Uno, dos, tres" y terminé con esa pareja de hecho mítica a la que Dios le sacó tanto provecho, Lemmon y Matthau en "Primera plana". Magistral.
A Scorsese también se le ha visto en este verano. Lo último, "Casino". la vi en cine en su estreno y la he vuelto a ver 10 años después. Se ve que a Marty le viene como anillo al dedo las historias de mafiosos y que se mueve como pez en el agua cuando le acompañan sus compinches Joe Pesci (da miedo verle en esta película y en "Uno de los nuestros" y eso que no levanta dos palmos del suelo) y sobre todo Bobby de Niro. No es que "Casino" sea lo mejor de uno de nuestros italoamericanos preferidos, pero siempre tiene su cosa acercarse a la mafia (una de mis filias). Pero también me pillé el DVD de este film en el videoclub por los extras. Me he aficionado a verlos y flipo con los dos discos de algunas películas.
Por último, don Errol Flynn se paseó por mi casa con sus piruetas y sus cabriolas embutido en las mallas verdes technicolor de Robin de Locksley. Maravillosa cinta de Mihaly Kertesz (Michael Curtiz), un prodigio del cine de aventuras y con buenos buenísimos (Flynn y de Havilland) y malos malísimos (Claude Rains y Basil Rathbone) y escenas estupendas como la del duelo a espada final.
Para esta noche, también hay sesión, pero de cine negro. Habrá que ver "Perversidad" de Fritz Lang.
Nada. Ya os contaré como va la cosa. Y espero que para entonces no haya pasado tanto tiempo y no haga tanto calor.

SAW

2005-08-18T18:13:00.000+02:00

¿Me reconcilio con el cine de suspense, de sustitos, en fin con el thriller o no? Bueno, de momento me han levantado un poquito el ánimo como si de una Viagra cinéfila se tratase con "Saw", una películita modesta, pequeñita, sin pretensiones pero entretenida e inteligente.
Si es que ya lo digo yo. No hace falta millones de dólares para hacer una buena película. Un cuarto, dos tios encadenados y sin saber por qué y un psicópata con ganas de divertirse pero que no sale. La intriga la mantienen bien, la idea es buena y los actores están correctos. No hay ninguna estrella y ni falta que hace y tampoco hay vísceras ni sangre, ni matarifes con cara de cuero. Simplemente hay un guión bueno y que no cae en típicos.
En los USA, a este tipo de films los llaman sleepers, porque parece que iban para la estantería del videoclub directamente y sin embargo fue todo un éxito. Ya ruedan la segunda parte. Pero vosotros, hacedme caso, id a verla y no saldréis defraudados. Solo tenéis que acercaros a vuestro videoclub más cercano.

MÁS CALORES VERANIEGOS

2005-08-15T21:06:00.000+02:00

Continúa el tórrido estío y a uno ya no le quedan ni ganas de ponerse a ver una peliculita. Bueno esto no me lo creo ni yo. La verdad es que con tantas cosas por hacer queda poco por ver. El otro día me llevé en el videoclub más de media hora intentando buscar algo que ya mo hubiese visto, algo que me gustara y que encima me cayera bien en ese momento del día. Labor complicada. Al final cogi un entretenimiento sin importancia para pasar el rato.
Ahora que estoy metido en la cosa periodística, volví la vista atrás y me use a ver "Network" de Sidney Lumet. Toda la película se puede resumir en la última frase "Howard Beal es el único hombre que ha sido asesinado por bajar en los índices de audiencia". Un pelín visionario el tio Lumet. Tampoco es que aquí a Sardá se le haya asesinado porque Buenafuente le haya ganado la partida pero es una parábola muy acertada de lo que se ha convertido el mundo de los mass media. Y eso que Lumet rodó esto en 1976.
En fin, que espero que mi nuevo programa de radio no me de tantos quebraderos de cabeza. Lo digo por mi bien, claro.

AUTOPISTA 61

2005-08-14T21:26:00.000+02:00

Hola amigos:
Desde la semana pasada conduzco un programa en Radio Chiclana FM (107.7), cuyo nombre es "Autopista 61" y que naturalmente solo podréis escuchar los que viváis por la provincia de Cádiz. Es un totum revolutum donde podéis encontrar buena música, desde los pioneros del blues hasta los grupos más indies de la actualidad, información, entrevistas, y como no podía ser de otra manera una sección dedicada al cine denominada "El crepúsculo de los dioses" (gentileza del señor Wilder, loado sea durante toda la eternidad).
El programa está empezando pero ya está recibiendo buenas críticas (fundamentalmente del jefe de la radio y de los amiguetes que es lo que más me importa).
Os invito a recorrer conmigo la "Autopista 61" y si queréis hacer algún comentario solo tenéis que dirigiros a la siguiente dirección de correo electrónico:
autopista61@hotmail.com
Salud.

CALORES VERANIEGOS

2005-07-24T14:34:00.000+02:00

No, no me he muerto, ni me he ido, ni me he olvidado del cinéfago. Nada por el estilo. Algo más prosaico. Simplemente estoy de vacaciones. Y como me llevo todo el año dándole a la tecla en mi trabajo, pues, que no me apetecía seguir dándole en mis días de asueto.
Pero bueno, no desesperéis, que ya estoy aquí.
Hoy tenía pensado haceros un repasito por las películas que me he visto en este verano. Casi todo en DVD, que aunque se esté bien en el cine a veces los asistentes a una sala, hacen que te den ganas de renegar de tu cinefagia.
En cine solo he visto la de "La guerra de los mundos", que muy bien la primera hora, Spielberg te pone el caramelito en la boca pero luego te atragantas un poquito con él. La cosa está en que el final es muy precipitado y da la sensación que te faltan 20 o 30 minutos de película.
Pasamos al DVD. "Million dollar baby". El tito Eastwood sigue en plena forma. Amenábar debería aprender algo más de él y no creerse ya un maestro. Para ello le tienen que salir muchas canas, como las que tiene Clint. Pues la película se mereció sus oscars (lo de Hillary Swank no lo comparto, no entiendo como pueda estar a la altura -en premios, eh- que la Davis o Katharine Hepburn), te vuelve a contar una historia de perdedores, de semifracasados, de gente que tiene una ilusión y se la cortan de raíz. Clint sigue estando en la onda y sabe hacer buen cine. Seguiré siendo fiel devoto.
"Temporada de patos". No os perdáis esta película mexicana. En blanco y negro, rodada en un piso y con cuatro personajes. Dos chavales juegan a la Play en su casa un domingo y se quedan sin luz, ¿qué hacer? La cogéis y luego decidme. De lo mejorcito de este año.
Luego he estado con muchas revisiones. El domingo pasado me metí entre pecho y espalda dos de las películas más famosas sobre prisioneros y fugas, de alguna he hablado ya aquí, "Doce del patíbulo" y "La gran evasión". Casi seis horitas de diversión.
Os recomiendo encarecidamente "Coffee and cigarrettes" de Jim Jarmusch, del que ya esperamos impacientemente su "Broken flowers". "Coffee and cigarrettes" es una película freaky, está llena de seres extraños, como los hermanos White del grupo White Stripes o Bill Murray o Cate Blanchett. Pero por encima de todo, la película ya valdría la pena verla por la conversación entre Steve Coogan y el gran Alfred Molina (el Dock Ock de Spiderman 2). Sencillez, ironía, rapidez en los diálogos, un pelín de improvisación y por cuatro duros tienes una película (si encima tienes buenos amigos dentro del mundo del cine y que apenas cobren o no lo hagan, mejor que mejor).
Más cosas, a ver, a ver,... Bueno, he vuelto a ver "Matrix" y cuanto más la veo menos me gustan las dos continuaciones. Quienes me gustan a todas horas son los hermanos Marx. Ayer me compré "Un día en las carreras" y..., son geniales:
- ¿Qué experiencia tiene en el mundo de la medicina?
- Estuve cuando la epidemia de gripe (este es Groucho).
- ¿Y qué pasó?
- Que cogí la gripe.
O este otro diálogo:
- ¿En qué facultades ha estado?
- Estuve en Vassar.
- Pero si eso es una colegio de chicas.
- Lo descubrí al tercer año un día que se me ocurrió apuntarme al equipo de natación.
También acabo de volver a revisitar otras tres películas que hacía años que no veía. "Perros de paja", de Peckinpah (cuanto ha chupado Tarantino de este hombre), "La junga de cristal", para mi una de las mejores películas de acción de los últimos 20 años y "Doce monos", del amigo Terry Gilliam.
Ahí lo tenéis, que aparte de ir a la playa (poco), ir a barbacoas (algunas) y viajar (menos de lo aconsejable), he visto cine aunque sea en mi casita.
Una buena manera de pasar fresquito esta insoportable canícula. Para hoy tengo "The boxer" de Jim Sheridan y "La quimera del oro" de Chaplin. Y para esta semana próxima me expera la maratón de "El señor de los anillos". Así que no me voy a aburrir.

AMENÁBAR A LA DERIVA

2005-06-30T12:28:00.000+02:00

En el ranking de películas de Amenábar, "Mar adentro" está en última posición.
Y mira que me había resistido a ir a verla. Primero en el cine y luego en el videoclub. Que ultimamente no me van los dramones lacrimógenos o sensibles. Que prefiero otras cositas.
En fin, que claudiqué el otro día y la pillé en un momento de enajenación mental transitoria. Y claro, si te ponen el caramelito, varias veces, que te deja muy buen sabor de boca y luego te dan zumo de limón al por mayor, pues te quedas con mala sensación. Y eso es lo que me ha pasado con "Mar adentro".
Que sí, que la historia está bien, pero muy vista, que ya conocíamos a Ramón Sampedro y todo lo que veíamos en la pantalla nos sonaba a territorios conocidos.Es indudable que las interpretaciones son buenas, pero para mi Amenábar ha pinchado en hueso por mucho que arrase en todos los festivales y entregas de premios, Óscar incluido.
Me gusta más el atrevimiento del primer Amenábar, su aire hitchcockiano, sus guiones retorcidos y sus sorpresas. Me gustó mucho en "Los otros" apostando por el miedo sugerido. Me gustó su descaro. Pero me aburrió "Mar adentro".
Entiendo que haya sido un éxito, porque hay mucha gente que se come el coco con este tipo de películas, pero yo ya estoy en otro mundo. Hay poco cine del actual que me emocione y no te digo ya lo de soltar una lagrimita. Para eso me pongo "El paciente inglés" que esa sí que está llena de emociones poco empalagosas.
En fin. Esto no significa que denigre a Alejandrito, pero espero que retome el vuelo como hizo Shyamalan después de "Señales". El recuperó mi confianza y espero que Amenábar también.
A ver si nos trae un buen suspense en la mejor línea del cine clásico que tanto dice adorar.

BATMAN O LA BÚSQUEDA DE LA OSCURIDAD

2005-06-26T21:50:00.000+02:00

Pongamos que Batman representa al super héroe más atormentado de todos. Pongamos que necesita ayuda psicológica después de ver morir a sus padres en un oscuro callejón (no a manos del Joker, licencia de Burton, en el comic fue otro el autor). Pongamos que es el Señor de la Noche y todas esas milongas. Pongamos que Gotham es una ciudad llena de malhechores, ladrones, gente de mal vivir y asesinos. Aparte está su aire gótico. Es decir que todo lo que rodea al Hombre Murciélago no es precisamente alegría.
Entonces yo me pregunto, ¿qué eran las películas dirigidas por Joel Schumacher? ¿una recreación del desfile del Orgullo gay? ¿O una recreación de Studio 54 con todas esas lucecitas y tanto movimiento?
La verdad es que me decepcionaron las dos últimas entregas de Batman. No me gustó el estilo de Schumacher, no me gustaron ni Val Kilmer, ni George Clooney como Bruce Wayne/Batman, no me gustaron sus acompañantes y no me gustaron los malos (si exceptuamos a Tommy Lee Jones, que de histriónico resulta divertido, ¡chúpate esa, Jim Carrey!).
Pero si me gustaron las dos primeras. Las de Tim Burton, aunque con algunas licencias que se tomó de la historia original. Me atrajo más la segunda que la primera, ¿por qué? porque el malo me parecía más siniestro, ese Pingüino encarnado por Danny de Vito y nunca me olvidaré de la Pfeiffer enfundada en latex para dar vida a la original Catwoman (aunque no le hago ascos a Halle Berry). También disfruté con la cara de pasmo y los problemas psicológicos de Bruce Wayne (Michael Keaton en el papel de su vida, que poco lo ha aprovechado).
Y bueno, que decir de Burton. Un freaky que se toma muy en serio sus obsesiones y creó un Batman oscuro, casi aterrador, gótico y qué abrió la via para que muchos otros la transitaran después.
No voy a entrar aquí en lo bueno que era el diseño de producción, que lo era, o la música de Danny Elfman, que también. Pero sí espero que la nueva entrega de Batman (Begins) esté por lo menos a la altura del mito. Mimbres tiene la película para ello. Un buen director, que asombró en "Memento", un buen y amplio reparto y una buena historia. Dice Nolan que será como si Batman empezara de nuevo. Esperemos a ver el resultado. Yo de mientras me preparo para ir a ver la película esta semana y a ver si el Batmóvil es más molón que el que tenía Michael Keaton.

EL BOSQUE (O EL POBLADO)

2005-06-16T17:30:00.000+02:00

Mira que era reticente a cogerla, pero me decidí. Y es que uno tenía bastantes esperenazas puestas en M. Night Shyamalan y quedaron parcialmente defraudadas en "Señales".
Pero con "El bosque" (¿costaba tanto dejarle el título original de "The village"?) el tio ha vuelto a recuperar mi confianza. Ya me esperaba yo otra película de alienígenas como al final resultó ser "Señales" (aunque no todo en ella era malo). Shyamalan sabe como jugar con el espectador, tiene ese sentido hitchcockiano y lo usa de forma maestra.
En "El bosque" hace creer durante casi todo el metraje una cosa (no voy a contar qué para no destripar nada si no la habéis visto) y ofrecernos otra y en medio queda una película hermosa, lírica diría yo, que te quedan ganas de ver otra vez, por aquello de los cabos sueltos, pero también por ver a ese gran descubrimiento llamado Bryce Dallas Howard (la hija del director de "Apollo XIII") y las grandes actuaciones de un elenco que está a la altura de una gran (y bonita, creo yo) historia.
Por lo tanto, mis bendiciones de nuevo para el señor Shyamalan que me encandiló con "El sexto sentido", que me fascinó con esa minusvalorada "El protegido" y que de nuevo vuelve a captar mi interés con "El bosque" (o "The village"). Esperaremos con interés sus nuevos proyectos.

QUE SIGA RODANDO...

2005-06-05T20:55:00.000+02:00

Participación del compañero Miguel Ángel de "Cambio de agujas" en "El Cinéfago". A los aludidos, completad el cuestionario y publicadlo en vuestros blogs o en "Cambio de agujas".

¿Quién me lo pasa?
Er Miguelange de "Cambio de agujas".

Tamaño total de los archivos de música en mi ordenador
Ná de ná. En vinilo y cd's lo que queráis.

Último disco que compré
Creo que fue "On the beach" de Neil Young

Canción que estoy escuchando ahora
Acabo de escuchar en Radio 3 a Solomon Burke (creo que la canción era "Words")

5 (+1) canciones que escucho un montón o que tiene algún significado para mi
Comparto la opinión de Miguel Ángel. Podrían ser mil. Pero allá vamos.
- "Comfortably numb" de Pink Floyd.
- "Big time" de Neil Young.
- "Sister morphine" de Rolling Stones.
- "All along the watchtower" en versión de Hendrix.
- "Queen Jane aproximately" de Dylan.
- "Spanish bombs" de The Clash.
Puede que mañana cambie de opinión.

4 (o 5) personas a las que les paso el testigo
A José Antonio de "Memento Mori".
A David webmaster de lo mio y de lo suyo.
A Jesusito, compi de tareas periodísticas y dentro de poco blogeras.
A Andrés, ídem de lo anterior.
A Koldo, compañero de las tierras vascas y aficionado a la blogería.

SEXO CON NACHO VIDAL

2005-06-01T12:28:00.000+02:00

No puede ser. Hace unos meses llorábamos la lamentable pérdida para el mundo del espectáculo del gran Rocco Sifredi. Razones familiares, argumentaba, para retirarse del cine porno que tanta gloria le había procurado. Atrás dejaba grandes interpretaciones (no lo digo de coña) y títulos míticos de la historia de este género. Por derecho propio ya está en el Olimpo de los actores porno junto a John Holmes y otros.
Ahora es su más avezado discípulo, el español Nacho Vidal el que se retira para casarse con su novia. Vidal ha dejado también muestras de su "gran" talento en más de 2000 cintas y también puede considerársele como uno de los grandes de esto. También ha abierto nuevas vías en este género. Se le debe reconocer y eso merece un respeto.
Ahora solo nos queda Ron Jeremy, del que por cierto se estrena ahora un documental sobre su vida y obra (ya en DVD). Así que nos aferraremos a él para que se signa dignificando el nombre de un género que tantos placeres ha procurado a muchos... y muchas.

DÁNOSLE HOY EL STAR WARS DE CADA DÍA (II)

2005-05-27T17:33:00.000+02:00

En fin, no me he podido resistir más y el pasado domingo ya fui a ver "La venganza de los sith", la tercera parte de "La guerra de las galaxias".
Vamos primero con lo malo. Indudablemente no tiene la magia y el enganche de la primera (eso ya lo sabía antes de que se estrenara "La amenaza fantasma"). Hayden Christensen, aunque mejor que en el episodio II, sigue sobreactuando y no le vi como convincente cuando caía en el Lado Oscuro. No me desagradan los efectos especiales, pero a veces llegan a marear, sobre todo en la batalla inicial. Y sale Jar Jar Binks, aunque solo sea un momento.
Cosas positivas. El espectáculo es máximo. Es la película con mayor tensión dramática de esta nueva trilogía. Lucas ha sabido cerrar el círculo de forma coherente. Ewan McGregor está muy bien (se intuía al Ben Kenobi de la trilogía original), la última hora es oscurísima y diría que incluso acojonante. Sabes lo que va a pasar a continuación, pero siempre lo has presumido, lo has imaginado pero ahora el señor Lucas te lo enseña y por primera vez el Lado oscuro del Sith enseña su cara (y si no ved la del emperador Palpatine, por cierto en una de las mejores escenas de la película que es cuando lucha con Mace Windu). Hasta el momento el Lado Oscuro había sido un ente ideologizado y solo veíamos la cara práctica en Darth Vader. Ahora observamos su verdadero poder,... y encima es el que gana no como en las otras cinco películas.
Y como no. Lo mejor es esa lucha entre maestro y padawan en el planeta Mustaffar. Annakin es "devorado" por la lava y luego reconstruido roboticamente por el emperador. Cuando surge Darth Vader, me aparecieron escalofrios. El malo más malo de la galaxia cinéfila es el personaje que más gusta a los fans de la saga lucasiana. Y doy fe que esos minutos ya valen el haber pagado la entrada.
Ayer me volví a ver la saga original, para seguir atando cabos y pensé que el tio Lucas tiene una imaginación privilegiada, ¡quién la pillara!
De momento me estoy pensando si dentro de unos días me paso otra vez por el cine para ver más tranquilo de nuevo el episodio III libres de todo incordio palomitero (que lo hubo).
Ojalá hubiese tenido a mano una espada láser. Se iba a enterar más de uno de lo que es bueno.

CHARLOT

2005-05-21T19:06:00.000+02:00

"Me llaman Charlot". Así comienza una antigua copla carnavalesca (del Carnaval de Cádiz, claro), que cantaba una agrupación y que ha quedado como muestra del ser gaditano. Entre el gaditano puro y el personaje creado por Charles Chaplin en esas viejas películas mudas hay muchas semenjanzas: la despreocupación ante los problemas, el humor como parapeto de todo y ante todo el ser personajes que se sienten libres.
Ese Charlot de bombín, traje raído y bastón fue creciendo y en 1941 dio lugar a una de las sátiras más precisas y punzantes de todos los tiempos. Chaplin se sacó de la chistera "El gran dictador" donde ridiculizaba hasta lo superlativo el ascenso de los fascismos en la Vieja Europa.
La película encandila desde el primer momento. Tiene todos los ingredientes de una película de Chaplin pero analizándola friamente vemos que es más seria de lo que parece. Lo que pasa es que nos quedamos con los chistes fáciles y las bromas (magistrales, por otra parte) pero el estudio que se hace de ese trágico fenómeno es sublime.
Me gustaría saber que pensó Hitler al verse retratado (porque vio la película) en ese paranoico Adenoid (en el doblaje español Astolfo) Hynkel con sus ansías expansionistas -maravillosa la escena del globo terráqueo, sobre todo cuando se le explota-, y observar también a sus correligionarios Goering y Goebbels. El personaje de Napaloni es de lo mejor de la función, de lo más cómico.
Pero ese humilde y tontorrón barbero judio que no sabe que su país está regido por un tirano te llega al corazón. Cuando al final lo toman por Hynkel y lanza la arenga (fijáos si es seria él mensaje de la cinta en esa escena) se te hiela la sonrisa y dices: ¡Joder, es cierto, en ese año eso mismo estaba pasando en el mundo y nadie reía!
A veces, es mejor tomarse todo un poco a la ligera, con cachondeo para darse cuenta de lo absolutamente terrible que es la verdad.
Chaplin lo supo. El mundo se enteró demasiado tarde.

DÁNOSLE HOY EL STAR WARS DE CADA DÍA

2005-05-17T12:43:00.000+02:00

No, que no. Yo no me voy a ir a ver el estreno (este viernes) de "La venganza de los Sith". Intentaré hacerlo otro día a una hora intempestiva (12 de la noche) para intentar no pillar a una jauría de niños enloquecidos que no tienen ni idea de quien es Darth Vader ni cuales son los fundamentos de la Fuerza ni de la Orden de los Jedi. Cuando vaya, me vestiré con mis mejores galas (camiseta de Darth Vader incluida) y estaré presto con ojos bien abiertos para disfrutar del espectáculo.
La entrada valdrá la pena con tal de ver de nuevo al malo más malo de la galaxia.
Podría hacer bien su trabajo y acabar con un mandoble de su espada láser con esos indeseables niñatos que no respetan la mitología de una saga. He dicho.

CUMPLEAÑOS FELIZ

2005-05-15T17:20:00.000+02:00

Sí amigos. Ya llevamos un año con "El cinéfago". Un año, unos cuantos posts, unas cuantas películas,... Doce meses en los que vuestro humilde servidor ha querido compartir con vosotros algunas opiniones sobre películas de todas las épocas.
Parece que fue ayer pero aquí seguimos, dispuestos a continuar con estos escritos que surgen del amor por el Séptimo Arte. Que los sigáis disfrutando.
Por mi parte, no dudéis que seguiré al pie del cañón.

¡AQUÍ ESTÁ JACKIE!

2005-05-11T12:26:00.000+02:00

Nada más que ver la cara de loco que tiene Jack Nicholson merece la pena verse una vez más El resplandor, esa película incomprendida e ignorada por muchos pero que a mi me parece una vuelta de tuerca más en la filmografía de tito Stanley.
Reconozcamos que la película no es fácil de ver. La mente retorcida de Kubrick no nos iba a traer una película de sustitos y gore a tutiplén como lo que han hecho los amigos Cunningham (el de Viernes 13) o Craven, por no hablar de los artesanos Hopper o Romero. Kubrick es más que eso.
No he leido la novela de Stephen King en la que se basa la cinta (es más exceptuando una ocasión, no he leido nada del mal llamado mago del suspense, -yo creía que era Hitchcock-), pero a buen seguro no tendrá nada que ver con lo que Kubrick puso en imágenes.
El resplandor es una película que o apasiona o se denigra. No hay término medio. Cosa habitual con el cine de este director. Yo, como es lógico me incluyo entre los primeros. ¿Y por qué? Puedo esgrimir mi amor incondicional por el señor Kubrick, pero buscaré razones más profundas y menos pasionales.
En primer lugar, debo afirmar que soy un fanático del cine de terror. Los clásicos de la Universal, el mito de la Hammer, los zombis de Romero o alguna pequeña joya ya tardía están entre mis momentos favoritos del Séptimo Arte (por cierto aplaudo a Stephen Sommers por ofrecernos Van Helsing, que sin ser una maravilla, por lo menos homenajea a los monstruitos de la Universal en un batiburrillo electrizante). Me decepciona en cambio, el camino que ha tomado el terror en los últimos años. Por deciros que me hiela más la sangre cosas como Seven que cualquier parida última de Wes Craven y su compañero de fechorías Kevin Williamson. La sangre fácil, el susto ya mil veces visto y previsible y el habitual elenco de tías macizorras y tios cachas, es algo que me hastía.
Por eso prefiero ponerme una y otra vez esas fantasmagóricas imágenes de hotel Overlook, o disfrutar de la escena de la persecución en el laberinto nevado, o estremecerme con la inundación sanguinolenta de los pasillos del hotel. Por no decir nada de cuando nuestro Jack rompe la puerta del cuarto de baño donde está una (verdaderamente) aterrorizada Shelley Long y le espeta ese ¡aquí esta... Jackie!
Puro delirio y goce para las mentes enfermas como la mia.

HABEMUS PAPAM

2005-04-19T21:25:00.000+02:00

En este día de gozo, unas palabrillas para recordar a todos los fieles algunas de las sacras y pías películas que en estas jornadas de oración y recogimiento deberían revisar. Todo sea por la salud de Benedicto XVI.
Tendríamos que empezar con "Las sandalias del pescador", para seguir con "Las campanas de Santa María" (creo que era así) de Leo McCarey.Indudablemente no debemos perdernos "Historia de una monja" y depués podremos regocijarnos con "Sor Citroen". Si nos ponemos en plan serios nos quedamos con los curitos Christopher Reeve en "Monseñor" o Robert de Niro en "Sleepers". No quiero menospreciar la labor evangelizadora de Whoopi Goldberg en "Sister Act", perseguida por ese malo malísimo llamado Harvey Keitel. Pediremos consejo para no desviarnos del sendero a los padres Karras y Merrin por si el Maligno anda detrás nuestra. Y nuestras cuentas corrientes que las lleven los banqueros del Vaticano como en "El Padrino III". Sionceramente, yo me quedaría con el padresito Cantinflas o con el Alex Angulo de "El día de la bestia". Seguro que algo tienen en común.
En fin, deprisa y corriendo he querido hacer un pequeño homenaje a la elección del nuevo pontífice.
Por cierto, podría haber incluido también alguna mención a la Santa Inquisición por aquello de que Ratzinger ha sido el Torquemada de los últimos años...

EL PIONERO DAVID WARK GRIFFITH

2005-04-15T18:41:00.000+02:00

Acabo de tragarme las tres horas largas de "El nacimiento de una nación". Siempre he leido que Griffith, su director, es uno de los maestros del cine, uno de los pioneros, pero no había tenido ocasión de ver algo suyo. Para los no entendidos, estamos hablando de cine mudo, esta película es de 1915 y para la época resultó todo un acontecimiento.
Pues bien, antes que nada os cuento de lo que va. Estamos en la guerra civil americana, la historia de dos familias y una violación de una blanca por un negro. Hoy muchos califican el mensaje de la película como reaccionario y racista, ya que se encumbra al Ku Klux Klan.
Entre esta e "Intolerancia", a Griffith se le encumbró como uno de los "dioses" del cine. Pero puede ser que haya visto esta cinta con prejuicios, ya que no me ha dejado nada especial, como sí me dejan otras. Bueno, a inicios del siglo XX y el tio se monta unas escenas que para la época son de proporciones épicas y mueve a miles de extras y se mete en contar la historia de su país, pero qué queréis que os diga, no me llegó.
No se puede tener todo y no todo me va a gustar. Lo malo del cinéfago es que solo escribe de lo que le gusta. Tendré que ponerme más crítico y abrime a nuevas experiencias. De todas formas, espero que alguien me lleve la contraria y diga que le gustó "El nacimiento de una nación".
De momento, me estoy pensando, unos escritos sobre el cine de Jean Claude Van Damme.

OJOS BIEN ABIERTOS

2005-04-08T17:06:00.000+02:00

"Eyes wide shut" es la última obra de Stanley Kubrick. Ya sabéis los que me seguís a menudo, que para mi su palabra cinematográfica es ley. Muchos criticaron en su día el testamento del genio inglés, cayendo en una total injusticia. No hay director vivo o muerto (con alguna que otra excepción -Ford o Hitchcock-) cuya filmografía pueda considerarse como espléndida. Haced memoria y recordad alguna mala película.
Pues bien. Algunos dijeron que "Eyes wide shut" era una película mediocre, que no estaba a la altura de Kubrick. Da igual lo que piense la crítica, siempre lo he dicho. Lo importante es la sensación que te deje.
Y a mi esta película me deja muy bien. Ese hipnotismo que rezuma la película te atrapa y hasta mucho después de haber terminado te sigue afectando. La psique humana está de nuevo magistralmente descrita por Kubrick, que adapta el relato "Traumnovelle" de Arthur Schnitzler y da una nueva lección de discurso cinematográfico.
Tres años de proyecto. Kidman y Cruise totalmente integrados en el proyecto y Kubrick ofreciéndonos, una vez más escenas que te quedan en la retina. Esta vez es la orgía a la que acude el buen doctor Harford, simple excusa para psicoanalizar la mente de un ciudadano medio que tiene "problemas". Y esos problemas se solucionan como bien dice Kidman en la última frase de la película "follando".
El sexo, también muy presente en el cine de Kubrick, tiene su parte esencial en esta película pero solo es ese pretexto que necesita para diseccionar al ser humano. Pero volviendo a lo de las escenas impactantes, la orgía es sencillamente espléndida, esa música penetrante, ese tio cantando en pseudogregoriano, toda la parafernalia, el "juicio", se quedan ya en el imaginario kubrickiano como los billetes volando en el aeropuerto en "Atraco perfecto", los recorridos de Kirk Douglas por las trincheras en "Senderos de gloria", las batallas de "Espartaco", las miradas de James Mason a la nínfula en "Lolita", las disertaciones del sospechosamente nazi doctor Strangelove en "Teléfono rojo", el inicio de "2001", las sesiones de ultraviolencia de Alex y los suyos en "La naranja mecánica", la derrota total de Redmond Barry en "Barry Lyndon", la persecución de Jack Nicholson por el laberinto en "El resplandor" o el entrenamiento de los reclutas en "La chaqueta metálica".
Pura Historia del cine.

EVASIONES Y TRAIDORES

2005-04-08T16:41:00.000+02:00

Ya lo he comentado aquí alguna vez. A veces no sabes que ver, que coger en un videoclub y pillas lo que menos esperas. Y cuando te sientas a verlo te quedas cautivado por lo que tienes puesto en el reproductor de DVD.
me pasó otra vez el pasado fin de semana, cuando me recomendaron "La evasión", una película francesa de los 50 dirigida por Jacques Becker y que cuenta el plan de fuga de unos presos de la prisión de La Santè. Parece que no pasa nada, pero pasa, algo rutinario pero extraordinario a la vez y en los últimos tres minutos (la película dura 2 horas), viene el clímax total, con el reflejo en un espejo, que no voy a contar para no desvelar nada. Para que la busqueis y la disfruteis.
Luego disfruté recordando "Stalag 17" o "Traidor en el infierno", como se llamó en España, una cinta de Billy Wilder, que más que de fugas, va de la vida de militares americanos en un campo de prisioneros nazi. Con sus toques de humor (Benigni no fue el primero en reirse de los nazis, ya lo había hecho antes Chaplin y luego Wilder), se narra la historia de estos militares que intentan convivir lo mejor posible con sus carceleros, mientras se intenta descifrar una conspiración de uno de ellos colaboracionista con el Tercer Reich. Al principio las sospechas recaen sobre el personaje de William Holden (magnífico como siempre), pero al final hay sorpresa.
Lo dicho, pequeñas perlas, pequeñas sorpresas y grandes satisfacciones al final de la película. Vamos que la acabas de ver y dices "¡qué peliculón!".
Pues eso.

LA REDENCIÓN DE SHAWSHANK

2005-03-28T19:22:00.000+02:00

Nunca Rita Hayworth, Marilyn Monroe y Raquel Welch estuvieron tan radiantes ni fueron tan útiles. Y si no que se lo digan a Andy Dufresne, el protagonista de "Cadena perpetua" interpretado por Tim Robbins.
Un tipo al que meten en la cárcel por un delito que no había cometido (no señores, no es el comienzo de "El equipo A"), se pasa media vida en la cárcel y al final escapa gracias a estas divas..., y a su tesón..., y a un martillo de gemas..., y a la Biblia.
Siempre me han gustado las películas de cárceles. Creo que desde que vi siendo niño "La leyenda del indomable" y luego un poquito más mayor "Brubaker". Desde entonces, obviando algún pseudoproducto (no sé, me acuerdo de alguna de Stallone), he disfrutado con este género que tantas buenas cintas ha legado a la posteridad.
"Cadena perpetua" es una película hermosa. Dicho sin el tono peyorativo acostumbrado. No hay merengue en una historia, que pudo haberlo tenido pero cuyo guión se cuidó muy bien de no caer en la lágrima fácil. Es un relato vibrante, emocionante y a ratos desesperanzador, pero con algunas escenas bellísimas, incluyendo aquí algunas de las más pesimistas de la película. Un ejemplo, cuando el bibliotecario de la cárcel, el viejo Brooks sale de la cárcel y se encuentra "desprotegido" fuera de los muros de su celda. Y luego se suicida. "Te institucionalizas", le dice a Dufresne, Red (Morgan Freeman), te acostumbras a la cárcel.
Y cuando parece que el protagonista va a correr la misma suerte que el viejo, porque es un personaje que está como ido, como si con él no fuera la cosa, va y se escapa y se le da al guión una vuelta de tuerca y la esperanza vuelve a renacer.
Una película de actores, de buenos actores que hacen una historia sencilla, grande.
Y al final que es lo que importa. Que te lo hayas pasado bien con una de esas grandes historias que el cine nos ofrece a veces.
¿Y no me váis a decir que os aburrísteis?

CRÓNICAS MARXIANAS

2005-03-20T20:39:00.000+01:00

Las películas de los hermanos Marx tienen la magia de haber calado en el imaginario de la gente incluso si hay gente que no ha visto sus películas. Es lo mismo que le pasa a películas míticas como "Casablanca" o "Lo que el viento se llevó". Personajes, escenas, frases, que permanencen como parte de nuestra mitología contemporánea.
¿Quién no ha oído alguna vez aquello de "la parte contratante de la primera parte es igual a la parte contratante de la primera parte"? Pues a eso me refiero. Y seguro que le preguntas a muchos y sabiendo que es de los Marx, no saben que en qué película se dice.
Pues la cinta en cuestión es "Una noche en la ópera". Sí, sí la de la escena del camarote, la de la parte contratante en la que Chico y Groucho hacían trizas el contrato del tenor, la del cambio de decoración de la habitación y la de muchas más descacharrantes situaciones.
Disfruto con los hermanos Marx, en todas sus vertientes. Amo sus películas, incluso las más flojas, amo al Groucho escritor, amo al Groucho que está muerto y es capaz de poner en su epitafio aquello de "perdonen que no me levante", amo al Groucho que se fue a Berlin solo para bailar un zapateado sobre la tumba de Hitler, amo los números musicales de sus películas, amo al vividor de Chico (pendenciero y jugador según nos cuenta su hermano), amo a Harpo y su surrealismo y a su arpa, amo a Margaret Dumont por crear un personaje definitorio de las películas marxianas (¿o quizá así era ella en la realidad?), amo las historias tontas de sus películas que tanto me han hecho disfrutar, amo a los directores que los dirigieron en especial a ese gran director (y que poco reconocido fue) que se llamó Sam Wood (¿doblaron las campanas alguna vez por él?), amo a Irving Thalberg por darles la oportunidad de convertirse en los celebérrimos hermanos Marx.
Siempre me acuerdo de la anécdota de un compañero de instituto en un examen de Historia sobre el crack del 29. Teníamos que comentar un texto de Groucho Marx de su libro "Groucho y yo" sobre la quiebra bursátil de Wall Street. El texto estaba firmado como G. Marx y se facilitaba el título del libro. Mi compi hizo un buen análisis del texto. Cuando fue a poner el autor del mismo, puso Karl Marx, padre del comunismo.
Sin duda alguna, Groucho lo hubiera acogido con regocijo en su familia.

LA VIDA EN UNA LISTA

2005-03-13T22:18:00.000+01:00

Acabo de escribir un textito para una revista local sobre la novela Alta fidelidad. Como sabéis, el libro tuvo su adaptación a la pantalla grande de la mano del gran Stephen Frears. Bueno, pues como me gustan libro y película, he decidido darme a la vida licenciosa y copiar indiscriminadamente el artículo para ofrecéroslo también a vosotros que andáis por el más allá. Aquí voy:
El protagonista de esta novela es un colgao, alguien a quien casi todo le sale mal. Pero es guay. Gusta porque tiene una mezcla de encanto, vanidad, egocentrismo en la que muchos verían grandes defectos, pero que otros muchos vemos la pura realidad. Rob Fleming es el protagonista de este retrato generacional mezclado con los éxitos del rock. Y su autor, Nick Hornby el trasunto de este personajillo que tan gratos momentos nos ha hecho pasar en el papel y en la pantalla, puesto que el libro tuvo su adaptación al celuloide en la estupenda película de Stephen Frears y de mismo título. Ya para siempre, Rob Fleming tendrá el rostro de un John Cusack con cara de entender muy pocas cosas que le ocurrían a su personaje.
¿Por qué engancha esta novela? Fácil, porque cuenta cosas que a todo el mundo le ha pasado. El amor, el desamor, la amistad, la honradez ante la vida, la desesperación, la familia, el trabajo,... aspectos mundanas de esta vida. Lo que ocurre es que Rob Fleming lo cuenta a ritmo de rock. Para el lo más importante son las mujeres y el rock. Y en ambas cosas a base de listas. Porque Rob hace listas de todo. Empezando por un descacharrante comienzo donde explica su vida amorosa a través de sus "cinco rupturas amorosas más memorables". Este es el pretexto para darnos a conocer su relación con Laura, su mujer ideal (aunque él no lo sepa) que se ha ido a vivir con otro.
Nick Hornby, que ya había conocido las mieles del éxito con su anterior novela, Fiebre en las gradas, también con acentuados tintes autobiográficos, indaga en la personalidad propia y ajena, disertando acerca de los temas universales pero bajo el prisma de la manifestación cultural más importante de los últimos 50 años, el rock y todo lo que representa. El rock 'n' roll es un pretexto más para acercarnos a un ser humano cualquiera que se enfrenta a algo muy complicado: vivir.
Rob Fleming lo pasa mal, pero nosotros reimos, quizá porque como decía antes, nos sentimos plenamenta identificados con sus desgracias. Es un personaje hiperbolizado, en el que se reunen las miserias y las virtudes más normales. Lo debéríamos odiar por lo que ha hecho, pero conforme vamos pasando páginas del libro, más le queremos.
Hornby tira del humor, no el típico humor inglés. Hay ironía y sarcasmo, pero también humor seco. Alta fidelidad viene a representar un soplo de aire fresco en la narrativa anglosajona de los 90 y desmitifica con plausible delicadeza pero firme decisión a la juventud de nuestros días, esa que gente como Ellis o Coupland retrataron en frescos tan dispares (pero a la vez conectados) como American psycho o Generación X.
Novela sencilla, nada pretenciosa, pero cargada de intenciones. Llena de personajes arquetípicos y grandguiñolescos. Si las buenas novelas son las que se leen de tirón, Alta fidelidad es una obra maestra. A mi me fascina, ¿será por qué soy igual de friky que Rob Fleming?

AND THE OSCAR GOES TO...

2005-03-05T20:28:00.000+01:00

... "Mar adentro". La pizpireta Gwyneth Paltrow se dejó llevar por la emoción y en un aceptable castellano anunció que Amenabar había ganado el Oscar a la mejor película en habla no inglesa. No he visto la película y no me apetece mucho verla. Ahora prefiero dejarme de sensiblerías, lloros, sufrimientos y prefiero centrarme en ver comedia, acción, terror o musicales. Me ha dado por ahí.
Pero yo quería hacer un comentario acerca de los premios de la Academia. Esos que una vez más le han dado la bofetada al bueno de Scorsese. Que vale, que "El aviador" no le llega a la suela de los zapatos a "Toro salvaje", "Malas calles" o "Taxi driver", ni siquiera a "Uno de los nuestros", pero los venerables académicos (me los imagino a todos con luengas barbas, sentados en una sala llena de humo deliberando a quien le van a dar la alegría de recoger un premio), deberían aplicar el factor de la compensación de una vez por todas con Marty.
Clint, mi Clint, se lo arrebató, con esa película que a juzgar por muchos que ya la han visto es una maravilla (gracias UCC por no traerla por Chiclana, preferimos ver "Taxi, derrape total") y que es la enésima demostración del genio de un artista, que enfundó la Magnum 44 para regalarnos de vez en cuando perlas hechas películas (el otro día volví a ver "Los puentes de Madison" y me quedé flipado).
Bueno, al paso que vamos Scorsese le va a coger fobia a pisar la alfombra roja y cuando ya sea un venerable ancianito le darán el Oscar honorífico.
Amenabar que se va contento, Eastwood también, Drexler que se venga de la Academia cantando y quedándose tan pancho con ese "ciao, gracias" y Vigalondo que con su corto no ganó (por cierto, es "El otro lado de la cama" en versión gamberra y explosiva) pero el tio se lo pasó pipa. Jo Allen y Manolo no se qué (el peluquero de "Mar adentro") tampoco subieron a recoger la estatuilla, pero mostraron sus mejores galas y del resto destacar que Hilary Swank ya tiene dos Oscars, como Bette Davis (tela) que Jamie Foxx (nunca he entendido la segunda "x") se llevó el premio más cantado, que Morgan Freeman también tuvo su trocito de gloria, que ya era hora y para los apartados de guión se premió a los chicos malos, Alexander Payne y Charlie Kaufman.
El presentador, Chris Rock, en su estilo tan estridente y yankee (Billy Cristal, vuelve por favor) y la ceremonia que fue más cortita y dinámica.
Pues nada, los ganadores, contentos, los perdedores, con cara de póker y nosotros fardando de Oscar.
¡Ah! le tengo cierto respeto tanto a Banderas como a Santana, pero destrozaron la canción de Drexler, su consuelo, que Beyoncé Knowles masacró las tres que cantó. Me imagino como tienen que estar los gabachos.

THAT'S ENTERTAINMENT!

2005-02-24T19:40:00.000+01:00

Os tengo un poco abandonados, ya lo se, pero, ¿qué queréis? Soy un tipo ocupado con obligaciones y al cinéfago lo tengo un poco dejado de lado.
Pero no me olvido de entrar de vez en cuando y dejar mis profundos pensamientos. Y hoy se me ha ocurrido hablaros del género musical, pero no de Fred Astaire, Ginger Rogers, Gene kelly o Bob Fosse, ni siquiera de "Grease" o "Fiebre del sábado noche". me voy a referir a esas películas que han recogido actuaciones o conciertos históricos.
Últimamente me ha dado por ahí. Investigando di con "The last waltz", la película que Scorsese hizo de la despedida de The Band. Pocas palabras y mucha música de calidad, con gente como Eric Clapton, Dylan, Joni Mitchell, Bo Didley, entre otros, y Scorsese pululando por ahí y ejerciendo de entrevistador con Robertson y compañía. Un lujazo, señores.
Luego me empapé de hippismo, con la película de Woostock, la de Michael Wadleigh, la que ganó el Óscar al mejor documental. Solo por ver algo de aquellos tres días y disfrutar de su mito, de la magia y de los grandes del rock, merece la pena echar el ratito (largo) delante del televisor. Impagables la actuaciones de Janis Joplin,Santana, Joe Cocker o Jimi Hendrix.
Lennon, después de los Beatles. Una carrera digna. Discos grandes. Y algún conciertillo famoso, como el que dio en Toronto, junto a algunos de sus amigos, como Clapton ("Mano lenta" está en todas") o su mujer Yoko Ono, lanzando unos insoportables grititos. Se tenía que haber quedado dentro de la bolsa donde se metió en el "Rock 'n' roll circus" de los Rolling (por cierto, recordamos con agrado "Simpathy for the devil").
Y ya que estamos con un beatle, todos juntos depararon gozosos entretenimientos en sus películas a las órdenes de Richard Lester. ¡Ese abuelito de McCartney picarón y díscolo en "Qué noche la de aquel día"!, o las bromitas de Ringo, son momentos insuperables.
Me aficioné a la música de Neil Young muy tarde. Fue cuando vi esa pedazo de película que se llama "El año del caballo" y que dirigió Jim Jarmusch. El rock, despojado de imágenes idílicas o míticas. Testimonios desnudos y crudos. La música del canadiense a toda pastilla.
Y cierro (hay más pero seguiré otro día) con el gran concierto de mi admirado Springsteen en Barcelona. Todo fan del Boss que no lo tenga, a correr a por él. ¡Cómo se divirtió toda la banda! ¡Y como nos divertimos nosotros! Springsteen en tu salón. Loado sea el home cinema.

DE TERTULIA CON LOS AMIGOS

2005-02-11T14:10:00.000+01:00

Buenos tres nos jutamos ayer. Y para hablar de cine nada menos.
Con nuestra copita de vino, la charla tocó varios asuntos, pero me quede especialmente "colgado" del momento en el que comentamos nuestras filias y fobias sobre Brian de Palma. ¿Es un simple copiador de la obra de otros? ¿Tiene estilo propio? ¿Es un artesano? ¿Es un maestro?
Repasamos películas suyas como "Vestida para matar", "Doble juego", "Los intocables" o "Atrapado por su pasado", auténtico peliculón que recomiendo a todo aquel que no haya tenido la suerte de verla.
Hablamos de sus efectismos, los los travellings, los planos secuencias, criticamos alguna cosita como el bluff de "La hoguera de las vanidades", pero todo con ánimo constructivo y desde el más absoluto amor por el cine.
Que se repitan estas reuniones con más frecuencia y con más gente si cabe. Lo próximo será quedar para hacer un video-forum. En ello estamos.

UNA CHARLITA CON WILDER

2005-02-09T18:45:00.000+01:00

Hace unos cuantos años, François Truffaut sometió a un tercer grado al mago del suspense, Alfred Hitchcock, para conocer su visión del mundo del cine, en especial del que el autor de "Psicosis" había legado al mundo. Esas conversaciones se convirtieron a posteriori en un celebrado libro estructurado según la fórmula pregunta-respuesta, que marcó un hito en el conocimiento cinematográfico en general y en el hitchcockiano en particular.
La fórmula se repite en este volumen con otro de los grandes tótems del cine. Cameron Crowe somete a un, en principio, desconfiado y receloso Billy Wilder a un cuestionario sobre su vida, su pensamiento y claro está, sobre el cine.
Con un estilo un poco más relajado que el visto en el libro de Truffaut, Crowe (también cineasta con títulos en su haber como "Jerry McGuire" o "Casi Famosos"), va desgranando sin seguir orden cronológico alguno, las interioridades de las grandes películas wilderianas como "Testigo de cargo", "El apartamento", "Con faldas y a lo loco" o "Uno, dos, tres".
Crowe asaetea al viejo director con preguntas de cinéfilo y fan, queriendo saber hasta el más mínimo detalle del transcurso de los rodajes, de la actitud de los actores, de su visión del cine actual, mientras que Billy Wilder, con cierto aire despreocupado y sin dar la imagen del genio que es, reparte flores entre sus actores fetiche, Jack Lemmon y Walter Matthau, sus colaboradores en los guiones, Charles Brackett e I.A.L. Diamond, nos hace troncharnos con otras aventuras y descubrimos más de esa gran desconocida que fue Marilyn Monroe.
Resulta atractivo para el lector no encontrarse con un farragoso tratado cinematográfico, ni una entrevista-ladrillo, en la que el entrevistado solo hable de un asunto. Wilder, una vez que toma confianza, se explaya en detalles sobre su vida privada: sus padres, su juventud en Viena y Berlin, los nazis, sus amores, su mujer, sus aficiones,...
El libro va caminando por los terrenos de la discusión libre. Es curioso comprobar como a pesar de lo preparado que Cameron Crowe llevaba su guión, el viejo director se escapa por otros recovecos, para charlar de cosas que le interesan más (Crowe anota cada día como se encuentra de humor su interlocutor y dependiendo de eso, sabe que debe preguntarle) y no duda en muchos pasajes del libro en criticar ciertas películas. "No fue una buena película" o "Pudimos hacerlo mejor", son frases frecuentes. Sobre una de sus obras culmen y una de mis favoritas, "El crepúsculo de los dioses", comentó sorprendentemente que "Eva al desnudo era una obra maestra, mejor que nuestro Crepúsculo de los dioses".
La accesibilidad del genio hacen de este libro un verdadero premio para los que amamos el cine de Billy Wilder, que como dijo acertadamente Fernando Trueba en los Oscars, es Dios para algunos de sus seguidores.

SIEMPRE NOS QUEDARÁ CASABLANCA

2005-01-28T14:10:00.000+01:00

Este domingo, el diario "El País" regala el DVD de "Casablanca" junto con un librito de la historia y curiosidades de esta producción. Naturalmente, me la voy a pillar. Esta ocasión no se deja escapar.
No voy a dármelas de gran conocedor de esta película. Para eso ya hay otros. Simplemente deciros que dentro de la mitología cinematográfica, "Casablanca, ocupa junto a otras como "Lo que el viento se llevó" o "Psicosis", un lugar preferente dentro del Olimpo peliculero. Son de esas cintas que influyen no solo en el cine, si no también en la vida de cada uno de nosotros. Recordamos escenas (incluso si no la has visto), citas frases del guión, sabes como se llaman los personajes, hablas de ellos como si fueran de tu familia. En definitiva, forma parte de nosotros.
Y no es que sea de las más perfectas. Pero enamora desde la primera vez que la ves. Por su estilazo, por la pedazo de historia, por el cinismo y el resquemor de Bogart, por la belleza y el amor contenido de la Bergman, por la caradura del inspector Renault -Claude Rains-, por la sencillez de Dooley Wilson, como el inseparable compañero de Rick, Sam, por que el tiempo siga pasando pero nosotros no olvidemos la magia de "Casablanca".
El domingo la volveré a ver y de nuevo recordaré que siempre nos quedará París o Casablanca, que de todos los lugares del mundo, nos gustaría entrar en el bar de Rick, que cuando me enamoré, ellos vestían de gris y tú de azul, que siempre es un buen momento para comenzar una buena amistad y que en cualquier instante es el mejor para recordar que un beso es un beso y que el tiempo pasará.
Nosotros queremos seguir pasando el tiempo con ellos.

MARAVILLAS EN DOS MINUTOS

2005-01-21T14:13:00.000+01:00

Me gusta quedarme a ver los títulos de crédito. Y me quedo solo en el cine. El que viene a recoger la mierda que han dejado otros (palomitas, chicles, etc...) se me queda mirando y pensará: "Este es un freaky". Bueno, pues vale, me alegro. Es que lo mio es curiosidad por saber quien trabaja en una película, aunque a veces no conozca a nadie, pero a veces te llevas sorpresas como películas que no terminan con los títulos de crédito, tomas falsas, o cosas por el estilo.
Acabo de leer un reportajito en "Fotogramas", versión digital, que me ha encantado, sobre los títulos de crédito iniciales de algunas películas. Se pueden ver algunos trabajos, que son verdaderas maravillas comprimidas en dos o tres minutos. Mientras ves quienes son los actores, guionistas, directores, etc..., te deleitas con diseños, dibujos, colores y toda la parafernalia que conlleva un buen diseño.
Famosos son los de las películas de James Bond y llaman también la atención de films como "Anatomía de un asesinato" o "Atrápame si puedes" o "Seven". Maestros clásicos como Saul Bass y contemporáneos como Kyle Cooper, tienen su cabida también en este rincón por ofrecernos estas perlas del diseño que indudablemente hace el recibimiento de una película menos mortecino que los simples "letreros" sobre las imágenes de la película.

HISTORIAS DE DROGATAS

2005-01-16T21:16:00.000+01:00

Las sorpresas que a veces nos tiene reservadas el videoclub. Andaba yo un poco desorientado buscando alguna peli que me interesara, y cuando estaba a punto de coger "La vecina de al lado" (algún día habrá que verla), me pillo "Requiem por un sueño", sin saber que me va a deparar la peliculita de marras.
Bueno, estaba Jennifer Connelly que siempre es un estímulo y estaba también la madre de la niña de "El exorcista". Uno de los hermanos Wayans (¿cuántos son?) y Jared Leto al que habíamos visto en "El club de la lucha" y ahora en "Alejandro Magno".
Cuatro personajes. Un drogatilla, el amigo del drogatilla también colgado, ambos con ganas de hacer pasta en el mundo de los estupefacientes, la novia del drogatilla (también adicta) y la madre del drogatilla, un poco ida y al final..., bueno me lo reservo.
Me diréis, "es otra película de drogatas". Sí y no. Tiene algo que la hace especial. Sus imágenes rezuman cierto dinamismo y su estilo visual es cuanto menos curioso por no decir impactante. Lo mejor, el alucine de la madre con la nevera.
La última media hora, Darren Aronofsky la usa para, como no, preparar el desenlace del film, pero utilizando el esquema de entrelazar las historias de los personajes como hacía Coppola en la trilogía de "El padrino". Y Aronofsky no lo hace nada mal. Al final la película se te hace corta y todo.
Pues nada amigos, a ver si la pilláis, que yo voy a buscar su película anterior "Pi", que ya me he picado con este hombre, vamos a seguir investigando.

UNA VIDA REDUNDANTE

2005-01-09T20:16:00.000+01:00

Repetitiva. en efecto, ese puede ser el calificativo que le podemos otorgar a la vida del policía John McClane. Sí, sí. Ese tio de la camiseta pringosa, de malos modales, rudimentarias formas pero efectividad a prueba de bombas. Ese personaje que en 1987 se convirtió en mito del cine de acción con "La jungla de cristal".
Ahora que parece ser que se acerca la cuarta parte de la saga, quiero rendir un pequeño homenaje al papel que le dio fama al bueno de Bruce Willis (junto al David Addison de "Luz de luna"). Porque es un poli de los que gustan, de aquellos que cuando peor están te sueltan una frase lapidaria llena de ironía y que enerva al malo de turno. Porque la película es puro goce (muchos deberían aprender como se hace una peli de este género viendo "La jungla de cristal"). Porque los villanos son supermalos (a mi me encanta Alan Rickman-gracias, Raúl). Y porque a fin de cuentas, el cine se inventó para entretener a la gente y este film cumple con creces con su cometido.
La segunda también me gustó, pero ya había perdido el factor sorpresa. El ambientarla en un aeropuerto, en navidad, fue un buen punto. Ya se sabe que la gente con lo de los aviones es muy aprehensiva.
Y la tercera fue más un alargamiento innecesario que otra cosa, aunque siempre esté ahí la estimulante presencia de Jeremy Irons.
Ahora Willis y McTiernan (el director de primera y tercera) se vuelven a reunir (eso dicen) para hacer una cuarta, de la que poco se sabe. Hace un par de años, Willis (con su inseparable voz española a cargo de Ramón Langa) rodó un bodrio llamado "Lágrimas del sol" con la maciza Mónica Belluci, que en realidad tendría que haber sido esa cuarta parte de las aventuras de McClane. Pero no fue así afortunadamente para los seguidores.
Esperemos que el guión de la continuación sea algo más consistente y que John McClane nos vuelva a hacer vibrar con su "yipi-ha-yei, hijo de puta" y otras lindezas de similar categoría.

EL QUE BAILA CON LOBOS

2005-01-02T17:23:00.000+01:00

Ayer pusieron "Bailando con lobos". En versión extendida. Cuatro horitas que se convirtieron en cinco por los anuncios de Antena 3. La verdad es que las nuevas escenas no aportan gran cosa a una película redonda, revitalizadora del western en los 90.
Recuerdo de pequeño cuando iba al cine los sábados por la tarde. El cine del oeste nunca ha sido mi género favorito. Aún así amo algunas películas como "Centauros del desierto", "Johnny Guitar" u "Horizontes de grandeza". Pero prefería otro tipo de películas. El western cayó en el olvido, pero a partir de mediados de los 80 hubo algunos intentos por resucitarlo pero desde otra perspectiva. Los habituales duros y rudos vaqueros tipo John Wayne en busca del indio malo que había arrasado y violado, se convierten con el paso de los años en blancos con mucha mala sangre que se convierten en los pérfidos de la película.
"Bailando con lobos" es buen ejemplo de este western revisionista. La mejor película de Kevin Costner va más allá del cine de vaqueros. Es un fantástico retrato psicológico de unos personajes que se encuentran con algo distinto. Cambian sus vidas por ello y al final deben pagar las consecuencias de la incomprensión.
Algo parecido sucede con "Sin perdón", obra maestra de Clint Eastwood que se centra en las malas artes de un sheriff blanco (Gene Hackman) que centra su ira no en los indios, sino en unos personajes con mucho que esconder de sus vidas.
"Silverado" de Lawrence Kasdan y "El jinete pálido" revisitación del clásico "Raíces profundas" por Eastwood (he dicho revisitación, que no remake) son otros de los escasos ejemplos de un western de calidad hecho actualmente y que ya no cree en los indios como los malos de la historia.
"Bailando con lobos" volvió a llamarme la atención ayer. Su pausado ritmo, su fotografía, su buen guión (¿qué se sabe de Michael Blake?) y su espectacular partitura (loado sea John Barry por estas y otras grandes muestras de su buen hacer), hacen de esta película un magnífico pasquin reivindicativo de los derechos indígenas.
Algunos dicen que la Historia está para falsearla. Otros han comprobado como ese falseamiento les ha costado la desaparición.

SI LA AVENTURA TIENE UN NOMBRE, ESE ES INDIANA JONES

2005-01-02T17:07:00.000+01:00

Si se hiciera una lista con los personajes del cine más queridos, seguro que estaría el de Indiana Jones. Por muchas razones: es un aventurero, es arqueólogo amante de su trabajo, tiene hechuras de galán, está dotado de grandes dosis de ironía y sarcasmo y muchos hemos crecido con sus aventuras soñando ser como él.
He estado revisando la trilogía en esa impresionante edición en DVD que Lucas y Spielberg se han sacado de la manga. Tres horas de extras, curiosidades y la historia de cómo se gestó el mito, dan para mucho. Pero la conclusión a la que llegas es que de la mente de dos grandes mitómanos, apasionados por los seriales de aventuras de los sábados por la tarde, con un gran sentido de la aventura y del espectáculo y con ganas de hacer felices a la gente, donaron a la Humanidad una serie de películas que todo aquel que se dedica al cine le gustaría haber firmado.
Aparte de estar entre las películas más taquilleras, de seguir generando beneficios, de tener una legión de seguidores, la saga promete continuar con una cuarta parte que ha estado llena de problemas, cancelaciones y guionistas que han visto como sus libretos han acabado en la papelera de Lucas y Spielberg. Además Harrison Ford (bendito sea Tom Selleck que tuvo que irse a hacer "Magnum" y le dejó el papel a Ford) tiene una agenda de lo más cargada y el chaval se enfundará la cazadora raida con la sesentena cumplida. Los seguidores esperamos con ansiedad esa continuación, así como anhelamos ver el final de la segunda saga de "Star wars" que a pesar de no enganchar como la primera, a mí me sigue divirtiendo.
Steven Spielberg quería hacer una película de James Bond. George Lucas quería hacer un serial de aventuras en pantalla grande. Por allí pasaba el perro de Lucas, de nombre Indiana y este sirvió como excusa para que el director de "American graffiti" le sirviera en bandeja al "Rey Midas" de Hollywood, una de sus aportaciones a la cinematografía más recordadas.
Dentro de todo esto queda el miedo visceral de Indy a las serpientes, esos objetos rarísimos y mágicos tras lo que iba, sus mujeres de carácter, su ensimismado padre (que grande es Connery), sus amigos Sallah y Marcus Brody, Tapón, los nazis (gran Ronald Lacey en el papel de Toht), su látigo, su sombrero, su chaqueta, la bola gigante que amenaza con aplastarle, los bichos diversos, el caballero templario y sobre todo muchas personas felices de haber visto todo esto en una pantalla de cine.
Deberíamos canonizarlos a todos. Ningún Dios ha sido capaz de proporcionar tanta alegría.

ANDA..., ALÉGRAME EL DÍA

2004-12-25T20:51:00.000+01:00

Solo por el título ya sabéis de quien voy hablar.
El inspector Harry Callahan surgió de la mente de los hermanos Fink a principios de los 70 como la encarnación del policía que tiene que hacer cumplir la ley sea como sea. Muchos lo han tildado de fascista y, aunque es cierto que en algunas de sus actuaciones se nota un cierto tufillo facha, Harry "El sucio", siempre queda como héroe al final de sus aventuras.
Siempre ha sido un personaje que me ha fascinado. Esa aparente sencillez como policía, sus rudimentarios métodos en la investigación de un caso y como no, su Magnum 44, ante la que pocos maleantes podían rechistar.
La primera película de la pentalogía es un fantástico ejemplo del cine policiaco y cuenta con todos los ingredientes. Acción, suspense, muerte, un psicópata y una especie de Llanero Solitario contemporáneo que tiene que aguantar a sus jefecillos a pesar de que estos no le aguantan a el. Siempre he creido ver en esta película un avance del realismo que impondrían luego cineastas como Scorsese, Coppola o Cimino. El gran guión de John Milius (también autor de "Apocalypse now") y la soberbia dirección de Don Siegel, hacen de esta película una de las cumbres del policiaco.
Luego vienen cuatro secuelas, que mantienen el espíritu y la dignidad de Callahan bien alto, aunque algunas de las películas sufren algunos bajones, especialmente en la última "La lista negra", que a mi entender careció de buen director. Aún así contiene momentos realmente buenos, como el final con el arpón o la persecución del coche de control remoto.
En cuanto a los malos también son de los que gustan, o de los que son atractivos como pérfidos infractores de la ley. El loco Scorpio, la cuadrilla de policías que se plantea eliminar la escoria de la sociedad, el grupo terrorista Acción Revolucionaria (buen final en Alcatraz), la pintora vengativa de "Impacto súbito" y el colgado envidioso del director de cine, resultan muy efectivos como contrincantes de Harry-Clint Eastwood.
Pero muchos recordaréis estas películas por frases antológicas como la de "Anda, alégrame el día" (me gusta más esta que el original, "Go ahead, make my day") o "Nosotros no vamos a permitir que lo hagas", a lo que el ladrón pregunta: "¿Nosotros?", y Harry dice: "Smith, Wesson y yo" y saca la pistola. Pero a mi la que me parece más guay, por así decirlo es la de "Se lo que estás pensando. Si he disparado 5 o 6 veces. Pero yo en tu lugar, sabiendo que esta es una Magnum 44, el arma más poderosa del mundo, que podría volarte de un disparo los sesos a gran distancia, me preguntaría: ¿Es mi día de suerte?"
Todo un aviso.
Por cierto, el "Anda, alégrame el día", es pronunciado por Callahan el la cuarta película de la serie "Impacto súbito". Es que muchos creen que lo dice en la primera. Y no es así, oiga.

EL SAMURAI CIEGO

2004-12-22T21:20:00.000+01:00

Se vive un fantástico florecimiento del cine oriental. Y en diversos géneros, aunque el que más destaca es el de terror.
Siempre me ha atraido el cine asiático. Cuando era más joven, aparte de ver las típicas películas de kung-fu, recuerdo haber quedado embobado con algunas imágenes de "Ran" la película de Akira Kurosawa, versión libre de "El rey Lear" shakesperiano. Logicamente no le seguí muy bien el hilo, pero hubo imágenes que se me quedaron grabadas en la mente. También disfruté en mi adolescencia con maravillas del anime como "Ghost in the shell" o "Akira" y eso, a pesar de que no soy gran fan de la animación nipona. Ultimamente he visto algunas películas que me recuerdan el preciosista estilo visual del maestro Kurosawa. "Tigre y dragón" fue la espoleta, creo yo, que abrió las mentes de muchos occidentales hacia un cine de calidad y que cautiva hecho desde el Lejano Oriente. Zhang Yimou me impresionó con una película bellísima de artes marciales, "Hero", de la que algo ya comenté meses pasados y ahora Takeshi Kitano me ha hecho disfrutar con "Zatoichi", film que narra como un samurai ciego acaba con una banda de ladrones solo con sus sentidos y su katana.
Kitano es todo un personaje. Actor, director, guionista, montador, ha participado en significativas películas como "Brother", "Hana bi", "Battle Royale" o "Feliz Navidad, Mr. Lawrence(fantástica la partitura de Ryuichi Sakamoto). Gusta de la espectacularidad y el lirismo y "Zatoichi" es un buen ejemplo de ello.
¡Y encima nos mete un número musical en la película!
Algunos corren riesgos y les sale una película redonda. Otros son Jerry Bruckheimer y solo hacen ruido.

EL MENSAJERO DEL MIEDO

2004-12-18T13:02:00.000+01:00

Me gusta este título. Normalmente soy bastante reacio a utilizar los títulos originales de las películas. Se supone que el castellano es un idioma los suficientemente rico como para traducir todos los títulos que nos llegan. Pero no, queda mas "guay" no traducir y es mejor decir "Gangs of New York" que "Bandas de Nueva York", por poner un ejemplo.
A veces las traducciones resultan penosas y no tiene nada que ver con el título original o con el argumento de la peli, pero en el caso que nos ocupa, me gusta más la nomenclatura en castellano que en inglés. "El mensajero del miedo" es un gran nombre para un film que originalmente se llama "The manchurian candidate" ("El candidato de Manchuria").
No me voy a referir a la versión de Jonathan Demme con Denzel Washington, no la he visto. Dicen que es una buena recreación, un buen remake. Quiero comentaros algo sobre la primigenia, la dirigida en el 62 por un experto en el thriller, John Frankenheimer, recientemente fallecido, y protagonizada por Frank Sinatra y Lawrence Harvey.
La historia va de unos militares american que en la guerra de Corea son apresados por el enemigo y sometidos a un lavado de cerebro. A uno de ellos, Raymond Shaw (Harvey), se le introducen especiales órdenes que le tiene que llevar a matar al presidente de los USA. Todos sus compañeros, tiene pesadillas recurrentes y uno de ellos, Bennet Marco (Sinatra), empieza a investigar y da con el enigma. El resto no lo cuento por si no habéis visto ninguna de las dos versiones. Me figuro que con leves variaciones, la de Demme discurrirá por semejantes derroteros.
El argumento es fascinante. En plena guerra fría, se nos habla de conspiración, tejemanejes en las altas esferas yankees, el papel del ejército y eso que le es tan querido a los americanos, el honor, el patriotismo, etc... Eso sería lo que más me desagrada en una película que engancha desde el primer momento. Esencial la escena de los soldados ante el enemigo que le está lavando el cerebro. Conejillos de indias observados por la cúpula militar enemiga. Todo un alarde de montaje (los soldados creen estar en una reunion de viejecitas amantes de las gardenias, cuando en realidad los que tienen delante son sus captores).
Además la cinta es una prueba palpable de lo gran actor que era Sinatra, muchas veces minusvalorado en beneficio de su actividad canora. Para mi, ha participado en grandes películas como "De aquí a la eternidad", ganó un Oscar por esta, "El hombre del brazo de oro", gran papel de drogadicto, algo muy audaz para la época y para su persona, "La cuadrilla de los once", en el papel que ahora ocupa George Clooney y esta que nos ocupa.
No se si tenéis acceso a esta película, está en DVD, pero si no, por lo menos echadle un vistazo a la nueva. Han usado el mismo argumento y casi el mismo guión, según me cuentan. Imaginaos a Sinatra en vez de Washington (no tengo nada contra este, que quede claro) y a los "amarillos", en vez de una corporación sin escrúpulos, y os acercaréis al mundo de 1962. Terrible mundo por otra parte.

TIERRA Y LIBERTAD

2004-12-11T17:57:00.000+01:00

"A las barricadas, a las barricadas, por el triunfo de la Confederación" o "Arriba parias de la tierra, en pie famelica legión, los proletarios gritan guerra, hasta el fin de la opresión".
Los que me conocen saben de que pie cojeo ideologicamente hablando. No es que me caracterice por ser un furibundo comunista o un desengañado anarquista, pero cuando escucho estas viejas canciones, un resorte se pone en marcha dentro de mi y no tengo otro remedio que pensar en hechos del pasado.
En mis años de carrera en la facultad, vi la película de Ken Loach (para algunos un removedor de conciencias, para otros un agitador e incluso terrorista visual) "Tierra y libertad". Mantengo una peculiar relación con esta película. Siempre acabo emocionado. No es una película fácil de digerir. No es precisamente para divertirse viéndola. Pero sin lugar a dudas, escarba en un momento de nuestra Historia que resulta doloroso para muchas personas y yo me incluyo entre ellas. La Guerra Civil y las luchas intestinas en el bando republicano, en concreto las que llevaron a la desaparición de las milicias del POUM (Partido Obrero Unificado Marxista) a manos del Ejército Popular.
Sobrecoge y enorgullece la historia de un desempleado inglés que dejándolo todo en su tierra se viene a España a luchar por algo en lo que cree. Y lo que ve -los desastres de la guerra, las peleas internas, el fundamentalismo ideológico- le trastorna sobremanera. Siempre me ha recordado al magnífico relato de Orwell "Homenaje a Cataluña" y debe hacerlo, ya que el autor de "1984" militó en las filas del POUM, en el frente catalán, muy cerca del aragonés donde se desarrolla la acción del film.
Tiene mucho mérito el cine de Loach. Y más aún filmar una película sin guión aparente. Los actores llegaban al set de rodaje (en este caso escenarios naturales) e improvisaban siguiendo las instrucciones que el director había dictado al principio de cada toma. Se ve muy bien en la escena de la Asamblea en casa del cura recién tomada por la milicia. Puro cine Dogma en estado puro. Y si no que venga Von Trier y lo vea.
Lloré la primera vez que vi "Tierra y libertad" en el Aula Magna de mi facultad.
Volví a hacerlo el martes pasado.
Algunos seguimos creyendo en que hay demasiada injusticia y habría que resistir hasta "la lucha final".

PODEMOS RECORDARLO POR USTED

2004-12-10T18:57:00.000+01:00

Veis, eso es vida. Después de una jornada agotadora en el trabajo. Llegas a casa, te pones cómodo, bebes una cervecita mientras se hace la cena y te pones a ver "Desafio total", otra de esas películas que los sesudos críticos ponen a parir pero que a ti te gustan.
No sé que tiene los escritos de Philip K. Dick que me gustan. Bueno, sí lo se. Buena acción, escenarios de otros mundos (algunos están en este), personajes heroicos y antiheroicos y encima todo ello en un espacio realmente reducido.
Los más famosos relatos de Dick se han llevado a la pantalla y de casi todos ellos he sacado alguna virtud, aunque indudablemente mi triada favorita de adaptaciones la componen "Blade Runner", "Minority report" y "Desafio total"
Esta es una película de acción pura y dura. Una historia de partida interesante (el relato no discurre de igual forma que la película) y un guión excelente de los creadores de "Alien" fenomenalmente aprovechado por un Paul Verhoeven en sus mejores momentos, antes de entregar pifias como "Showgirls".
El estilo visual es fascinante y la recreación de un Marte habitado muy acertada, aunque pienso que sería de esta película en la actualidad, hecha con las tecnologías de hoy. Ciertamente algunos aspectos han quedado algo anticuados y eso que solo han pasado 14 años.
Siempre recordaremos algunas escenas en las que el buen hacer del especialista en maquillaje y efectos, Rob Bottin, fueron las protagonistas, como cuando Schwarzenegger llega a Marte travestido de mujer y se quita la cabeza descubriendo su identidad, o cuando se saca el localizador del cerebro. Da un poquito de grima, ya lo se.
En fin siempre está entre mis favoritas para pasar el rato y enseñar a las nuevas generaciones como se hace ciencia ficcion (que no es lo que aparece en "Las crónicas de Riddick" por poner un ejemplo).
Y no nos olvidemos de Jerry Goldsmith y su pedazo de música de los títulos de crédito. El Canal+ lleva 13 años usandola por el fútbol y es de lo poco que no ha cambiado.
Es que es chula, chula, reconozcámoslo.

DESMEMORIADO

2004-12-03T13:19:00.000+01:00

Ayer volví a ver "Memento". La primera vez me pareció apabullantemente buena y desde entonces la considero una de las mejores películas USA de los últimos años. Pasó algo desapercibida en su día, pero es lo que pasa con las películas llamadas "de culto", que nadie se entera de ellas y luego alguien la ve y lo va comentando por ahí hasta que alcanza una legión de fieles adeptos.
Película rara, ambigua, empieza por el final y termina por el principio. Naturalmente el montaje (a cargo de Dody Dorn) juega un papel fundamental en esta cinta e injustamente no le dieron el Oscar ese año (creo que se lo llevó Pietro Scalia por "Black Hawk derribado"). Un montaje sincopado, literalmente con la película hecha trozos y editada a la inversa. Creo que en la edición en DVD hay un "easter egg" donde se puede ver la película en la secuencia temporal normal. Pero resulta un ejercicio estilístico más oportuno el realizado por Christopher Nolan, un director prometedor de escasa carrera, pero que aparte de esta maravilla también se ha encargado de "Insomnia" con Al Pacino y Robin Williams, un thriller aceptable y algo ambiguo también y ahora están el la postproducción de "Batman Begins".
Un crimen, una venganza, unas pistas, unos compañeros de viaje que intentan ayudar o no al personaje de Guy Pearce y la memoria de este. Una historia simple que se troca en impensable, delirante, desasosegante y a la vez, ceo que bella. Las imágenes que más me gustaron son las de los recuerdos que Lenny tenía de su mujer. Nada de ambientes romanticones y melosos, ni un solo beso. Solo su mirada.
La mirada de alguien que se aferra a sus recuerdos..., antes de perderlos.

HACE MUCHO TIEMPO, EN UNA GALAXIA MUY, MUY LEJANA,... (II)

2004-12-02T17:31:00.000+01:00

Como culminación de mi anterior post, os quiero comentar que aunque algunos críticos flipados critiquen la segunda trilogía galáctica, que en realidad es la primera (no liaros, mis pequeños); yo encuentro suficientes alicientes como para esperar con ansia el estreno de la tercera y por lo visto, última parte de la hexalogía (se dirá así, ¿no?). Estas últimas películas contienen algunos momentos buenos y hay que reconocer que George Lucas no deja nada a la improvisación y al guión no se le notan muchas inconexiones. Y eso con una historia con tantas tramas y subtramas.
Aunque eso sí que es incuestionable. Como la primera no hay nada.
P.S.: Adhirámonos a la Asociación para el Exterminio de Jar Jar Binks.

HACE MUCHO TIEMPO, EN UNA GALAXIA MUY, MUY LEJANA...

2004-12-02T13:03:00.000+01:00

Demos gracias por la existencia en este mundo de un ser como George Lucas, creador de dos sagas con las que muchos hemos crecido y que hoy forman parte de nuestro imaginario particular: la de "Indiana Jones", de la que nos ocuparemos otro día y la de "La guerra de las galaxias", verdadera trilogía mitológica para muchos y un gran negocio para otros, entre los que se encuentra, claro está, el señor Lucas.
Si hablo de mitología es porque realmente siempre me ha parecido una traslación fantacientífica de los personajes y universos creados por Homero u Ovidio. Personajes deificados, aventuras llenas de peligros, multitud de escenarios, un fatum predeterminado y un final apabullante con catársis colectiva incluida.
Millones de fans deben sentir lo mismo que el que suscribe cuando piensa en la trilogía lucasiana. De pequeño gozé cuando un sábado por la tarde fui al cine cercano a mi casa y me quedé embobado con las correrías espaciales de Luke Skywalker y sus amigos. ¡Qué fascinación me causaba ver a tantos monstruitos! Ewoks, gun gans, wookies, etc... son seres que van ya inseparablemente unidos a personajes de carne y hueso como Han Solo, un ladrón, contrabandista y chulito que era mi héroe (aún lo es), la aguerrida princesa Leia y ¡oh! su hermano Luke Skywalker, al principio un tanto pánfilo pero que luego llega a ser el gran salvador de la República y de paso de la casi extinta Orden de los Jedi (pronúnciese "yedai"). ¡Qué gozosa escena cuando el maligno reverso oscuro de la Fuerza, Darth Vader -el padre oscuro-, le dice a Luke aquello de "Yo soooy tu padre"! Y después va y le corta la mano.
Persecuciones estelares en la hipervelocidad, lugares extraños y llenos de peligros (fantástico cuando se metieron en la boca de aquel monstruo para escapar de los cazas imperiales), cachivaches chulos como el "Halcón Milenario", las motos de los guardias imperiales, aquella especie de tanques que parecían camellos hi-tech y por supuesto, los sables láser que cualquier niño quisiera tener.
Todo esto salió de la imaginación del señor Lucas y de algunos buenos guionistas como Lawrence Kasdan (director y también guionista de Indiana Jones), sin olvidar a los aspectos técnicos en especial los de efectos especiales y espaciales. Esta trilogía fue la iniciadora del camino de la tecnología digital y la constatación de la Industrial Light and Magic (ILM) como la gran dominadora de este campo. Junto con "2001: una odisea en el espacio" y "Terminator 2" son los tres puntales del desarrollo de los F/X.
Ahora tenemos la oportunidad de disfrutar en formato DVD de esta impresionante saga y soñar que volvemos a Tatooine, en busca de Luke, que estamos ante Jabba el Hutt rogando por la vida de Han Solo o que luchamos a brazo partido (o mejor dicho a mano cortada) con Darth Vader. Os cuento un secreto: a mi siempre me ha gustado Darth Vader y su máscara. Que se le va a hacer. Siempre me gustaron los malos.

SOBRE ALIENS Y DEPREDADORES (II)

2004-11-24T17:48:00.000+01:00

Hoy le toca el turno al otro protagonista de "AvP". Ese pedazo de guerrero galáctico (que no es que juegue en el Real Madrid, sino que viene de otros mundos) que le hizo la vida imposible al buenazo de Arnold Schwarzenegger hace unos añitos en la película dirigida por John McTiernan.
La verdad es que la historia (de los hermanos Thomas) es un pelín simple. Un comando de esos yankees, que se supone que están en misión secreta. Vamos como el Equipo A pero un poquito más sanguinolentos. Se hallan, el comando no Hannibal y compañía, en Centroamérica, nido de narcotraficantes y de presidentes de repúblicas bananeras corruptas como todo el mundo sabe, donde deberán cargarse a los malos. Pero hete aquí, que el verdadero enemigo es casi invisible y tiene una mala hostia del copón. Y claro se va a ensañar con los pobrecitos soldados gringos.
Al frente del pelotón el actual gobernador californiano y Apollo Creed, o sea, el primer contrincante de Rocky en la ídem, pero que en su casa se le conoce más como Carl Weathers.
Ya he dicho que la historia es simplona. El bicho se ensaña con todos y va acabando con los aguerridos soldados hasta que al final juega al ratón y al gato o mejor dicho al soldado y al bicho que le quiere pillar con el héroe, un Schwarzenegger que hasta se tiene que meter en barro para pasar inadvertido.
Y dentro del alienígena (que entonces la animación 3D no estaba tan desarrollada) nos encontramos a un tipo bastante fornido llamado Kevin Peter Hall, que para los curiosos también se metió en la peluda piel de Harry el bigfoot de los Henderson.
La película tampoco es que sea una maravilla pero siempre es de aquellas que uno pone en un día televisivo aburrido porque joder, es divertida.

SOBRE ALIENS Y DEPREDADORES

2004-11-19T13:22:00.000+01:00

Después de millones de e-mails recibidos pidiéndome que hable sobre ciencia ficción, he decidido instruiros sobre tan noble género cinematográfico después de una descacharrante misiva de mi hermano Koldo, fiel seguidor de las sagas que tengan que ver con naves espaciales y bichitos ultraplanetarios. Así que, en deferencia hacia él, me dispongo a acercaros a los mundos ocupados por Depredadores, Aliens y demás fauna extraterrestre (exceptuando a E.T.).
Al igual que Koldo, soy fiel seguidor de los personajes salidos de la creativa mente de Dan O'Bannon y Ronald Sushett, guionistas del primer "Alien" (1979), cuyo libreto dirigió el hoy celebérrimo Ridley Scott convirtiendo la película en una muestra del mejor cine sci-fi. Para mí es un film noir pero trasladado al espacio y con una heroina, en vez de héroe. Sabed que el papel de la teniente Ripley, estaba escrito para un actor (se decía que para Paul Newman), pero la cosa se torció y Sigourney Weaver, hasta entonces una desconocida (v.g. había salido de refilón en "Annie Hall"), se quedó con el papel. Pero claro, este estaba hecho a la medida de un hombre (carreritas, armas, determinación masculina), pero la Weaver dijo que no se cambiara nada para adaptarlo a una mujer, que ella se encargaba de hacerlo a su forma. Y creó uno de los personajes de acción más famosos y valorados. Vamos que si no tenemos a Ripley, no hay Alien que valga. De ahí que tras la muerte en "Alien 3", tuvieran que resucitarla, clonándola en la agradable "Alien resurrección", del francés Jeunet.
Así que creo, amigo Koldo, que aunque "Alien vs. Predator" sea entretenida, no será lo mismo porque no está ella, aunque si pervive el personaje de Charles Bishop Weyland, el magnate dueño de la empresa para la que en un futuro trabajará Ripley y creador del androide de mismas facciones que sale en "Aliens: el regreso" y "Alien 3" ("AvP" es una precuela del primer "Alien", tiene lugar 150 años antes), la cosa no será la misma.
De todas la tetralogía, que está en DVD con muchísimos extras (recomendable por supuesto), yo me quedo con la primera y la segunda. "Alien" era la sorpresa. "Aliens: el regreso", la acción pura y dura (¡qué maravilla la reina poniendo huevos!), "Alien 3", la más rutinaria a pesar de estar dirigida por David Fincher que luego nos entregaría maravillas como "Seven" o "La habitación del pánico" y "Alien resurrección", pues eso la resurrección de la saga que promete nuevas entregas con Sigourney Weaver.
De estas películas nos han quedado imágenes imborrables, como la salida del primer "bichito" del estómago de John Hurt en la primera, la madriguera de la reina en la segunda, o el casi beso que se dan animalito y la teniente en la última.
Grandes escenas que nos dejan babeando cual alien en espera de un renacimiento de la serie que esperamos sea próximo.
Y aquí nos paramos por hoy. En próximos días hablaremos de los dos "Depredadores" y ya que estamos metidos en harina prometo un post sobre "Star Wars".
Y sí, Koldo. La trilogía original, es insuperable.

EL TORO DEL BRONX

2004-11-15T17:49:00.000+01:00

Este fin de semana cogí "Toro Salvaje". Me apetecía volver a ver a un Bobby de Niro con la cara hecha ciscos. Me apetecía volver a ver el montaje de Thelma Schoonmaker. Me apetecía ver los truquitos de cámara de Scorsese. Me apetecía ver a Joe Pesci como ese hermano ficticio y casi real de De Niro. Me apetecía disfrutar de un espectáculo que enaltece los valores del boxeo y desprecia ciertas actitudes humanas. Por todo eso y por mucho más, esta es una de mis películas de cabecera. De esas que podría ver un millón de veces.
No me voy poner pedante con datos y con anécdotas. Solo quiero que si no la habéis visto, la cojáis inmediatamente y disfrutad de esas peleas planeadas al milímetro (los golpes y caidas se rodaron tal como sucedieron en los combates reales), de ese uso del blanco y negro (en el estudio le dijeron que no se atreviera a rodar en ese formato), del efectista montaje y de ese animal que se llama Robert de Niro junior y que fue capaz de engordar casi 30 kilos, adelgazar, volver a engordar y volver a adelgazar por llevar a la pantalla la vida de Jake La Motta, boxeador de los años 40, campeón mundial de los medios y un mierda como persona.
No es una película de boxeo (para eso está Rocky, con sus peleas interminables) sino sobre el boxeo y la vida. La vida de La Motta que junto con su ex-mujer fue al estreno y después de ver la película, le preguntó:
- ¿En verdad era así?
Su mujer respondió:
- No, eras peor.

¡COBARDE YO!

2004-11-13T19:52:00.000+01:00

Como se que a mi amigo Javi Ragel le chifla, le gusta, le apasiona la trilogía de "Regreso al futuro", me he propuesto hablaros un poquito de la misma para que vea lo guay que soy. Ya hace tiempo le comenté que un día de esto hablaría de las locuras de Marty Mcfly y del doctor Emmet Brown y aquí cumplo con ello.
El tema de los viajes en el tiempo es redundante en la historia del cine. En los últimos años hemos visto algunas películas, esencialmente malas, que con el hilo conductor de los viajes en el tiempo han intentado emular en imágenes lo que Herbert George Wells puso en papel hace unos cuantos años en su magnnífica novela "La máquina del tiempo".
La febril mente de Steven Spielberg quiso tocar el tema pero desde una perspectiva más juvenil y cachonda y se decidió a producir un guión que Bob Gale le presentó. El tercer pilar del proyecto fue un Robert Zemeckis que empezaba a convertirse en alguien respetado en la industria. Ya había entregado un digno trabajo de aventuras con Michael Douglas llamado "Tras el corazón verde".
Faltaba por contratar a un actor jóven para el personaje principal y ahí dieron con el eterno adolescente Michael J. Fox que iba a encontrarse con el papel de su vida, un Marty Mcfly caricaturesco y con aspectos tan acusados como su ¿cobardía? cuando se tenía que enfrentar a Biff Tannen. A su lado su inseparable novia y futura mujer Lorraine (encarnada por la nefasta actriz Lea Thompson) y el loco de Emmet Brown, conocido familiarmente por Doc.
Resulta que Doc creó la máquina del tiempo que le iba a causar muchas cefaleas y esta tenía la forma de un DeLorean, coche molón en los 80, pero que queréis que os diga a mi me gustaba más Kitt, el Pontiac de "El coche fantástico".
Esta trilogía es de aquel tipo de cine del que muchos reniegan, pero del que yo soy fiel seguidor por una simple e incuestionable razón: es divertido y si seguimos las lecciones de sir Alfred Hitchcock, esta es la función primigenia del cine.
Tres aventuras muy distintas entre sí (me pirro por la tercera, en el Oeste. Impagable cuando unos "malos" se extrañan porque Fox escoge el nombre de un tal Clint Eastwood), que te mantiene pegado al sillón y que si se acompaña de una cervecita y unas palomitas, tenemos una tardecita completa de buen cine.
Como yo no he sido un cobarde como Mcfly, me he atrevido a hablar de estas películas y eso que no las veo desde hace años. Y todo por la amistad.
¡Que bodito y que herboso!

SEXO GRATIS

2004-11-13T13:14:00.000+01:00

Pues ya tenía ganas de escribir sobre el cine porno. Sí señores, vamos a dejarnos ya de hipocresía barata y reconozcamos que el porno es un género más, no voy a decir como otro cualquiera, porque tiene sus peculiaridades, pero si que debemos aceptarlo como muestra cinematográfica. Ya sabeis, si os gusta a disfrutar, si no, os ponéis a ver otra cosa. Como si no os gusta una película de Abbas Kiarostami y la cambiais por una de Jean Claude Van Damme.
Debo reconocer que el porno tiene hoy una consideración no tan marginal como la que tenía en los 70 y principios de los 80. Ilustran muy bien esta etapa dos películas recientes: "Wonderland" una especie de biopic del rey del porno, John Holmes, a cargo de Val Kilmer y la espléndida "Boogie nights", que basándose precisamente en la vida de Holmes, trata de describir el panorama pornográfico en esos años que mencionaba antes.
Las anteriores miradas furtivas y a escondidas a una película porno se han tornado hoy en una apertura sin precedentes como demuestra el Festival de Cine Erótico de Barcelona que se celebra cada año en esa ciudad, un certamen que va creciendo y que nos trae nuevas propuestas, algunas de ellas novedosas, como la primera cinta rodada en catalán a cargo de Conrad Son.
El porno nos ha legado mitos incuestionables desde los iniciadores (no me remonto a los albores del cinematográfico porque esa es otra, el porno nació a la par que el cine) en los 70 John Holmes o Tracy Lords hasta actores como Rocco Sifredi, verdadero dios del porno ahora retirado por razones familiares o las cotizadísimas Sylvie Saint o Jena Jameson, protagonistas de numerosos sueños húmedos de adolescentes por todo el mundo, pasando por la floreciente industria española con Nacho Vidal (protegido de Sifredi) como estandarte, sin olvidarnos de Toni Ribas que se está haciendo un huequecito en este mundo.
No quiero tampoco olvidarme del entrañable, gordito y peludo Ron Jeremy, que tantos gratos momentos ha hecho pasar a fans de todo el mundo y que visitó Barcelona en la última edición del Festival para delicia de sus seguidores.
Hoy día el porno se ha despojado de ese carácter marginal, "sucio" y envuelto en problemas (prostitución, mafias, droga) que tuvo antaño. Incluso los controles sanitarios se han impuesto como obligatorios, pero lo que es verdaderamente de agradecer es que se ha subido el nivel de calidad exigible a una producción cinematográfica. Hoy ya no se ve solo el típico mete y saca, aunque es algo ineludible por supuesto, sino que las historias son más elaboradas y la gente opta cada vez más por estas historias. En este tipo de porno nuestro país es uno de los punteros.
La verdad prefiero ver un poco de diálogo antes que dejarme los ojos intentando ver el Canal 47.
El arte es el arte, amigos.

LA ABUELITA CAPRA

2004-11-12T13:31:00.000+01:00

Os apuesto lo que sea. Lo que sea. Seguro que estas Navidades alguna cadena de televisión programará "¡Qué bello es vivir!" la película de Frank Capra con James Stewart.
Es típico que todos los años se emita esta historia de buenos sentimientos, de buen rollito como decimos ahora sobre un tipo normal que está a punto de suicidarse porque todo le va mal y al que un ángel salva de su cruel destino al hacerle ver lo distinta que hubiera sido la vida sin él en este mundo.
Algún crítico llamó en su día a su director "la abuelita Capra" por aquello de ser tan dulce como ellas en las historias que contaba. Y ciertamente no podemos decir que Capra fuera un Peckinpah o un Kazan o un Tarantino. Sus historias amables y hasta cierto punto edulcoradas eran lo que su público (muy numeroso) buscaba en sus películas. Y él claro está se lo daba. Era lo que hacía también Alfred Hitchcock, darle al público lo que quería.
Frank Capra era un tio listo. Director de talento, se le puede achacar dirigir historias facilonas pero con mucha fuerza. Si no tenéis que ver alguna de sus películas. La ya citada o "Sucedió una noche" (mi favorita), "Caballero sin espada" o "Juan nadie". En todas ellas por poco interesado que estés, siempre te engancha la historia, contada de forma sencilla y sin tirar de artificios.
Luego era un as en la dirección de actores. Trabajó mucho con Stewart y se compenetraban a la perfección pero era capaz de sacar lo mejor de actores de segunda fila semidesconocidos.
También podemos incluirlo dentro de los grandes en la "screwball comedy" junto a los Lubitsch o Wilder. Sus historias a menudo agridulces terminaban siempre con una sonrisa pero al contrario de muchos críticos, no creo que fuera por que el tio era un repipi y un ñoño si no porque la época en la que desarrolló gran parte de su carrera, lo requería. Recordemos el crack bursatil del 29, la Gran Depresión, el período de entreguerras y la II Guerra Mundial. Indudablemente Capra ya había visto mucho horror en el conflicto (fue documentalista) como para atormentar al pueblo americano con más sangre en sus films.
Así que creo que cumplió un fin social y la gente se lo agradecía. Incluso la Academia se lo agradeció premiándolo en varias ocasiones.
Bueno, siento que estas Navidades ganaré alguna apuesta porque seguro que veremos las aventuras y desventuras de George Bailey en la pantalla pequeña y todos nos volveremos a llenar de buenos sentimientos para después olvidarnos de todo en enero.
Si nos viera la abuelita Capra...

AMELIE Y SUS COSAS

2004-11-11T13:31:00.000+01:00

Los franceses tiene un cariño superlativo por lo suyo. Algunos lo llaman chovinismo. Esta definición viene dada por el dolor de ver como ellos hacen algo y lo defienden hasta la muerte.
Ya he dicho aquí que el cine es uno de sus productos más queridos y ultimamente hemos visto varios ejemplos de cine francés con gran aceptación en el resto del mundo: "Los ríos de color púrpura", "Vidocq" o "Amelie".
Esta última me fascina. Bueno, en realidad me fascina el cine de Jean Pierre Jeunet que junto a su colega Marc Caro crearon un particular universo en films como "Delicatessen" o "La ciudad de los niños perdidos". Revolucionaron el cine galo, le dieron un nuevo dinamismo, un nuevo estilo visual y muchos lo han copiado (Pitof, director de "Vidocq" o "Catwoman", no en vano trabajó con ellos) no solo en Francia, sino también en otras partes.
"Amelie" fue la apuesta de Jeunet para después de su incursión yankee donde dió nuevos bríos a la serie de "Alien" dotándola de renovada frescura y dejando la puerta abierta a futuras continuaciones.
"Amelie" supuso muchas cosas. La confirmación del cine francés como el más poderoso de Europa, la explosión en taquilla de una película deliciosa, vertiginosa, hilarante, onírica, desternillante e incluso deseable en el actual panorama fílmico. También supuso el lanzamiento de Audrey Tautou, ahora enrolada en mayores empresas y la consagración de un grupo fantástico de intérpretes como Dominique Pinon (fetiche del dúo Caro-Jeunet) o Mathieu Kassovitz.
Finalmente ha colocado a su director como el más cotizado dentro del mundillo y su reciente estreno en Francia "Un long dimanche de fiançailles" se ha saludado como el gran estreno del año, incluso ha contratado a Jodie Foster para la función.
No se cansa uno de ver "Amelie". Es una película que se ve de un tirón y que cuenta con un guión fácil y difícil a la vez. Es un historia facilona, pero desarrollada con gran pericia debido a los numerosos recovecos de la historia. Se crea una maraña de personajes entrañables y uno se sumerge de inmediato en el universo de Amelie, incluso uno se involucra en el marco, ese Montmartre colorista en el que a todos nos gustaría vivir.
En fin, a mi me gustaría que Amelie Poulain viviera cerquita mia y que a pesar de sus manías, viniera a hacerme un favorcito (y no seáis mal pensados) y me hiciera un poquito más feliz.
¿A vosotros no?

JOHN DOE

2004-11-03T19:13:00.000+01:00

Se hizo llamar Juan Nadie en la impactante "Seven", pero no es un don nadie este señor que parece que no hace nada, pero que es uno de los mejores actores de la última década. Dos Oscars (aunque tampoco es que yo le de mucho valor a los premios de la Academia) avalan la trayectoria de Kevin Spacey. Un tipo que apareció de un día para otro en nuestras vidas y ahí se quedó, como si fuera un vecinito normal, como el Lester Burnham de "American beauty", como el Jim Williams de esa incomprendida perla eastwoodiana que fue "Medianoche en el jardín del bien y del mal". Un tipo que se instaló en nuestras vidas y desde entonces nos regala interpretaciones de tipos que parecen ser de lo más normalitos y secundarios pero que se comen a cualquiera que se descuide.
Estos ejemplos mencionados son prueba de ello. Muchos de vosotros os quedaréis con el John Doe perseguidor de pecados, pero mi interpretación favorita de Spacey es la de "Sospechosos habituales", el tullido, Verbal Kint, el tonto no tan tonto de la función, el que tuvo la gran idea de atracar un furgón y el gran demiurgo de la historia. Merecido Oscar el que le dieron. Y es que cuando miro su cara en ese film, me estremezco de saberme ya el desenlace, pero a la vez me maravillo de su técnica, se saber guarecerse bajo ese disfraz de desamparado. Ahí está el gran Kevin para recordar a muchos incautos metidos a actores como se trabaja en Hollywood.
El hombre es un todoterreno. Ha hecho comedia, drama, acción e incluso ha dirigido dos películas: "Albino Alligator" en el 96 y ahora mismo tiene en fase de postproducción "Beyond the sea", como la canción que cantaban algunos crooners en los 50 y 60.
No siempre reluce el oro spaceyano. Se ha metido en algunas aventuras más bien alimenticias que no le hacen honor. Pero como es un tio franco y honesto, le perdonamos esos escarceos menores.
Como no podemos perdonar a un tio que mantiene un teatro independiente y que encima es capaz de descabezar a Gwyneth Paltrow. Pobre Brad Pitt.

¿QUIERES SER GUIONISTA?

2004-10-29T13:50:00.000+02:00

Consejos de Billy Wilder a los guionistas:

1. El público es voluble.
2. Hay que agarrarle por el cuello y no soltarle.
3. Desarrolla una línea de acción clara para el personaje principal.
4. Ten claro hacia dónde vas.
5. Cuanta más sutileza y elegancia se tiene para ocultar los elementos de la trama, mejor escritor
se es.
6. Si tienes problemas con el tercer acto, el verdadero problema está en el primero.
7. Un consejo de Lubitsch: deja que el público sume dos y dos. Te querrán siempre.
8. Al hacer narraciones en off, ten cuidado de no describir lo que ya está viendo el público. Añade
algo nuevo a lo que ven.
9. Lo que ocurre al final del segundo acto es lo que desencadena el final de la película.
10. El tercer acto debe ir creciendo, creciendo, creciendo, en ritmo y en acción, hasta el último
suceso, y entonces...
11. ... ya está. No le des más vueltas.

CROWE, Cameron: "Conversaciones con Billy Wilder"
Alianza Editorial, Madrid, 2002